Manafonistas

Historicity is problematic. But as John Edgar Wideman once said, all stories are true. So listening to Gavin Bryars‘ „Jesus‘ Blood Never Failed Me Yet“ the story that your brain builds up around it is what it is. A fragment of found music, a handful of notes. A lost soul who duty will not track down, throwing spirit and poetry into an indifferent grey atmosphere. Arbitrarily swept onto magnetic tape, then augmented by orchestral backing some time later. Must be a hymn. Must have provenance. Must be artifice. Moondog still stands in the rain on the corner of 53rd Street and 6th Avenue. And Tom Waits was always good at found sounds and cover versions (he got to the heart of Daniel Johnston’s „King Kong“ for sure). And Waits‘ rendition of Jesus‘ Blood – fucking genius rendition – doesn’t subtract from what precedes it. It takes you back to the original, reframing it in a context outside of social realism.

 

It’s a dream world, and it’s a jungle. The working methods change as do the places to be. As I said, we’re in the jungle this time, and it’s not mighty. Not mighty at all. More Walt Whitman than Walt Disney. They are three, but they sound like a tribe on this double album, vinyl only. Every side of UNFOLD covers one original composition, and as different as they are, from mood and air and heat, it’s still and always jungle time. Everyone will get lost there, get lost in his own favourite undergrowth, favourite power spot and favourite outpost. The percussion man seems like a bunch of percussionists. Branches and leaves and squelchy rain drumming. The keyboards can easily be drowned in these textures of high density, but a clearing is going to happen from time to time. The bass is a bass in the wilderness, sends signals, heartbeats, and farewells. Those searching do not always find, but THE NECKS discover a lot in their thrilling modus operandi of getting, well, lost, turning the old piano trio format upside down again and again. I asked Chris Abrahams about his inspirations, the working process in the studio, the mixing. A kind of introduction into the adventurous world of a band that never fails to surprise.

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Chris Abrahams speaking

 

Am 7. Februar 1996 erschien eine recht ungewöhnliche Platte. Ein großer Pianist, den ich schon seit meiner Schulzeit von Herzen bewundere (seine Interpretation von Beethovens Klaviersonate Nr.32 hüte ich heute noch wie ein Schatz – Aufnahme mit einem Uher Variacord 263 Stereo, immer noch bestens anzuhören), brachte damals, vor nunmehr 21 Jahren , eine Tangoscheibe heraus. Daniel Barenboim: Piazzolla et al – Mi Buenos Aires querido. Es wirkten mit Rodolfo Mederos und Héctor Console. Der Bandoneonspieler, Komponist und Dirigent Rodolfo Mederos spielt sein Instrument so herzzerreißend einfühlsam und gut, da bin ich wirklich sprachlos. Gleich beim ersten Stück Mi Buenos Aires Querido hört man zunächst nur extrem leise und zart das Bandoneon, bevor es dann richtig abgeht. Héctor Console spielt den Bass in diesem Trio. Zum Glück ist diese wunderbare Scheibe noch zu haben. Unbedingte Empfehlung.

Von Daniel Barenboim und seinen Projekten sind ja im Moment die Feuilletons der großen Zeitungen voll, ein Herzenswunsch von ihm ist in Erfüllung gegangen: Neben seiner Barenboim-Said-Akademie, in der palästinensische und israelische Musiker studieren können, hat er nun auch noch einen Konzertsaal in Berlin, den Pierre-Boulez-Saal, eröffnen können. Die Klangqualität des Raumes soll riesig sein, vielleicht kann ich ja selber dort einmal ein Konzert erleben.

 
 
 

 
 
 

Anderes Thema jetzt:

Am 06.03. konnte man im DeutschlandRadio Laurie Anderson im Gespräch mit Vladimir Balzer und Axel Rahmlow hören – das Interview kann man hier nachhören bzw. nachlesen. 

Hier ein Zitat aus dem Gespräch, am Ende des Interviews sagte Laurie Anderson:

 

Eine letzte Sache, die ich noch sagen möchte: Als ich zu den Demonstrationen in Washington gegangen bin, war das wirklich phantastisch, so viele Leute, so viel Spaß. Auf dem Rückweg im Zug von Washington zu unserem Bus in Maryland fingen alle an, Lieder zu singen wie „Michael Row the Boat Ashore“ oder „Where have all the Flowers Gone“. Normalerweise würde ich einen Impuls spüren, mich sofort umzubringen, wenn ich Folksongs singen müsste, also bitte, wirklich, ja? Aber alle im Zug haben gesungen, alte, junge, schwarze, weiße, Männer, Frauen – und ich dachte „Das ist es, wofür ich lebe: Teil einer Gruppe zu sei, die ohne jede Ironie einfach singt.“ Es gab ein paar Leute, die sich sehr unwohl gefühlt haben dabei und ihre Schuhe betrachtet haben, und nicht gesungen haben. Und wer waren diese Leute? Das waren die Kinder, die noch nie jemanden gesehen hatten, der im Zug singt und so gemeinschaftlich seiner Freude Ausdruck verleiht. Zu sehen, wie Fremde zusammen singen, erzeugte Unbehagen in ihnen. Da habe ich gedacht: „Was ziehen wir uns hier heran?“ Wir sollten besser aufpassen und ich hätte den Kindern am liebsten gesagt: „Ihr solltet lieber mitsingen, denn ihr werdet diese Lieder lernen, ihr werdet diese Lieder schreiben, also macht besser mit.“

I am going to contribute something a bit unexpected around here… Inspired by Ian’s entertaining Bowie discography overview in summer 2015, I’d like to present my opinion piece on Elton John’s discography

Some time ago somewhere I read someone stating that of the seven bands or musicians having sold more than 250 million records, Elton John is the only one not to receive as much respect as the other six (The Beatles, Elvis, M. Jackson, Madonna, Led Zep, Pink Floyd) among music critics and music lovers. I think that’s kind of true, considering I’ve been following Mr. Dwight’s aka Mr. John’s body of work consistently and rather closely for almost all my life (which, however, began in 1978, after his creative peak, by the way).

Sure, Elton John put out some stuff which is pretty mediocre — but he’s been around as a recording artist for 50 years and I’d like to pay tribute to him with this little overview to his 70th birthday this month. I’ll try to keep the comments short, since he put out so many albums.

(1) Empty Sky (1969) ***

Notes: An old friend who’d never listen to Elton John received this LP once from another friend – and was surprised he actually liked it. It was not was he’d expected. An ambitious, but uneven mix of influences of the late sixties, from progressive rock to chamber music to psychedelic Sgt. Pepper, with a few nice leftfield pop songs.

Standout tracks: Empty Sky (8½ minutes), Skyline Pigeon (harpsichord version).

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(2) [untitled album] or Elton John (August 1970) ****½

First album produced by Gus Dudgeon, with string orchestra arranged and conducted by Paul Buckmaster. Probably his most personal album, rather melancholic and intimate. Some rocking blues, some orchestra pop, some gospel songs.

Standout tracks: Border Song, The Greatest Discovery, I need you to turn to, Your Song.

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(3) Tumbleweed Connection (Oct 1970) *****

I actually bought this album maybe five times, in various editions on LP and CD. A thoroughly beautiful and emotionally intense concept album about the American West, with lots of songs being quite unconventional. It’s actually not what you’d consider as „pop album“ , but rather a cinematic collection of country and western and bluesy folk songs referencing the civil war, among other things. One of the best albums of the 1970s, for sure.

Standout tracks: Amoreena (NB: the fantastic opening song of Sidney Lumet’s Dog Day Afternoon), Come down in Time, Son of your Father, My Father’s Gun.

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(4) Friends (Soundtrack Album, Feb 1971) **½

Haven’t heard it in decades. A soundtrack album to a film no-one knows. Paul Buckmaster wrote some instrumental sections, but a couple of Elton’s rock songs are pretty good.

Standout tracks: Can I put you on, Honey Roll.

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(5) 17-11-70 (March 1971) ****

I always enjoyed this rough-sounding live album, recorded on November 17th, 1970, for a New York radio station, a lot; always hoped for Elton John to release another similar intimate acoustic album again. This 52 minute, hard-rocking set (one track was left off of the original LP version) presents Elton’s very spirited core trio of piano, bass (Dee Murray, his bass player until he died in 1992) and drums (Nigel Olsson, after he left Uriah Heep, has been part of Elton’s band from 1970 until today). This absolutely great selection of songs includes no hits, but fine covers versions of My Baby left me, Get back and Honky Tonk Women.

Standout tracks: Amoreena, Take me to the Pilot, Honky Tonk Women.

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(6) Madman Across the Water (Nov 1971) ****½

A rather dark, but somewhat cinematic storytelling album, an adequate follow-up to Tumbleweed, strangely enough never received recognition, though there’s not a single mediocre song on the elegiac album, which relies heavily on Buckmaster’s string arrangements and epic character stories such as Levon (a beautiful song covered by, yes, Jon Bon Jovi twenty years later). Tiny Dancer (featuring BJ Cole’s steel guitar) of course became a late hit because of Cameron Crowe’s film Almost Famous. Interesting guest musicians include Rick Wakeman, Herbie Flowers and a choir.

Standout tracks: Madman Across the Water (featuring Rick Wakeman), Indian Sunset, Levon, Razor Face.

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(7) Honky Château (May 1972) *****

Finally, Elton’s first „real“ pop album. All killers, no fillers. Soul, blues and rock songs, fantastic piano playing, a tight rock’n’roll band, probably the album responsible for Elton John’s reputation as a great songwriter and rise to big stardom. And yes, there’s Rocket Man – just listen to it disregarding you’ve heard it a million times on mainstream radio. There’s lot of fun on the album, too, just check out Honky Cat (with the cool brass band), Hercules (with Nigel Olsson on „Rhino whistle“) or I think I’m going to kill myself. And there’s Ray Cooper on percussion and congas, Jean-Luc Ponty on electric violin and David Hentschel on A.R.P. synthesizer. Thoroughly fantastic.
Standout tracks (I always loved the rock numbers): Honky Cat, Susie (Dramas), Amy, Hercules.

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(8) Don’t shoot my I’m only the Piano Player (Jan 1973) ****

The only reason this is not thoroughly fantastic is probably Honky Château. Even more pop music than in 1972, slightly more eclectic, incorporating influences from all across the past 20 years, including Merle Haggard, Van Morrison, Eric Clapton, the Marx Brothers and Speedy Gonzales. All songs are very good to great, but the album is maybe less than the sum of its parts. And, well, here you’ll find Crocodile Rock and Daniel, if you don’t know where to look for them. ;-) (PS: Daniel is not a gay anthem. It’s about a Vietnam veteran.)

Standout tracks: I’m gonna be a Teenage Idol (a tribute to Elton’s friend Marc Bolan, with a brass band), Have Mercy on the Criminal (orchestral blues-rock), Midnight Creeper (another strong brass arrangement, this time with a much darker song), Crocodi— ah forget it…

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(9) Goodbye Yellow Brick Road (Oct 1973) ****½

People usually say it’s his best album. So what do you expect me to say…? It’s not. However, considering Elton John has become mainstream radio fodder since then, it’s surprising that there are nasty lyrics about a Dirty Little Girl and how All the Girls love Alice, as well as a funny reggae about a Jamaica Jerk-Off or the tongue-in-cheek Social Disease on here, all of which would have required a „parental advisory“ sticker a few years later. Speaking of which, Guns N’Roses paid tribute to the beautiful I’ve seen that Movie too in their huge 1991 hit You could be mine, the „title song“ to Terminator 2.
It’s probably the first openly gay album in mainstream music; with Alice and Bennie and the Jets, which is a self-portrait homage to glam rock and has since been referred to and sampled many times in (American) Black Music, most recently on A Tribe Called Quest’s standout 2016 album We got it from here… Thank you for your Service, where the rappers collaborated with Elton using samples of the song and added new lines. Personally, I think the side 3 of this double album is the best crafted suite of perfect songs in Elton John’s discography: Sweet Painted Lady – The Ballad of Danny Bailey (1909-34) – Dirty Little Girl – All the Girls Love Alice, a universe of its own.

Other standout tracks, besides the previously mentioned ones: Social Disease, Love Lies Bleeding, This Song has no Title.

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(10) Caribou (June 1974) ***½

…is basically a light afterword to Goodbye Yellow Brick Road. Notable for the nasty live favorite The Bitch is back, inspired (and covered) by Tina Turner, a few absurd and nonsensical songs like Solar Prestige a Gammon and Dixie Lily (mock-country), as well as the seven-and-a-half minute solo piano (with some synth in the last part) epic Ticking about a young school shooter (Elton performed the song on several solo tours, e.g. in Germany after the Erfurt school massacre for that reason).

Standout tracks: You’re so static (an absurd tango), Ticking, I’ve seen the Saucers.

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(11) Greatest Hits (Nov 1974) *****

It’s what it claims it is: A greatest hits collection of the first five years. NB: Candle in the Wind was not on the original LP version.

Standout tracks: Crocodile Rock.

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[continued here]

„I was making a rare appearance in London, solo – I seldom perform. And Brian Eno showed up and began to set up his recording gear. He’d asked me to do an album that he would produce for his own label at the time, Obscure. The record would be ‘Obscure 11’. With him I met Rhett Davies at the studio, and Brian asked him “What have you got that’s new?”. And Rhett produced some options that Brian then tweaked, and I thought that this was such a perfect working relationship.

I had fantasised about having that sort of connection with an engineer. But the album never happened because Brian and I had a concept disagreement. He wanted to feature my voice and disregard the music environment of the song, where the voice lived, and although he was probably right, that is not what I wanted.

Brian had decided to relocate to the US at this point, and asked if I would house his large Tannoy studio speakers. I was living in a spacious flat, part of a manor house that had been a hunting lodge belonging to Windsor Castle. The sound that those speakers produced was gorgeous and I came to rely on them for all of my acoustic decisions. Five years later I received a call that Brian wanted his speakers back! „What speakers?“ I said. The thought of being separated from them was intolerable. But now I test everything on a boombox so, Brian, if you still want your speakers – let me know!“

(Annette Peacock; you can read the whole article on the strange worlds of this woman in thequietus.com) 

 

 
 

Hello all women, womanizer and womenliker. Even for Aphrodite, the goddess of love and laughter it was not quite sure, if she was a woman or a man. She was a fighter as well. I doubt that she met Adonis in that  water bath, too cold for a goddess, for the mother of the gods and „the otherness“. Bobby Brown would have been here on Cyprus very happy to reveal his true self: Oh God I am the American dream. Frank Zappa first.

Paphos ist die diesjährige halbe europäische Kulturhauptstadt. Die andere Hälfte geht an Aarhus, wo es vermutlich geordneter zugeht. Wahrscheinlich haben sich die Organisatoren im Datum geirrt, vielleicht bin ich 10 Jahre zu früh hier? Der Markt von Paphos ein Schutthaufen, die Straßen mit gefährlichen gaps. Die Einheimischen sind relaxed. „We are in construction.“ Es ist beste Stimmung unter der großen Sonne.

Ich mag es, wenn in der Kunst ein Thema bearbeitet wird, das dem Künstler wichtig ist. Hier stehen kunstvolle Weinfässer auf dem halbfertigen Platz und laden zum Verweilen ein. Worauf deutet noch mal das Weinfass im Traum?

Und die Musik?

Ich werde drei Konzerte besuchen, heute spielt das Cyprus Symphony Orchester ein „tribute to MIKIS Theodorakis – „Where shall I find my soul?“ MIKIS Theodorakis war in Studentenzeiten einer meiner Heiligen. Alice Zawadzki + Band spielen Jazz und Songs of the great American songbook. Am 21.3. dann ein Bach-Konzert. Happy  birthday, Bach, only 332 years ago.

„Thought is the enemy of flow“, sagt der Drummer Vinnie Colaiuta, und dass er an nichts denkt beim Spiel. Es geht nicht um Analyse oder Kontrolle. Es geht ums Loslassen. Intensive Momente des Auslebens im Maximum des momentanen Könnens. Über den Zustand des Flow ist viel geforscht worden. Es gibt Techniken, dahin zu gelangen, für jeden.

Es ist ein paar Jahre her, als K mit einem Buch ankam und sagte, sie hätte ihren Bücherschrank aufgeräumt und das Buch schon entsorgen wollen, weil sie es nie richtig gelesen habe, sie habe nochmal darin herumgeblättert, wie man es mit Büchern tut, bevor man sie entsorgt, sie habe sich dann aber festgelesen und inzwischen hat das Buch ihr Leben verändert. Der Titel hieß „Der Weg des Künstlers“, die Autorin Julia Cameron. Es ist eine Art Zwölf-Wochen-Programm (kann aber auch länger dauern) zur Entwicklung eines künstlerischen (nicht unbedingt eines schriftstellerischen) Lebens. Es war an einem stürmischen und finsteren Abend, als Julia Cameron zu einem Termin mit einer Auraleserin fuhr, die in einem Häuschen gleich hinter einer gelben blinkenden Ampel wohnte. Julia Cameron erfuhr, sie sei auf die Erde geschickt worden, um über den Zusammenhang von Kreativität und Spiritualität zu lehren. Es war genau die Zeit, als sie an dem Manuskript zu „Der Weg des Künstlers“ arbeitete. In diesem Buch und in weiteren Büchern (am besten erscheinen mir „Von der Kunst des Schreibens“ und „Der Weg zum kreativen Selbst“ – im Englischen klingen die Titel besser, nämlich „The Right to Write“ und „The Vein of Gold“) stellt Julia Cameron eine Fülle von Techniken und Übungsaufgaben für ein selbstbestimmtes künstlerisches Leben vor. Zentral und dauerhaft anzuwenden sind dabei vier Grundtechniken: die Morgenseiten, der Künstlertreff, das tägliche Spazierengehen sowie das Schweigen und bewusste Atmen.

Die „Morgenseiten“ unterscheiden sich grundlegend von einem Tagebuch. Es geht darum, jeden Morgen, möglichst gleich nach dem Aufstehen, drei Seiten (DIN A 4) einfach loszulegen und aufzuschreiben, was einen im Moment des Schreibens bewegt, handschriftlich und ohne dabei abzusetzen, alles in einem Stück. Gedankensprünge, wilde Assoziationen, Alltagsbanalitäten, der Abbruch einer komplizierten Argumentationskette, herumjammern, Selbstlob: alles ist erlaubt. Bei den Morgenseiten kann niemand etwas falsch machen. Ziel der Morgenseiten besteht darin, den inneren Zensor, der die meisten Menschen am flüssigen Schreiben hindert, zu überlisten. Es geht aber auch darum, im dauerhaften Kontakt zu den wahrhaftigen eigenen Gedanken zu stehen. Das ist, wenn man damit beginnt, gar nicht so leicht. Ich selbst hatte vor vielen Jahren mit den Morgenseiten begonnen, kam aber nicht damit zurecht und hörte leider wieder damit auf. Glücklicherweise ließ ich mich vor einigen Jahren von Ks Begeisterung anstecken und bin dabei geblieben. Bei den Morgenseiten handelt es sich keineswegs um Literatur, die Texte sind höchst privat und selbst der Verfasser, die Verfasserin der Morgenseiten sollte sie frühestens erst nach einigen Wochen lesen, wenn überhaupt. Julia Cameron schreibt, die Morgenseiten würden nach etwa vier Wochen „sitzen“, man wäre dann süchtig danach. (Kann ich bestätigen.) Die Morgenseiten werden zu erstaunlichen Veränderungen führen. Julia Cameron erzählte in einem ihrer Bücher von einem schüchternen Mann, der in einer völlig unterdrückten Beziehung lebte, sich nach einigen Monaten dann trennte und nach ein paar weiteren Monaten nach Indien reiste. Vor allem aber lehren die Morgenseiten das Loslassen, den Flow. Julia Cameron formuliert es so: die Morgenseiten versetzen uns in den Zustand eines sendebereiten Radios. Gemeint ist, die Morgenseiten schaffen eine Leerstelle, die von neuen Gedanken gefüllt werden kann. Hier setzen die anderen Techniken ein.

 
 

 
 

Am Mittwoch vor einer Woche gab die NASA bekannt, dass in etwa 40 Lichtjahren Entfernung ein Planetensystem mit 7 erdähnlichen Planten entdeckt wurde, von denen 3 sogar in einem Bereich den Zwergstern Trappist-1 umkreisen in dem prinzipiell Leben denkbar wäre. Am Folgetag veröffentlicht die NASA ein Plakat, das dem geneigten Betrachter gleich eine Planetenreise in dieses schöne exotische System quasi als Urlaubsreise schmackhaft macht. Passengers lässt grüßen. Nur leider geht es nicht so schnell wie in dem Film, sondern würde mit aktueller Technik doch ein Trip für ein paar Millionen Jahre werden. Dann doch lieber zum Mars, wo immer noch das alte Werbeversprechen steht, dass es dort verbrauchte Energie zurück gebe. Oder erst mal eine virtuelle Reise nach innen. Ok, Augen zu und vorher den Soundtrack aktivieren:

Planets+Persona von Richard Barbieri. Die Reise beginnt mit Solar Sea (watch the 360° Video here). Schnell spüre ich, wie ich in die Sitze gedrückt werde und der Raum vor mir öffnet sich. Da sind Klänge und Anhaltspunkte, die zwar aus jahrzehntelangem Schaffen als Keyboarder bei Japan, Porcupine Tree und besonders in den vielen Projekten mit seinem ehemaligen Bandkollegen Steve Jansen nicht ganz unbekannt scheinen, aber dennoch eine neue Stufe der Intensität erreichen. Mit feinem Sinn für Dramaturgie und einer Melange aus elektronischen und akustischen Sounds erschließt er neue Räume, New Found Land und als Suite Night oft the Hunter. Dann die Leere zwischen den Sternen Interstellar Medium und über weitere Stationen, Unholy und Shafts of Night, die die Faszination immer wieder aufs neue nähren endet alles in Solar Storm, bei der Percy Jones ein fast perkussives, funkiges Bassfundament legt.

Eine wunderbare Komplexität, die trotz ihres Facettenreichtums wie aus einem Guss wirkt, Raum für akustische Einlagen mit Trompete, Saxophon, Vibraphon und Kora gibt und die inneren Planeten einen nach dem anderen besiedelt. Einzig die Zeit, die ja von manchen Physikern als Funktion der Komplexität beschrieben wird, mag sich nicht richtig einfügen: die Angaben zu den Längen der einzelnen Stücke schwanken teils um mehrere Minuten, je nachdem wo man auf dem Cover nachschaut und mein CD-Player ist gelegentlich nochmals ganz anderer Meinung. Wird sie, wie von Einstein so schön beschrieben, beim Annähern an die Lichtgeschwindigkeit gedehnt oder ist sie, wie manche Philosophen vermuten mehr ein Produkt extrem subjektiver Wahrnehmung? Aber ist das wirklich von Bedeutung? Dieses Universum jedenfalls ist groß …

 
 
 

 

 

 
 
 
I recently saw Towner perform a stunning solo set at the SF Jazz Center. It was a remarkably fresh set from someone who has been on the scene for some 50 years. Most of the tunes came from the new album.  He did play a few classics such as If and Redial. He also played a beguiling version of I Fall in Love Too Easily.

At 77, Towner shows no signs of slowing down or losing his edge. He took chances during his 50 minute set, occasionally flubbing a note that he tried to grab, but then, that’s always been Ralph’s style-thank God, he doesn’t play it safe. Of course, sounding  perfect on the solo classical guitar is a challenge that even many of the classical greats fall short of- I have heard Parkening blow a note and even the ever reliable Williams buzz a few on the fretboard. Not that I care personally about such nonsense. Still it makes me laugh to know Ralph’s classical guitar teacher once told him he would never make the cut as a classical guitarist-and in a way he was right: Towner is SO much more than a mere interpreter of written music-he is a major creative force. He has penned literally 100s of compositions, many of which are played by aspiring classical players. As an improviser on the nylon string he is perhaps in a class by himself.

This may very well be Towner’s strongest solo album yet. The ever prolific master has gifted us with 10 new originals, most written in his neo-classical style. His playing is in top form- indeed Towner is one of those artists who has only improved with age. What you have here is a very listenable album, a kind of rainy day music for thoughtful listeners. It is anything but background music, although I suppose it could be listened to as such-repeated listenings reveal hidden depths.

The opening piece, Pilgrim, sets the tone for this mostly introspective set. It’s all there: a strong melodic classical piece tinged with contemporary harmony and rhythm, that familiar and specific world that only Towner seems to inhabit. There are two tunes on which Ralph plays his signature 12 string. It’s great to hear that unique sound again. His reading of My Foolish Heart is as sweet and tender as Bill Evans’s classic version at the Village Vanguard, which according to Towner, was the inspiration for choosing to become a jazz musician in the first place. You can certainly feel the Evans influence here. To close out the set, he plays a remarkably complete sounding solo version of his Oregon composition, Rewind.

I just want to add that this may very well be the best recording yet of Ralph’s custom nylon string. It’s almost as if he’s playing in my living room. Towner is a bit of a reverb freak-it should be noted that his live performance was slathered with was in my opinion, way too much verb.  Thankfully this is not the case on this recording, which has just the right amount of hall ambience to give the recording some needed space around the luscious notes. Kudos to Manfred Eicher and the fantastic engineers at ECM, who continues to outdo themselvs in the production department.

Towner has done it again. An instant classic.