Manafonistas

The Conviviality of Solitary Games

When it comes to autumn, and winter still months, or a cover, away, journalists and music lovers take a deep breath looking at the records (so far) that do not only turn to be part of the annual magic list, but have the potential of becoming life‘s company. In regards to song albums, I have the luck to now have heard my stunning „quartet of song albums“ in its entirety, everyone of them being a challenge and a reward.

September songs, October songs, autumnal they all are in certain ways. And lifers, for sure. IMO. And though I am obliged to keep my reviews unwritten and unpublished till the week before the albums‘ release, it is easy to name them, realizing some quite great songworks didn‘t make it to my dozen albums of 2022. But here, the soulfood collection, a labour of love each of them. 

One thought beforehand: don‘t believe anyone telling you these albums are too far out and not easy to approach. The only requirement: open ears, time, time, time. And quietness. And not thinking of the good old 70‘s! No jukeboxes around anyway! Bill Callahan‘s work may be his quietest of all, but a whole lot is going on between acoustic strumming, words delivered with measurance, and delicate arrangements – all flirting with the elemental, and reaching out for the deep.

Lambchop‘s album (the double vinyl comes along orange-marbled) may even appear stranger than the enigmatic brilliance of   „Showtunes“, but it is an equally shining star. More cinemascope, but the same degree of little gestures, discreet offerings, slow motion observations. Profound music of highest order, and food for thought.

As is Brian Eno‘s trip to the stars, not forgetting all things lost in the fire of our lives (as far as we can remember). Sometimes, from a distance, everything (losses first, and hands still to hold) falls into place.  An hour of true vibrations! No catchy songs, no singalongs, no fairytale searches of parallel worlds, no hooks, no future evergreens, oh, hold on, in their own peculiar way these songs which could be coined as modern day lamentations, a collection of future „everblues“ at least, striking quite a special, different note, corner in Brian Eno‘s song life. The album is haunting, uncanny, ethereal, anti-nostalgic, lost in space, and, simply said, beautiful in a dark way.

And, the only work available today and for some time now, waiting for you at your local record store, is the „retro existential wonderland“ of Father John Misty‘s double album „Chloé and The Next 20th Century“. Four impressive song albums in a row, and a great companion to it, another autumnal album without songs sung or spoken, Dutch pianist Wolfert Brederode‘s awesome „Ruins and Remnants“, coming later this year, a lifer, too, with piano, percussion, a string quartet. And Manfred Eicher.

Wilco: Cruel Country (out)
The Smile:  A Light for Attracting Attention (out)
Neil Young w/ Crazy Horse: Toast (out)
Daniel Lanois: Piano (23. September)        
Lambchop: The Bible (30. September)    
Keith Jarrett:  Bordeaux (30. September)    
Brian Eno: Foreverandevernomore (14. Oktober)
Bill Callahan: YTI⅃AƎЯ (14. Oktober)

„Sometimes you forget the most basic things. The biggest things! And it just takes a little nudge to get your head back on track. I wanted sounds and words that made you feel and that lifted you up. But first there was a need to bond, to clear the air. Or to just acknowledge the air. So there is some of that on the record. I went for horns because horns are heralds, triumphs, second line funerals and just breath forced through a metal maze or amusement park slide. And I wanted voices, I wanted multiple voices, not just mine. There is too much of just mine right now. So there are 6 or 7 people singing on this record.

Listening to this record takes one hour. Ah hour sounds like a year to me these days. Taking an hour of someone’s life. I fault the internet. I fault ourselves for falling for the internet. An hour is actually lovely, nothing, a lifetime. You have to live that lifetime though in order to appreciate the hour. I’m not suggesting people must listen to this record all the way through in one sitting. It IS sequenced for that particular purpose, though, in case anyone wants to.“

 

– Bill Callahan 

Perhaps the reason I was never a real fan of Roxy Music was they had the wrong singer. This, of course being an offense for Roxy Music die-hards, may raise eyebrows. In hindsight I would have preferred Eno taking center age on the first two albums, but then again, with a voice not perfectly suited for stadium rock, the band might only have gained underground status, who the fuck knows, you can‘t rewrite history. So, when „For Your Pleasure“ was circling our tables in school, I only became mildly interested. (Ferry did a great job, no doubt, but I was looking for something else. Paradoxically, my favourite Roxy album, one I really liked, was „Stranded“, the first without Eno.) This all changed on a rainy December day 1975 in Würzburg, when my first copy of an Eno album blocked my record player for weeks, „Taking Tiger Mountain (By Strategy)“. The songs, their sonic textures, their singing voice, their lyrics had an entrancing quality, and I knew from the start, I had found another favourite musician – and singer. Here‘s an interview with Brian (Detroit, 1974 – the deep static mix).

As time goes by. Now, after those other, quite rare song- or song-related albums (all a class of their own), Here Come The Warm Jets“, „Another Green World“, „Before and After Science“ (close the 70‘s at this point), „Wrong Way Up“ (with Cale), „Drawn From Life“ (with Schwalm), „Another Day On Earth“, „Someday World“ (with Hyde), and „The Ship“ (close the next four decades at this point), here we will have another song cycle, to be released on October 14, „Foreverandeevernomore“ – no catchy songs, no singalongs, no fairytale searches of parallel worlds, no hooks, no future evergreens, oh, hold on, in their own peculiar way these songs which could be coined as modern day lamentations, may contain a collection of future „everblues“ at least, striking quite a special, different note, corner, space, in Brian Eno‘s song life. The album is a challenge, haunting, uncanny, ethereal, anti-nostalgic, lost in space, beautiful in a dark way, and a fantastic melting of ambient and song worlds. Even Scott Walker, I guess, would love it in his tower of song, Leonard anyway. (My German review will be posted in the days of release, as will a second review of mine, in English language, on the same day. Two reviews, each of them coming from a differerent angle.)

Brian Eno torna all’album cantato come non gli capitava da Another Day On Earth. Si tratta di FOREVERANDEVERNOMORE e, come possiamo intuire dal titolo, i riferimenti all’attuale emergenza climatica sono puramente voluti. Proprio come grevi sono i toni di There Were Bells, il primo estratto, brano su commissione scritto assieme al fratello Roger per l’Acropoli di Atene e presentato in un particolare giorno d’estate del 2021 con 45 gradi all’ombra e incendi imperversare non lontano dal luogo della cosiddetta “nascita della civiltà occidentale”.

»Wie jeder andere auch – nur die meisten Regierungen der Welt offenbar ausgenommen – habe ich über unsere prekäre, aussichtslos werdende Zukunft nachgedacht. Diese Musik ist das Ergebnis solcher Gedanken. Richtiger wäre zu sagen, ich habe darüber gefühlt und die Musik ist aus diesen Gefühlen entstanden. Denjenigen unter uns, die solche Gefühle kennen, ist klar, dass sich die Welt in einem rasanten Tempo wandelt und dass große Teile von ihr für immer verschwinden … daher der Albumtitel.

Das sind hier keine Propagandalieder, die einem das Denken und Verhalten vorschreiben wollen. Eher bin ich in den Songs meinen eigenen Gefühlen nachgegangen. Die Hoffnung ist, dass Ihr, die Hörerinnen und Hörer, sie als Einladung versteht, Eure Erlebnisse und Überlegungen zu teilen. Ich konnte mich lange nicht mit dem Gedanken anfreunden, dass wir Künstler eigentlich Gefühlskrämer sind. Gefühle sind subjektiv. Die Wissenschaft geht ihnen aus dem Weg – schwer zu quantifizieren und zu vergleichen.

Aber ›Gefühle‹ sind der Ursprung von Gedanken und auch deren ständiger Begleiter. Bei Gefühlen reagiert der ganze Körper, noch bevor das Bewusstsein sich einschaltet, als blicke man durch einen Weitwinkel, der viel mehr wahrnimmt, als der Verstand bewusst registriert. Die Kunst ist der Ort, an dem wir beginnen, uns mit solchen Gefühlen vertraut zu machen, an dem wir sie uns vor Augen führen und aus ihnen lernen – lernen, was wir mögen und was nicht. Sie wird zum Ausgangspunkt für Gedanken, die zu Taten führen können.

Kinder lernen durchs Spielen; Erwachsene spielen durch Kunst. Kunst gibt uns den Raum, Gefühle ›zu haben‹, allerdings gibt es da einen Aus-Schalter: Ein Buch kann zugeklappt werden, eine Galerie verlassen. Kunst ist also ein sicherer Ort für unsere Gefühle – die glücklichen, aber auch die schwierigen. Manchmal geht es bei diesen Gefühlen um etwas, nach dem wir uns sehnen, manchmal um etwas, das wir meiden.

Ich bin immer mehr davon überzeugt, dass es nur eine einzige Hoffnung gibt, um unseren Planeten zu retten – wir müssen beginnen, ihm mit anderen Gefühlen zu begegnen. Vielleicht, indem wir uns erneut bezaubern lassen von dem Wunder des Lebens; vielleicht, indem uns mit Trauer oder gar Scham erfüllt, was wir bereits verloren haben; vielleicht, indem wir begeistert sind von den Herausforderungen, vor denen wir stehen, und den Möglichkeiten, die sich uns noch immer eröffnen könnten. Kurz gesagt, wir müssen uns neu verlieben, aber diesmal in die Natur,  und auch das Menschenwerk, und unsere Hoffnung auf die Zukunft.«

Brian Eno

Auf seiner Website kündigt Gary Hustwit, der schon den wunderbaren, hier mehrfach erwähnten Film über Dieter Rams gedreht hat nun für nächstes Jahr einen höchst komplexen, mit speziell dafür entwickelten Generative Technologies, Film über Brian Eno an. Vielleicht eher ein der Musikproduktionsweise Eno‘s analoges visuelles Pendant, das auf über 400 Stunden im wesentlichen unveröffentlichtes Material zurückgreift, das Brian Eno dafür mit zur Verfügung gestellt hat. Eine angekündigte Erweiterung des Erlebnishorizonts.

Tous les panneaux de sortie sont allumés. I listened to „Simian Angel“ for the first time at the end of summer, sometime ago, on headphones, at night. A long cable, a chaiselongue in the garden. Heaven seems to be the most lonesome place, at least from the point of view of gardening and Japanese tea ceremonies. Nearly knowbody knows this album.

Strange enough, we can still feel in harmony when looking at the sky at night, that time being seduced by Oren Ambarchi‘s album – two long compositions that defy definitions, limits, opening a constant feel of joy and wonder, kling and klang. A touch of kosmische music here and there.

His guitar sounds like a synth, and an organ, most of the time, and when he plays what sounds like a piano (and is again, made with his guitar – a special treatment really), you might feel, for a moment, a „Music For Airports“-vibe – just another illusion, up, up, and away, with the blink of an eye.

Oren’s partner is Brazilian percussionist Cyro Baptista, and when he starts on berimbau at the beginning of vinyl‘s second side, you are in wonderland. Yes, I thought, for another sequence of seconds, of Nana Vasconcelos‘s famous (or not so famous) solo album „Nana Vasconcelos“, the one with violins and violas coming completely out of nowhere, and knowing about Oren‘s passion for a lot of ECM records, I’m quite sure he might have had a similar memory, for a moment.

The music is crossing area after area, you are not able to, surely not keen on marking a spot. All exit signs on! The earth never solid, the percussion drifting in the windmills of your mind. Not all riddles solved, what do you think. I listened to it again tonite. Another word for melting kindly required, all these thin places.

Da gibt es wieder Figuren in der Landschaft seiner Kompositionen, wie bei Caspar David Friedrich, und seinem Kreidefelsen auf Rügen, sie sind aber noch viel weniger konturiert, viel weniger verlässlich, erproben keine Weisheit, nur unbestimmte Weite, letzte und vorletzte Gedanken (wie bei Krapp oder Molloy), lassen still verlauten, verschwinden, schultern (an und ab) flüchtige Melodien, Figuren einer Melodie – und einmal heisst es sogar „my love“.  (m.e.)

There were birds above
They sang it the whole day through
And the sky revolved a pink to golden blue
All the roads through time
Weave the world’s long rhyme
Let it all unravel in a sea of pearls and swine

There were bells above
That rang the whole day through
And the sky was shot with light and hazy blue
Early days of winter sun
All the days turned into one
All the sirens beckoning the crew

There were horns as loud as war that tore apart the sky
There were storms and floods of blood a human high
Never mind my love, let’s wait for the dove
Fly back to tell us there’s a haven showing night
There were those who ran away,
There were those who had to stay
In the end, they all went the same way

Hier, mit diesen beiden Texten über das Teamwork Eno/Holland, endet mein erster Teil der Remixe alter Texte aus dem Jahre 2011. Eine Fortsetzung folgt im Mai. 2012 werden dann, wenn wir mal positiv denken, weitere Manas  dazustossen, und den Blog in ein munteres Perpetuum mobile neuer und alter Texte verwandeln. Wir sollten im kommenden Jahr den Textraum 2012 / 2013 öffnen. Damit der Chor vielstimmiger wird. Dieser Text hier ist natürlich remixt, und bietet eine verdichtete Version meiner Besprechung von „Drums Between The Bells“. 

1 – PRIMORDIAL SLUDGE

From early on, Brian Eno has been quite sceptical about words, their meanings, their ability to distract our attention from sound. So, although having written outstanding, at times surreal lyrics for his brilliant four song albums in the seventies („Here Come The Warm Jets“, „Taking Tiger Mountain (By Strategy)“, „Another Green World“ (this perfect mélange of songs and purely atmospheric pieces) and „Before and After Science“), he had never added the lyrics.

Now, on this album, the poems are printed. An interesting problem for the master of Ambient Music: poems consist of a highly condensed language, everything within a poem requires careful attention, every syllable, every space between lines, every picture, every breath words take. Eno’s trick: everything becomes sound; the listener decides for himself where to move, foreground, background, wordwise, soundwise. The music offers a broad spectrum: funky passages, trash jazz, exotica a la Eno, post-Kraut-electronics and drifting-spheres, soulful chamber music. Inspired stuff.

2 – INTO THE MURKY WATER

Poems and music – a special affair! „Drums Between The Bells“ will speak, with an open heart, to people who look for vital music they have never heard before, and to those who are curious about a still quite living thing called modern poetry. Remembering the Eno-Byrne masterpiece „My Life In The Bush Of Ghosts“ (1980) with the cut-and-sample approach to speaking and singing voices (mad priests, talking heads, singers from the Lebanon etc), the new record leads from the „bush of ghosts“ to a „theatre of voices“.

Nine voices (most of them women) give life to words, sometimes these voices (including the ones of Brian and Rick) are pure realism, sometimes they are morphed and treated. It’s never a gimmick, it always serves the words, the meanings, the sensual quality! Brian calls these tracks „speech songs“. And, using the language of people who come from other parts of the world, enriches the English words with a surprising, non-professional freshness, a special vibe!

In the brilliant slow motion piece, „the real“, a female voice is speaking about our ability to see or see not „the real in things“, full of repetitions and small changes. A sophisticated way of mixing hypnotic induction with perception theory: solid earth suddenly feels like murky water. The last lines one can (depending on your state of mind) clearly indentify tell us: „while real runs out and seems to see the real as it runs“ – then the voice turns from a soft speaker to a strange species. Seductive.

3 – THE MADNESSES OF MOOD

What do you think, Brian Eno loves about Rick Holland’s poems? I read his little book „Story the Flowers“ and found an interesting mix of careful attention to everyday life, philosophy, humour and science. Small towns, big towns, coastal areas are portrayed in a deeply sensual way (I’m happy to leave out the word „spiritual“ here). There is always an enigma that won’t be solved too soon. Something that hangs in the air. „I thought this was the kind of poetry I wanted to work with. The poems were short and sharp“, Eno writes in the foreword of a special edition, „their images were strong and the language memorable enough to reward repeated listening.“ The music drives, waits, suggests, breathes, swirls, stops, penetrates. And it does a lot more.

Sometimes the words approach the singing area, but it takes a while till we discover an oldfashioned thing called song: near the end, Eno starts singing, and, you know, so many people – nevertheless how much they love his ambient works – have just waited too long for new songs of Mr. Eno („Wrong Way Up“, 1990, „Just Another Day On Earth“, 2005). Now one can take a deep breath, when listening to the brilliance of „cloud 4“ – but, what’s that: a song that could last forever stops after one minute and fourtythree seconds?! We call this English humour. And remember that old saying: brevity is the essence of wit. But, well, I have to confess: the form of the song is perfect, there’s a opening part, a middle section and an uplifting ending:

„the madnesses of mood / weatherfronts we know / hem us in / or free us like children /just one day apart /a lifetime in the sky / sun, scan the sky like flight / search for any sign / (things) will be alright.“

4 – GRAMOPHONE CIRCLES AND BACKGROUND DUST

And then? Then comes nothing (of course a very Cagean and well placed nothing, 56 seconds of silence) – and after that, a quiet revelation, another fantastic song: Eno delivers „Breath of Crows“ with a deepness in his voice you have rarely ever heared. Robert Wyatt will send kisses! Eno sings with a vulnerability, a slowness, an intensity that is not so far away from the last Scott Walker albums.

„my god is in the breath of crows / it grows and shrinks with nature’s wish / a fire with no link to the wish of man / but it must be absolute, this god, /for when the mind is still it moves. / my god is in the breath of crows / may i not delude my i to think / he grows to grant my wish / or wash my sin / but let me watch in wonder / as he makes his work / wonder in this. / the sounds of holy night abound / kestrel calls and bells / drink the air /and the race for meaning quells /(let it in) /or the calls will sound like hollow tin /or gramophone circles / and background dust / i must replaced by must / by scent and sense /wonder this.“

5 – NO FINAL WORDS

I have no doubt that first reviews will be controversial, „thumbs up“ or „thumbs down“. Strange beasts (for sure those that come along with modern poetry) easily produce defense mechanisms a la „highbrow“ or „very intellectual“. There is nothing highbrow in this work. And don’t expect some final words about the album. Many of you will be surprised, I think, in more than one or two ways! Old school? No, this is cuttin‘ edge! And Eno never overeggs the pudding: „Drums Between The Bells“ is a wild thing on ots own peculiar ways.

P.S. The „special edition“ offers a foreword (we get to know somethin about the history of speech-songs), Eno’s imagery inspired by the music, and purely instrumental versions of the tracks – highly recommended, too! By the way, all the music is performed by Brian Eno. On some pieces Leo Abrahams plays guitar, Seb Rochford does some excellent drum work on the opening track, and the wonderful Nell Catchpole (who already added her magic in the days of WRONG WAY UP) plays violin and viola to several pieces.

Erinnerungen sind gerne trügerisch in Details, und in anderen, noch flüchtigeren Fundstücken einer fernen Zeit, extrem genau.“ (Ergänzung: auf keinen Fall sollte dieser Text von jemandem gelesen werden, dem er bekannt vorkommt.) 

1978 war eine Zeit, in der Kakteen interessante Schatten warfen in meiner leergeräumten Wohnung. Sie hatte gerade so viel mitgenommen, dass der Begriff Leere eine neue Bedeutung in meinem Leben bekam. Die erste Frau, die danach über Nacht blieb, hiess Julia und erzählte von ihrem Freund, einem Jazzdrummer, der Angst hatte, sein Augenlicht zu verlieren, weil seltsame Glaskörper durch seine Pupillen schwammen. Am Morgen nach der einzigen Nacht mit Julia klingelte der Postbote einmal, und ich mahm das neue Album von Brian Eno in Empfang, „Music For Films“. Eine Anzeige von Polydor in der „Sounds“ hatte die Langspielplatte beworben mit der Überschrift „Der Mann im Hintergrund“. Ich legte die Musik auf, und die Leere in meiner Wohnung im 7. Stock gewann eine betörende Qualität. Julia mochte die Musik auch und verliess meine Wohnung und mein Leben.

1980 fuhr ich mit einem Freund öfter ins „Act“ nach Weissenohe (oder so ähnlich), das war ein Wallfahrtsort mitten in der Fränkischen Schweiz, wo mal en passant Ultravox spielten, Kevin Coyne oder Robert Fripp´s The League of Gentlemen. Fripp liess ich mir nicht entgehen. Auf dem Hinweg zu der umgebauten Scheune im Hinterland hörten wir einen Meilenstein, von dem Easy Ed und ich damals schon wussten, dass es ein Meilenstein werden würde, „Colossal Youth“ von den Young Marble Giants. Robert Fripp war gut gelaunt, und seine Wave-Kapelle rockte den alten Kuhstall. Als ein Hörer Robert Fripp bat, doch etwas aus sich herauszugehen und den Schemel zu verlassen, auf dem er sass, entgegnete Fripp: – I have to sit. I´m only a limited guitar player. Süße Duftschwaden füllten den Raum, nicht lange danach machte die Polizei diesen dezenten Drogenumschlagplatz dicht.

1982 sah ich Herrn Fripp wieder, diesmal in dem alten Nürnberger Stadion, mit 30.000 Festivalbesuchern an meiner Seite, mit Anna, und an einem verdammt heissen Sommertag. Mein kleines Woodstock. Meine Geliebte hatte Lust, das Wochenende in einen französischen Film zu verwandeln. Wir hörten Fripps revitalisierte Ausgabe von King Crimson, mit Adrian Belew, Tony Levin und Bill Bruford. Obwohl der Fripp-Faktor auf dem zuvor erschienen, fantastischen Album „Discipline“ hoch war, brachte Belew auch etwas vom fiebrigen Geist der Talking Heads mit ins Spiel. Spät am Abend Neil Young und Crazy Horse mit Nils Lofgfen, bei „Cortez the Killer“ reckten wir unsere Feuer in den Himmel. Etwas später  ging der Blick von unserm Hotelfenster auf den Rathausplatz hinaus, und mein Name war Jean Pierre Leaud. Der Blick war weniger Paris und mehr Rüdiger Vogler in dem Wenders-Film, in dem der gelockte Hippie auf die Altstadt von Husum schaute und sich die Troggs auf seinem Plattenspieler drehten. Auf der Rückreise lief Benzin unbemerkt aus dem Tank, und der grellgrüne Hippie-VW schleuderte im Kreis. Drei Monate später waren wir Geschichte.

Der Braun SK-61 von 1956, eine Radio- und Phonokombination, volkstümlich damals auch „Schneewittchensarg“ genannt.

Der Braun T-1000 von 1963, der Kurzwellenempfänger, der in keiner Botschaft und bei keinem Top-Spion fehlen durfte.

Zwei Beispiele für Designs von Dieter Rams. Geboren 1932 in Wiesbaden, wollte er zunächst Architekt werden, landete aber dann eher zufällig im Industriedesign. 1955 trat er in die Produktgestaltung der Firma Braun ein, 1961 übernahm er deren Leitung. Jeder hat Designs von Dieter Rams schon gesehen. Seine Formensprache beruht auf radikaler Reduktion auf das Wesentliche, auf Langlebigkeit, und auf einem ausgeprägten Sinn für praktische Benutzbarkeit, vom Rasierer über die Saftpresse bis zum Regalsystem — „gutes Design ist so wenig Design wie möglich“ lautete eine seiner Maximen, die heute an jeder Kunsthochschule gelehrt werden.

Das Braun-Design wurde auch im Ausland so bekannt, dass Rams dort irgendwann als „Mr. Braun“ durchging. Es funktionierte, weil die Gebrüder Braun voll hinter ihm und seinem Team standen (das übrigens rein männlich war — damals war das normal und wurde von niemandem hinterfragt). Das ging gut, bis 1967 die Firma Braun von der Gillette Company übernommen wurde. Ab da hatte Rams immer weniger Rückhalt für seine Designphilosophie. Die Designs sollten saisonweise gewechselt werden, auch das Braun-Logo sollte in Riesenklotzbuchstaben auf den Produkten erscheinen. Klar, dass besonders Letzteres jemandem wie Rams nicht gefallen konnte („Wenn Sie sich einer Person vorstellen, schreien Sie dann?“), und so verstärkte er seinen Nebenjob als Möbeldesigner für die Firma Vitsoe. Dieser Name war mir neu, wenngleich Möbel dieser Firma auch wieder jeder bereits gesehen hat. Auch Rams‘ Türklinken der Firma FSB dürfte jeder schon in der Hand gehabt haben. Zwischen 1981 und 1997 lehrte Rams Industriedesign an der HfbK in Hamburg. Insbesondere Apple dürfte einiges von ihm gelernt haben.

Nun gibt es einen 75-minütigen Portraitfilm über Rams, hergestellt von dem Dokumentarfilmer Gary Hustwit, der Designfreaks spätestens seit seinem Film über die Schriftart Helvetica (2007) bekannt sein dürfte. Der Film ist ein Crowdfunding-Projekt von 2019 und begleitet Rams durch einige Stationen seines Lebens, zeigt Produkte, Weggefährten, aber lässt ihn vorrangig selbst zu Wort kommen, sowohl über seine eigene Arbeit wie auch über die Arbeiten einiger seiner Kollegen — etwa Ettore Sottsass, dessen knallrote Valentine noch heute Rams‘ Schreibgerät ist. Einen Computer sieht man nicht bei ihm, obwohl ich sicher bin, dass er auch damit umgehen kann. Wichtigster Drehort ist das Arbeitszimmer in Rams‘ Haus im hessischen Kronberg. Haus und Garten sind Teil einer Werkssiedlung von Braun, an deren Gestaltung er selbst beteiligt war — auch wenn er damit nicht ganz zufrieden gewesen zu sein scheint.

Relativ früh bereits hat Rams über Umweltaspekte seiner Produktgestaltung nachgedacht, und oft merkt man das den Produkten auch an. Nicht immer ganz einverstanden bin ich mit Rams‘ Ansichten über die heutige Zeit. Für einen hellen Geist wie ihn kommen mir manche seiner Einwände recht eng gedacht vor; etwa seine Auffassung zu Leuten, die permanent auf ihr Handy starrend durch die Straßen laufen und dabei Bilder wahrnehmen, die in deren Köpfen nicht mal hängenbleiben. Nicht, dass ich solche Leute nicht auch ein bisschen albern fände — aber sollte einem Designer von seinem Format nicht selbst klar sein, dass diese Leute eine bestenfalls temporäre Erscheinung sein werden? Ich jedenfalls bin sicher, dass die heutigen Handys in fünf oder zehn Jahren (man nagele mich bitte nicht auf eine Zahl fest) aus dem Stadtbild verschwunden sein werden. Dann nämlich werden sie zum integralen Bestandteil unserer Kleidung geworden sein.

Die optische Gestaltung des Films ist sympathisch an Rams‘ ästhetische Auffassungen angepasst, kein Grafikelement ist überflüssig. Die DVD- oder Blu-ray-Version kommt als Teil eines 80-seitigen Buches im Format 16 x 17 cm daher. Der Regionalcode ist 0, der Film sollte also überall laufen. Der Film ist auch online abrufbar, dann allerdings ohne die 30 Minuten Bonusmaterial, das die DVD bietet und das teilweise nicht weniger interessant ist als der Film selbst. Die Sprache ist durchweg deutsch, einige Aussagen sind englisch. Durchgehend sind alle nicht-englischen Passagen untertitelt.

Die Originalmusik des Films ist von Brian Eno. Zum Record-Store-Day wird der Soundtrack als Vinylalbum erscheinen. Die Musik hat gewohnte Eno-Qualität, ohne in irgendeiner Weise besonders auffällig zu sein. Auch für Eno gilt bekanntlich Rams‘ Motto: Less but better.