Manafonistas

David Crosby – „For Free“ (feat. Sarah Jarosz)

Konzentriertes und entspanntes Hören, das ist eine nie zu unterschätzende Ressource. Manchmal entdeckt man das Besondere eines Albums erst mit der Zeit, mir ging es so mit „Ignorance“. Tamara Lindeman ist die Bandleaderin von The Weather Station, und ihre beiden letzten Werke haben spätestens ihre Extraklasse bewiesen. Es sind raffinierte Songs, deren doppelte Böden nie gekünstelt wirken. „The result is a collection of songs that feels like a classic; a record that, sonically, might have been written at any point over the past 50 years. In part this is a trick of the ear – counter to the complex rhythms of its predecessor, How Is It That I Should Look At The Stars has a notable absence of percussion, which allows the songs to float free.“  In TheQuietus erzählt sie von Alben, die beträchtlichen Einfluss auf sie hatten. Mit dabei The Books, Talk Talk, Joni Mitchell, und eben Bill Callahan, einen Songpoeten, der auf diesem Blog von Anfang an und mit jedem Album vorkam.   „Sometimes i wish we were an eagle“ ist ein unfassbar gutes Album! (m.e.)

„Als ich meine lyrische Stimme fand, wurde ich von einer Reihe ganz bestimmter Arten des Schreibens beeinflusst, die nicht viele Leute machen. Diese Platte von Bill Callahan, Sometimes I Wish We Were An Eagle, und Bill Callahan im Allgemeinen, ist durch und durch philosophisch. Es ist Musik zum Nachdenken. Ich weiß noch, als ich dieses Album zum ersten Mal hörte, wurde mir klar, wozu Texte gut sind. Seine Texte auf diesem Album hatten einen sehr prägenden Einfluss auf mich, was die Art und Weise angeht, wie ich über den Zweck von Texten denke, und welche Art von Geschichten Texte erzählen können. Er ist ein außergewöhnlich ernsthafter Texter, der aber auch in der Lage ist, extrem witzige und fast schon skurrile Zeilen in seine Songs einzubauen, die einen aus dem Konzept bringen. Außerdem ist seine Schreibe nicht verschnörkelt. Er verwendet nicht wirklich schöne Worte. Wenn er es tut, ist es ein Schock! Für mich ist es wichtig, das von anderen Künstlern zu hören, denn ich halte mich selbst nicht für einen sehr poetischen Autor. Ich gehe an Texte aus einem pragmatischen Blickwinkel heran. Meine Absicht ist jedoch Poesie, und das ist etwas, das ich auch in Callahans Texten höre. Ich war einfach so dankbar, dass „Sometimes I Wish We Were An Eagle“ existierte. Ich verstehe diese Musik, und das hat mich beruhigt.“

Lange vor Corona schon und der schleichenden Invasion durch Aluhüte, Querdenker und Verschwörungstheoretiker jeglicher Coleur, tauchte in der Bevölkerung ein allgemeines Unbehagen angesichts der Bevormundung durch öffentliche Medien auf, von dem auch unsereins sich affiziert sah. Es ging schlichtweg um die Erkenntnis, dass Berichterstattung selten objektiv ist, hingegen meist an Einflussnahme gross. Auch stellte man eine Anpassung persönlicher Äusserungen an die sogenannte political correctness oder social correctness fest. Man konnte allerdings einem Claus Kleber vom Heute-Jounal, Stefan Aust von der Welt oder einer Grünen-freundlichen Taz-Literatur sowenig vorwerfen, dass sie beeinflussen, wie einem Lebewesen, dass es atmet oder anderweitig oszilliert. Hier waltet immer noch das selbstregulative Kritik- und Konterwesen, in Anlehnung an Kants Kritik der eigenen Urteilskraft. Auch Skeptiker erheben hier das Wort: „Ich glaube erstmal gar nichts!“ Ganz ähnlich fand sich auch in der deutschen Tatort-Landschaft zuweilen dieses Unbehagen, kam man sich als Fernsehzuschauer oft vor wie im Sozialkundeunterricht. Was auch öffentlich-rechtliche Drehbuchautoren mühsam lernen mussten: der Zuschauer ist kein unmündiges Kind oder Sektenmitglied, dem man Botschaften einimpft. Amerikanische Serien waren für unsereins ein stark wirksames, pädagogikfreies Antidot gegen diese Art der Idiotie, denn sie vermittelten Traum- und Realitätsstoff frei von Belehrung. Und wenn sie nicht gestorben sind, dann wirken sie bis heute: in tausend und einer Bingewatch-Nacht.

Wenn es um wiederkehrende Orte geht in den Geschichten der Manafonisten, tauchen manche mit schöner Regelmässigkeit auf: London, Düsseldorf, Pittsburgh, Dortmund, Würzburg, Kronach, Berlin, einzelne Inseln der Kanaren, Kristiansand, Hannover, Sylt, Northern California – die kleinste aller wiederkehrenden Ortschaften ist aber fraglos Bergeinöden nahe Arnschwang in der Oberpfalz, unweit der tschechischen Grenze.

Dort, in Furth i. W., finden sich nun etliche Sozial- und Psychotherapeuten zu einem Wiedersehen ein, die dort in den Jahren 1980 bis 1982 und mitunter auch sehr viel länger in der Fachklinik für Alkohol- und Medikamentenabhängige wirkten. 40 years later…  Nach der Produktion meiner Ausgabe der JazzFacts mit Neuem von der improvisierten Musik am Vormittag des 5. Mai (eine besondere Rolle werden Bill Frisell und John Scofield spielen), düse ich erstmal nach Würzburg, um in meiner alten Stadt aus Studentenjahren eine Nacht zu verbringen. Dann geht es weiter, und vom 6. bis 9. Mai schlage ich mein Zelt nahe dem Steinbruchsee auf. Wer über diese Zeilen stolpert und mich noch in hoffentlich bester oder zweitbester Erinnerung hat, kann mich gerne nach Würzburg für einen Abend und eine Nacht einladen. 

Wenn ich an Bergeinöden denke, erinnere ich mich an Lesenächte mit dem Klassiker „Walden“ von Henry David Thoreau. Ich hatte dort, blutjung, meine erste Stelle als Psychologe angetreten und eine Souterrainwohnung am Ausläufer des Hohen Bogens gemietet, „mein Dorf“ bestand aus einer Handvoll Häusern.

Ich fremdelte ein wenig nahe der tschechischen Grenze, meine Studienstadt Würzburg war drei Autostunden entfernt, Dortmund in schier unerreichbarer Ferne. Und meine zwei ersten Bücher waren „Ripley Underground“ von Patricia Highsmith, und eben Mr. Thoreau. Aber nach ca. 150 Seiten verlor ich, warum auch immer, die Lust an der Lektüre. ich weiss aber noch (ungefähr) zwei Dinge aus dem Buch. Thoreau beschreibt, wie man trainieren kann, in ungewohnt kühler Umgebung gut zu schlafen, und er macht sich über das ständige Geschrei über Neuigkeiten lustig. Schon damals waren Übertreibungen, speziell in der Kultur, weit verbreitet.

Knapp zwei Jahre hielt ich es am Arsch der Welt aus, als Stadtkind war das eine harte Nummer, und Ausflüge nach München reine Selbsttherapie. In München kaufte ich damals Egberto Gismontis zauberhaftes Album „Solo“. Und stromerte durch Schwabing. Wenn ich an die Schallplatten denke, die in meiner Zeit in Bergeinöden das Licht des Marktes erblickten, fallen mir, neben Gismonti, aus dem Stegreif zwei ein, die unentwegt liefen, und reine Seelennahrung waren: „Remain In Light“ von den Talking Heads (einmal drehte die alte Wirtin, weil ich allein war mit meinem Wiener Schnitzel, den „Zündfunk“ laut auf, und es liefen „Listening Wind“ und „London Calling“) – und „On Land“ von Brian Eno: eine Platte für die Ewigkeit, sie hatte dort in Bergeinöden, wo ich umgeben war von dem Dialekt der Oberpfälzer, von einem an der Kette schlagenden, verbitterten Hund, und später auch, hinreissend berauscht, von einer Indianerin aus meinen Kindheitsträumen, ihren perfekten Ort gefunden. An dem Abend, an dem ich ein Party gab, und kurz vor Mitternacht der Western „Der Mann, der Liberty Valance erschoss“ lief, veränderte alles, für eine gewisse Zeit!

Ich freue mich auf Würzburg und Bergeinöden – zwei „Geisterorte“ am Stück, denn wie anders erlebt man Ansiedlungen, in denen alle einem einst vertrauten Menschen schon ewig und drei Tage lang das Weite gesucht haben?! Ich liebe Gepenstergeschichten.

Valentine’s Day Is Over

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Kit Downes’ new trio album is a pure joy to listen to. Downes has a beautiful touch on piano and demonstrates he is quite capable of fresh invention, both compositionally and improvisationally. His playing here is lyrical and poetic, yet he’s not afraid to occasionally venture into darker tonalities, suddenly juxtaposing angular phrases to more conventionally melodic motifs. For the most part, these tunes are rather unpredictable –  not many melodies here one might find oneself singing in the shower, yet paradoxically, these evanescent pieces, even at their most abstract, are approachable, inviting the listener to revisit them for a deeper dive.

There is a sense of a keen, disciplined intellect at work here, imbued with purposeful passion, resulting in a high wire balancing act of head and heart. Downes has obviously studied Bach. He employs precise contrapuntal lines in his left hand, that when deployed, add extra layers of texture and musical depth.  

Although largely a dreamy affair, tunes like the upbeat Sandilands, or Waders, a medium tempo composition, evince plenty of muscular playing and show off the fine level of interaction that only a long standing trio can muster. Sister Sister is perhaps the most tender offering while Class Fails, a gospel tinged short ruminative piece, reveals the elegiac,  contemplative side of the trio. 

Special mention must be made of the brilliant cover of Jimi Hendrix tune, Castles Made of Sand. It’s an abstract version which barely references the original melody. This is the kind of cover I love – as opposed to the Wasilewski trio’s recent tepid and overly literal cover of The Doors Riders of the Storm, the trio here uses it as a jumping off point to explore nooks and crannies I believe Jimi would’ve been happily surpised to hear.

The writing chores were evenly split between Downes and bassist Petter Eldh. Eldh’s pieces tend to be the more energetic contributions, while Downes writing tends towards the introspective. James Maddren, drums, gives tasteful support throughout. He seems to know just what is required and leaves out the extraneous. Eldh’s playing is interactive and always in service to the whole sound – he has flawless intonation,  a deep round tone, and his melodic approach reminds me at times of a young Marc Johnson. 

There are many fine new trios popping up these days. Besides their superb musicianship, what distinguishes this trio from the others is their subtle (and sometimes extreme) use of dynamics, something one rarely hears used in such a startlingly effective, musical manner. The trio seems to know this material well – it sounds already lived in and comfortable, enabling the unit to explore and interact at a deep level; the music really breathes here. With his refined, classical touch and technical precision, married to a strong rhythmic and innate melodic sensibility, at times Downes reminds me of the late John Taylor, which is meant as the highest compliment. My favorite ECM release so far this year. 

“Yeah, I think it can only work on a telepathic level. It was natural – you live almost like a cult when you’re younger. Each person would have their thing they were into most and they’d bring that to the table. (…) We’d all gravitate to certain things – Everyone loved Lee Perry, I loved Frank Sinatra and doo-wop groups. My grandad had all these old records, like Reader’s Digest Hawaiian and choral records, and that’s where we’d pick a lot of stuff up from.“

(James Skelly, The Coral)

 

Im letzten Jahr fand ein Doppelalbum viele begeisterte Hörer, „Coral Island“ von The Coral, eine Zeitreise entlang alter englischer Küstenkäffer, mit wunderbaren spoken word-stories und einem Melodientaumel, der in alter Zeit manche Jukebox in Beschlag genommen hätte. Seltsamerweise  war ich der einzige Manafonist, der in den Sog dieses Trips geriet – was meine Erinnerung an zwei Wochen Torquay wachrief, an eine surreale Bootsfahrt mit einem sprechenden Hund. Eine urbritische Band knüpfte damit an den Zauber von „Magic and Medicine“  und ihres Debuts „The Coral“ an, aus dem Jahre 2002, das jetzt neu aufgelegt wird (diese „anniversary edition“ enthält die üblichen b-sides und rarities, mit einigen echten Granaten – und das Cover spricht sowieso Bände) –  und damit sind schon mal in einem Satz drei ziemlich grossartige Popalben genannt. 

Damals waren einige von den sechs Freunden noch Teenager, und sie liebten gutes Haschisch, Captain Beefhearts „Safe As Milk“ (das auch ein gewisser Brian Eno grandios fand), und „Forever Changes“ von Love, dass in unendlich vielen Bestenlisten auftaucht. Nun habe ich immer nur vom Kopf, aber nie vom Bauch her verstanden, was an diesen beiden Platten so weltbewegend sein soll, aber ganz sicher war ich damals dem rauen Charme des Debuts der Briten erlegen. Wer noch eine alte Aufnahme der „Klanghorizonte“ aus jener Zeit besitzt (verwittert, Chromdioxid) – das Interview mit James Skelly war ein echtes Highlight. Mein alter Bekanter Tom Pinnock lebte vor Ort und besitzt wesentlich mehr Insiderwissen – er bringt es so auf den Punkt:

Die Zeit hat eine Art, die rauen Kanten von Songs zu glätten, das, was einst schockierend war, abzuschleifen, bis es sich sicher anfühlt. Einige Momente sind jedoch seltsam widerstandsfähig: Zum Beispiel „Revolution“ von den Beatles, dessen stechender Fuzz immer noch so ungesund aufregend ist, wie er es vor fast 54 Jahren gewesen sein muss. Auch „Skeleton Key“ von The Coral hat sich als ziemlich hartnäckig erwiesen: Der erste richtige Vorgeschmack auf ihr selbstbetiteltes Debüt aus dem Jahr 2002 kombinierte ungelenkes Beefheart-Geschepper mit Shanty-Gesängen und einem Space-Rock-Mittelteil, der wie von einem Post-Syd-Floyd-Album herübergebeamt schien. Oh, und ein scherzhaftes Disco-Funk-Coda, in dem die Band scheinbar die Kinderfernsehserie Byker Grove zitiert. Die Mischung dieser Elemente ist an sich nicht bemerkenswert, aber die Art und Weise, wie das Sextett es geschafft hat, dass sich das Ergebnis so natürlich und zusammenhängend anfühlt, ist es schon.

Martina berichtete kürzlich in einem Kommentar, dass die Pandemie die Hörgewohnheiten einer Freundin verändert habe, sie höre jetzt kaum noch molllastige Musik (so erinnere ich es wenigstens, ist schon ein paar Wochen her). Auf Anhieb dachte ich, dass dies für mich nicht zutrifft: am häufigsten lief bei mir in den letzten Monaten mit Amnesiac ein zeitloses Klanglabyrinth, sicher kein Quell der guten Laune. Davon abgesehen ist es schon so, dass bei mir in dieser Zeit des Schmuddelwetters und der ungemütlichen Gesamtlage (eine meiner täglichen Aufgaben ist es, den Vertretungsplan für eine Schule zu erstellen, womit ich gerade überdurchschnittlich viel zu tun habe) Musik läuft, die eher gute Laune verbreitet. Ich mag an der Stelle ja das englische Wort „uplifting“ ganz gerne, die deutschen Übersetzungen „erhebend“ und „erbaulich“ treffen den Kern nicht, „aufmunternd“ passt schon eher, aber auch nicht wirklich. Ende letzten Jahres kaufte ich zwei gebrauchte Pet Metheny LPs: „Wichita Falls“ und „Pat Metheny Group“. Midwestern light, wide open spaces, coffee with milk and lots of sugar and one of the most beautiful songs Rick Beato knows. Meine Wertung: knapp 4 Donuts mit Zuckerglasur für beide Alben. Dann kamen in den letzten zwei Wochen noch drei Platten bei mir an. Bei dem Album des Ibrahim Khalil Shihab Quintet ist der Titel Program: Spring. Hier sind Charles Lloyd oder John Coltrane als Assoziationen naheliegend, insgesamt wunderbar sonnige Musik. Leider mussten die Klänge 1968 in Johannesburg in nur zwei Stunden aufgenommen werden; man wünscht sich, diese so gut eingespielten Musiker hätten die Chance gehabt, ein ernsthaft produziertes Album aufzunehmen. Trotzdem: diese Musik verströmt unverschämt gute Laune und bekommt als Wertung 3 1/2 Gläser frisch gepressten O-Saft. Mit der Post kam ausserdem Cat von Hiroshi Suzuki, ein Juwel aus Japan, das aber eher nach groovy West Coast klingt. 1975 aufgenommen, Schlagzeug, Bass, Keyboards, Saxophon und Posaune. Wertung: 4 Flat Whites.

Und dann war da noch Trio Tapestry von Joe Lovano & Co im Paket. Hiermit bin ich noch lange nicht fertig, schreibe später hoffentlich etwas, vergebe aber als Wertung schon mal 4 Klangschalen und einen Gong für dieses meisterhafte Webstück.

Bei nicht wenigen Lesern dieses Blogs hat die von Marc Hollander und Crammed Discs früh in den Achtziger Jahren ins Leben gerufene Musikreihe „Made To Measure“ dauerhaft Spuren hinterlassen. Kam ein Gepräch auf dieses Brüsseler Label für überwiegend instrumentelle  Musik abseits des Mainstreams, fielen mir stets zwei Favoriten ein, MTM 8 und MTM 15. Interessanterweise führte ich das erste Interview meines Lebens mit Sussan Deyhim & Richard Horowitz, im Che Coo La La in Dortmund (s. Foto). Heiner Goebbels war von dem Album „Desert Equations“ und der Stimme der gebürtigen Iranerin ähnlich begeistert, und so ist Sussan Deyhim auf einem seiner besten Arbeiten zu hören („SHADOW – Landscape with Argonauts“ –  auch Brian Eno ist ein Bewunderer dieses ECM-Albums). Richard H. ist auf einigen Alben von Jon Hassell zu hören, etwa auf „Vernal Equinox“ und „Power Spot“. Und hat das betörende Solowerk „Eros In Arabia“ geschaffen, das vor Jahren neu aufgelegt wurde.

Und dann war da ja noch MTM 15, das im Jahr seines Erscheinens – 40 years ago – spät abends manche Nacht in einem Dorf namens Bergeinöden am Ende der Welt einleitete (a year of magic, eros and dying dreams, a novella in preparation), und, auch wenn ich damals noch keine Bestenlisten führte, zählte es, rückblickend, zu meinen unvergesslichen Alben des Jahres 1982, neben ein paar ECM’s (u.a. Mike Nocks „Ondas“), sowie Bruce Springsteens „Nebraska“, XTCs „English Settlement“, Donald Fagens „The Nightfly“, Dexys Midnight Runners „Too Rye Aye“, Laurie Andersons „Big Science“, und Brian Eno‘s „On Land“ Hätte Enos Meilenstein zum 40-Jährigen nicht endlich eine Surround-Version verdient!? Eigentlich ein Witz, dass dieses Album, das seinerzeit eine Anleitung zu einer simplen All-Around-You—Version mit einem dritten Lautsprecher beiliegen hatte, nie in 5:1 aufgelegt wurde. Nun gut, es lockt auch so in die Tiefe des Raumes… Crammed Discs merkte damals zu MTM 15 dazu an:

A photographer, writer and poet of the analog synth, Benjamin Lew used to work as a mixer of exotic cocktails in a bar which was haunted by Tuxedomoon’s sax-player, and by the rest of the American Lost Generation of early Eighties Brussels. The encounter gave birth to one of these discreet but unforgettable minor miracles which take place sometimes. The fact that the title of the resulting album („Douzieme Journee: le Verbe, la Parure, l’Amour“) is taken from a book (by ethnographer Marcel Griaule) on the cosmogony of the Dogon people of West Africa points to the magical and radically alien dimension of this music.

SUSSAN DEYHIM & RICHARD HOROWITZ  Desert Equations: Azax Attra (MTM 8) // BENJAMIN LEW / STEVEN BROWN Douzieme Journee: le verbe, la Parure, l‘Amour (MTM 15) – beide Werke sind nun wieder erhältlich, auch als Vinyl. Massanfertigungen für den Underground! Ein neues Album von Steven Brown kommt 2022 raus, sein erstes seit Ewigkeiten.

Steve Gadd – Larry Goldings:

„No More Blues / Chega No Saudade“