Manafonistas

I was completley stunned when I listened to her two or three appearances on one of the most moving and deep musical experiences i‘ve had in recent times, it took some time to fully realize that STANDARDS VOL. 4 (well, no decent standards, thanks god, no Tin Pan Alley at all, grateful for that) by the, haha, „National Jazz Trio of Scotland“, Mister Wells‘ unique work in progress, is an absolute masterpiece, or, if you think I‘m slightly over the top here, or carried away by enhusiasm, at least it is „a masterpiece of its kind“, and Robert Wyatt would surely be deeply touched and impressed, by a song album that knows so different layers of surface simplicity, and darkness inside. Thank you for the record, Mr. Wells. And, me oh my, the wonderful singer / vocalist at your side! And the art of crescendo!

Als ich zum ersten Mal Gegenstände zwischen die Saiten eines Klaviers steckte, hatte ich den Wunsch, die Töne zu besitzen (und sie dadurch wiederholen zu können). Als aber die Musik von mir wegging und von Piano zu Piano und von Pianist zu Pianist lief, wurde klar, daß nicht nur zwei Pianisten sich wesentlich voneinander unterscheiden, sondern daß auch zwei Pianos niemals identisch sind. Wir haben es im Leben weniger mit der Möglichkeit von Wiederholung zu tun, als mit den einmaligen Qualitäten und Eigenschaften einer jeden Gelegenheit.

Das präparierte Klavier, die Eindrücke, die ich vom Werk meiner Künstlerfreunde erhielt, das Studium des Zen Buddhismus, mein Durchstreifen von Feldern und Wäldern, auf der Suche nach Pilzen, das alles hat mich dazu geführt, die Dinge eher zu genießen, wie sie kommen, wie sie sich ereignen, und nicht als Dinge, die man besitzt, die man hütet oder zum Dasein zwingt.

John Cage, in: Daniel Charles „Musik und Vergessen“

In der letzten Woche war in der Süddeutschen-Zeitung eine Buchbesprechung von Thomas Steinfeld zu lesen. Es ging um ein Buch des Berliner Schriftstellers Friedrich Christian Delius. „Die Zukunft der Schönheit“. In diesem Buch wird von einer Begegnung mit Albert Ayler berichtet. Der Erzähler sei zu der Tagung der Gruppe 47 im Jahre 1966 nach Princeton eingeladen worden und anschließend wäre er nach New York gefahren und hätte dort in einen Jazzkeller in der Lower East Side Albert Ayler und seinen Free Jazz gehört …

Diese Rezension erinnerte mich an eine große schwarze Box, die seit vielen Jahren in meinem Plattenschrank steht und ständig vergeblich ruft, ich möge mich endlich mal wieder mit ihr beschäftigen. Nun, der Artikel hat mich dazu verführt, die Box aus dem Plattenschrank zu holen und abzustauben. 2004 hatte die englische Musikzeitschrift WIRE Albert Ayler Holy Ghost: Rare & Unreleased Recordings (1962-70) als Platte des Jahres ausgewählt (auf Platz 2 kam übrigens Sonic Youth: Sonic Nurse und auf Platz 3: Fennesz: Venice).

Ich dachte mir, okay, diese Box sollte in deinem Plattenschrank nicht fehlen und kaufte sie mir. Was für eine Überraschung: Man öffnet einen schön gestalteten schwarzen Kasten und erblickt zunächst ein in blaues Leinen gebundenes Buch, 208 Seiten, wunderschön gestaltet, bebildert, mit allen nur erdenklichen Informationen zu den neun CDs. Das hier abgebildete Foto des jungen Albert liegt ebenfalls in der Box, dann: eine gepresste Blüte, eine Notiz des Meisters auf Hotelbriefpapier geschrieben (Hotel Esplanaden / Kopenhagen), ein Werbeblatt des New Yorker Clubs “Slugs“ mit Hinweisen auf Konzerte im September und Oktober 1967, eine Schrift von Paul Haines: Ayler-Peacock-Murray- You And The Night And The Music, ein Auszug aus einem Heft The Cricket – Black Music in Evolution mit Aufsätzen zu Pharoah Sanders und Albert Ayler, eine CD, die sich in einer als Tonbandbox gestalteten Hülle befindet. Die CD enthält zwei Ayler-Titel: Tenderly und Leap Frog, aufgenommen am 14.September 1960. Ganz unten im schwarzen Kasten findet man dann endlich die neun CDs. Diese Musik zu hören, das erfordert schon Mut und Durchhalte-vermögen, wofür man dann letztlich aber belohnt wird: Free Jazz eben.

Folgende Musiker wirken auf den Aufnahmen mit: Albert Ayler (tenor saxophone), Herbert Katz (guitar), Teuvo Suojärvi (piano), Heikki Annala (bass), Martti Äijänen (drums), Cecil Taylor (piano), Jimmy Lyons (alto saxophone), Gary Peacock (bass), Sunny Murray (drums), Don Cherry (cornet),  Burton Greene (piano), Frank Smith (tenor saxophone), Steve Tintweiss (bass), Rashied Ali (drums), Don Ayler (trumpet), Michel Samson (violin), Mutawef Shaheed [Clyde Shy] (bass), Ronald Shannon Jackson (drums), Frank Wright (tenor saxophone), Bill Folwell (bass), Beaver Harris (drums), Milford Graves (drums), Pharoah Sanders (tenor saxophone), Chris Capers (trumpet), Dave Burrell (piano), Sirone (bass), Roger Blank (drums), Call Cobbs (piano, Rocksichord), Bernard Purdie (drums), Mary Parks (vocal, prob. tambourine), Vivian Bostic (vocal), Sam Rivers (tenor saxophone), Richard Johnson (piano), Richard Davis, Ibrahim Wahen (bass), Muhammad Ali (drums), Allen Blairman (drums) u.a. … Paul Bley fehlt in dieser erlauchten Liste, erstaunlich eigentlich.

Übrigens Thomas Steinfeld behauptet in seinem Artikel, Albert Ayler sei im Herbst 1970 im Alter von nur 34 Jahren gestorben, vermutlich habe er sich auf der Fähre zur Freiheitsstatue in den East River geworfen. Auf der website https://www.ayler.co.uk/ ist über seinen Tod folgendes zu lesen:

„Following his death, at the age of 34, there was the usual outpouring of conspiracy theories: that there was a bullethole in the back of his head; that he was tied to a jukebox; that the F.B.I. had killed him as part of their policy of assassinating all prominent Black figures; that the Black Power movement had killed him because he wouldn’t support the cause; that the Mafia had tied him to the jukebox because he refused to make any more rock`n`roll records for Impulse. But the simplest explanation is that it was suicide. Guilt over the treatment of his brother, and Don’s subsequent illness, the fact that his attempt to popularize his music had not only failed, but alienated the critics and fans who had supported him in the past, the cancellation of the Impulse contract, all could have combined to tip him over the edge. Albert Ayler was buried in Highland Park Cemetery, Beachwood, Cuyahoga County, Ohio on 4th December, 1970. The funeral was paid for by the US army (a benefit which every former serviceman is entitled to), and through some oversight, Albert Ayler’s gravestone implies that he died in Vietnam.“

HOLY GHOST rare & unissued recordings (1962 – 70) 9 CD Spirit Box

P.S. Cecil Taylor starb ab 5.April 2018. Er wurde 89 Jahre alt.

On an island like Amrum, in a remote forest area (you can always find quiet places in the biggest holiday resorts), it’s easy to complete your desert island collection. Some time ago, I found a Speakers Corner reissue of an album from the summer of love, and, to my own surprise, though not containing any of his great hits, it immediately turned to my favourite Donovan album. And I really own some of his lovingly eccentric deliveries of hope, peace and shangrilas. Helas! When the album came out, our folkie from the Scottish hinterland stopped drugs and turned to meditation. Someone who got similarly impressed by this album, „could almost smell the patchouli incense wafting from his flower-draped recording studio.“ He had a real band playing behind him, harpsicord, B3 organ, bongos, acoustic guitar, flutes – and strings carefully dosed. What really catches me, draws me in everytime, above everything else, is the nonchalance of his singing style, all heartfelt, smiling, with an unashamed sense of optimism. Fucking genius. He‘s „there“, in the moment, no cliche, and the songs are so painfully short, I always feel a shade of sadness when the fade-out is mercilessly ending an atmosphere. I would like so much immersing myself into endless jams of every single song and their stunning variety of moods of naivety, innocence and yearning. But, this way, they never wear out their beauty and make you think: in a life where we will all turn to dust and ashes in the end, with no god in sight, no bardo to be expected, no coming back ever, leaving the ones we love shattered in tears and pain: love is the first, and shortness the second essence of life.

I’m always careful with labels like „icon“, „living legend“ or „genius“. But if they don’t go with Burt Bacharach, with whom would they? Besides him, Antonio Carlos Jobim comes to mind, Duke Ellington, and well, Lennon/McCartney. You can put this guy easily next to Gershwin. Besides this, he was a longtime arranger and pianist for Marlene Dietrich, which alone is enough to make him a legend.

But mainly it is his elegant composing style that sticks in mind. The wide-ranging melodies, the complex arrangements which usually prefer the flugelhorn to the trumpet, the sometimes strange usage of chord progressions, rhythm changes, jazz chords or odd numbers of bars that pop music would hardly think about, and of course the lyrics by the congenial Hal David: all this is unmatched. I have no idea why people still try to downgrade this as „Lounge“ or „Easy Listening“ — it’s anything but easy.

A couple of years ago, Bacharach was announced to play Pittsburgh already, but the concert had to be canceled because he had to undergo a back surgery. This time it worked out. Next month, at May 12, he will turn 90. A small, fragile man, white-haired, hanging a bit contorted on his piano bench, sometimes popping a cough pill, and you always fear he might slide down to the floor. But he doesn’t, and his piano playing is still fine.

Bacharach, in his career, had 73 hits in the Billboard Hot 100. To play them all would have taken around four hours. The only possible compromize is to bundle many of them into medleys — anything but ideal because you permanently get hooked but aren’t served the full meal. But what can you do? The setlist, however, was pretty impressive:

• What the World Needs Now is Love
• Medley: Don’t Make Me Over / Walk on By / This Guy’s in Love with You / I Say a Little Prayer / Trains and Boats and Planes / Wishin‘ & Hopin‘ / (There’s) Always Something There to Remind Me
• Do You Know the Way to San Jose
• Anyone Who Had a Heart
• This House is Empty Now
• Falling Out of Love
• Make It Easy on Yourself
• On My Own
• Be Aware
• (They Long to Be) Close to You
• Medley: The Look of Love (BB sang) / Arthur’s Theme / What’s New Pussycat / The World Is a Circle / April Fools / Raindrops Keep Fallin‘ on My Head (BB sang) / The Man Who Shot Liberty Valance / Making Love / Wives and Lovers (BB sang) / Alfie (BB sang) / A House is Not a Home (BB sang)
• Encore: That’s What Friends Are For

It’s a little bit a pity that none of his instrumentals was played: Casino Royale, Come Touch the Sun, Nikki, Little French Boy, Once in a Blue Moon (yes, that’s written by Bacharach!) — there would have been many.

The vocal trio probably had the most unthankful job. Not only they need to master a huge pitch range, they have to deal with the fact that inevitably most people in the audience will compare them to the voices they remember from the hit version: Dionne Warwick, Aretha Franklin, B.J. Thomas, The Walker Brothers, Karen Carpenter, Stevie Wonder, Bobbie Gentry, Tom Jones, Dusty Springfield, Shirley Bassey, Cilla Black, Sandy Shaw, Helen Shapiro, The Drifters, Neil Diamond and so many more. Well, the three of them did it, and they did it well. All three had a solo: Josie James sang „Anyone Who Had a Heart“, Donna Taylor sang „On My Own“, John Pagano had a great performance of „This House is Empty Now“, co-written by Elvis Costello (from Bacharach’s and Costello’s Grammy-awarded album Painted from Memory).

A couple of songs were performed by the Master himself — which was a double-edged sword. Burt Bacharach has never been known to be a great singer anyway, but these days, at his age, his voice has turned into a raspy croaking more than anything else. This would be touching in one or two songs, like in „Alfie“, but singing whole suites — sometimes, I think, less would be more.

The whole concert was backed by the Pittsburgh Symphony Orchestra. Playing „back-up“ for an orchestra like this (I think it should be seen as part of the Top League now) might be a bit underchallenging, and so they played — let’s say: cultivated, but without much dedication. Probably it would have been a good idea to have them play Bacharach’s orchestral piece „For the Children“. But it didn’t happen. Unfortunately it was this orchestra that ended the evening with a sort of „sudden death“. The PSO was obviously hired to play exactly ninety minutes, and it did this to the minute. I’m sure the evening was planned to have the same big finale Bacharach’s concerts always use to have (see his Glastonbury appearence in 2015 or his wonderful concert recording from the Sydney Opera House 2008 [if you’re interested: get the 2-CD version!]). This finale would have been a thing of a few minutes, but no: The orchestra is strictly unionized, and while on the one hand I can understand this, I have to say on the other: Folks, you are artists, you are very well-paid musicians, and you owe something to your audience. If you want a nine-to-five job, get one at Giant Eagle.

Another drawback was the sound. I know it’s a hard job to balance a whole orchestra, a band with electric instruments, an acoustic grand piano and three singers, but seriously: It is possible. Tonight the sound was unbalanced, in parts too loud, and a couple of times the singers started singing into dead mics. This shouldn’t happen.

However: Thank you for the music. It was a great evening.

„Even so, even so –
be a Buddhist boy and let it go …“

Sometimes songs they come along like icecream: they don´t feed you but well-dosed they perfectly garnish nice summerdays. Even though it´s midst of april and quite long before the moon in june some Prefab Sprout stuff came into my mind. I liked listening to that band in the ninetees for quite a period of time – carefully hiding them from snobbish jazz purists who might have degraded them as music of cheap quality. Paddy McAloon´s songs are like magic carpets: ephemeral and weightless flows. Three songs I am escorting on guitar these days with the melodyline trying to imitate this smooth voice: „Songs of Danny Galway“, „The King of Rock ‚N‘ Roll“ and „The Best Jewel Thief in the World“, my favorite one – according to the habits of a Münsteraner Liederdieb and the Pied Piper of Hamelin. (J.S.)

Die Wahl, durch ein Buch zu rauschen, wird zügig getroffen. Nie mehr quäle ich mich über 50 Seiten, mittlerweile erkenne ich einen zähen Schinken sehr schnell. Etwas, das ich mir nicht antuen möchte. Zum Beispiel gedrechselte Virtuosität. Oder Geschmackssicherheit. Bücher, die sich so aseptisch anfühlen wie Gefälligkeitssoli von Branford Marsalis auf einem Sting-Album. Doppelte Strafe. John Updike. Richard Ford, meine Lieblingslangweiler. Gescheiterte Ehen, verkrachte Sportreporter, ach, du meine Güte. Immer wieder einen Sog erzeugen die Romane von James Lee Burke. Und jetzt habe ich diesen amerikanischen Klassiker begonnen, der mich vom Stapel der wartenden Bücher anlachte. Bestimmt nicht, weil er als Klassiker gilt. Oder Kult. Und ich fahre ein paar Tage in den Norden, Richtung Wangerland. Feile ein wenig an der Radionacht herum, habe schon die letzten zwanzig Minuten vor sechs Uhr morgens komplett verändert. Keine wortlastige Forschungsreise ins alte Ohio der Fünfziger Jahre, die ist auf Juni verschoben, stattdessen klingt die Nacht aus mit einer wunderbar abgehangenen Jazzballade, die kaum einer kennt, mit dabei der junge John Surman. Ich werde mir einen Strandkorb mieten, mich in eine dicke Decke mümmeln, vom Strandimbiss Reis mit Zimt und Zucker besorgen, und tatsächlich durch „Der Electric Kool-Aid Acid Test“ rauschen, ohne Windeseile, einfach über Tage und alle Wetter hinweg.

Ich wollte, dass es ein erfolgreicher Wiedereinstieg bei den „man davon ist das“ sein würde. Dazu erschien mir Regelmäßigkeit und strukturiertest wichtig. Und wie hilfreich wäre es, ein durchgängiges Thema zu haben, so wie etwa der geöffnete BücherPlattenschrank oder die Abenteurer eines Musikboxen Vertreters Gregors. Ich überlegte lange; schließlich waren zwei Themen eingefallen: das Öffnen eines Plattenschrankes und das Leben eines Kickboxen Vertreters. ausgerechnet diese beiden Themenkreise waren bereits vergeben.

Und danke dann kam mein Geburtstag und unter anderem Dr. Musik mit einer Sammlung von 361 Versionen von Hey Joe. Da wurde mir schnell klar: das einzige, das was ich wirklich interessierte etwas ich wirklich konnte, was alle zusammen vermissten, waren meine Listen Und wofür es sich lohnte, stundenlang am Computer &, war das aufstellen von Listen und Produktion von Mixtapes. Das konnte öffnen konntest Ich das würde meine Serie nehmen müssten interessiert, außerdem ermöglicht und würde bald mehr Listen haben als privat einen Bücherschrank verbleiben Plattenschrank je im ganzen leben auf und zu machen konnte.

Ich würde schnell einsteigen meinen Listen, ich war gerade zwei CDs in Arbeit: Geburtstags Politik Mix CD sowie ein Tribut an Jimi Hendrix CD, die ich dringend brauchte um an dem anstehenden Schulfest Klassentreffen einen Schulfreund. Endlich nach vielen Jahrzehnten ab bitte zu leisten: ich hatte mich von Ignoranz sein großes Gitarren Vorbild Jimi Hendrix lustig gemacht, und auch bei Business in seinem Sinne zu verstehen. Führen Sie dann Aufgaben sind zu bewältigen Dixieland. Was frei frei frei war, aber der Visionär war er.

Seine CD war fast fertig, ein Stück Bastelei auf untersuchten auch noch der zu kühlen und wie glaubwürdig Biologie und wie auch ich selbst auch in ein steckt fand auch noch jeweils ein Stück inhaltlich beide Original Veröffentlichung der Produktion sind außergewöhnlich gut. OLG wiederholte Ausfüllen eines Einzelunternehmens. Ein Ereignis, die Rückbesinnung von Schulzeit ein und. Eine meiner ersten Weblogs war von ihm darum, Sängerin von Familie und Atlantis. Dann plötzlich Zusammenstellung von drei CDs, die darum Imker Rumpf zwei deutschen Rundfunkorchestern eingespielt eine CD von Handelskammern, eine CD voll Leute in einem Alter Beifall.

Die noch einmal in einem zweiten Versuch, das ist alles sehr verwirrend. es ist Liquidität! Hintergrund! Synchronizität! Also es gibt eine CD 20 in einer Ox mit Livemitschnitten von Tagen Ingvar Rumpf klassischer der Bigband natürlich Orchester wenn. Also ein Sängerin, zwei verschiedene Orchester, zwei verschiedene Stile, und sie bewältigt das ganz grandios.

Ein Lob auf einem einzigen Programm zum Diktieren, das mich mit seiner Kreativität stets aufs neue überrascht. welche versteht schon derrida. Rechtschreibung wird sowieso überbewertet Punkt das weiß jedes Legastheniker Kind. Die deutsche Sprache ist nicht in Gefahr, aber manch freuen Formulierung des Textes in der Mitte ist schwer zu erkennen; des Morgen Zivilisten Titel ist, deshalb morgen zwei Titelliste, wieder korrigiert: Billy Holyfield und Chemie in Tricks.

Es ist schön, ein Buch zuhause zu haben, auf das man sich jeden Monat freuen kann. Jon Savage hat mit viel Wissen und genauesten Kenntnissen der LP-Neuerscheinungen im Jahr 1966 The Year the Decade Exploded verfasst – ein dickes Werk, das er in Monatskapitel aufteilt. Ich lese im April 2018 über den April 1966, dem Monat, in dem LSD angesagt war. Bob Dylan warf es ein: „Take me for a trip upon your magic swirling ship …“. The Birds flogen „Eight Miles High“. The Dovers sahen mit „The Third Eye“.

Meine LSD Erfahrung ist vergleichsweise bescheiden. Wir fuhren mit unserem Buckelvolvo hinaus in den Kaiserstuhl, lagen unter Kirschbäumen und zählten die Käfer auf der Wiese. Ich bekam ein großes Verlangen nach dem Müdigkeitsgefühl, das ich als angenehmeren Zustand herbeisehnte. Mit viel Bier kam ich wieder „runter“. Das war 1978.

In der Musik öffnete die bis dato erlaubte Droge LSD im April 1966 neue Pforten des Hörerlebnisses. Ravi Shankar, Coltrane und Albert Ayler mischten sich unter die Popmusik. „Freejazz and Indian classical music had been the period’s secret soundtrack  – the preserve of beats and hipsters – and „Eight Miles High“ brought them into the mainstream pop market …“ (S.123)

In dem neuen Buch Die Schönheit der Zukunft von von F.C. Delius ist sehr anschaulich beschrieben, wie Delius 1966 in einem New Yorker Club den Freejazz entdeckt. Er hatte das Glück, Albert Ayler auf der Bühne zu erleben.

Und – was ist das Thema vom Mai 1966?  „Walkin‘ My Cat Named Dog“ …

Ich freue mich drauf.

 
 
 

„It was renamed, I believe it used to be under the name Bley-Peacock Synthesiser Show in which she was sponsored by Moog who gave her a synthesiser to tour around with and get people interested in the product. What she created was something extremely strange and not commercial at all! I kind of feel like her and Laurie Anderson, although very different, I love them for similar reasons. I think Annette Peacock is one of the most brilliant lyricists of our time which is what initially drove me to her music. As a vocalist and as a composer she’s really amazing, but as a vocalist as well I really like her experimentations with the Moog and electronics. It’s very difficult to do and she’s expressive and it sounds human, robotic but super-human robotic, you know?“

 
– Patrick Clarke (Circuit des Yeux)