Manafonistas

Nun ist es doch ein Abschiedsalbum geworden.
 

Here is your crown
And your seal and rings
And here is your love
For all things.

Here is your cart,
And your cardboard and piss
And here is your love
For all of this.

May everyone live,
And may everyone die.
Hello, my love,
And my love, Goodbye.

Here is your wine,
And your drunken fall
And here is your love.
Your love for it all.

Here is your sickness.
Your bed and your pan
And here is your love
For the woman, the man.

May everyone live,
And may everyone die.
Hello, my love,
And, my love, Goodbye.

And here is the night,
The night has begun
And here is your death
In the heart of your son.

And here is the dawn,
(Until death do us part)
And here is your death,
In your daughter’s heart.

Gute Musik, Bücher, Filme und TV-Serien, ebenso attraktive LiebhaberInnen, Kunst und Lieblingsplätze, aber auch spannende Spiele oder Fahrradrouten – sie alle haben eines gemeinsam: gerne kehrt man dorthin zurück, ohne dass auch nur ein Funken Langeweile aufkäme. Die Fernsehserie Mad Men beispielsweise, gäbe es nicht so viele andere, die mich lockten, sähe ich beizeiten gerne nochmals. Einige Bücher von Peter Sloterdijk las ich mehrmals und Krishnamurtis Einbruch in die Freiheit, diese antireligiöse neuro-science Fiktion, ist zerfleddert bis zum geht nicht mehr. Als ich nun neulich Rising Grace hörte und bald immer tiefer in einen Strudel wohlklingender Klang-Faszinationen geriet, war mir klar: diesem Album wirst du mehrmals lauschen. Welche fantastisch klingende akustische Gitarre das wohl sei, die Wolfgang Muthspiel dort neben der elektrischen zu Gehör brachte, fragte ich mich. „Rhapsody“ enthielt die Antwort, auch sie auf YouTube mehrfach frequentiert. Man möchte sich mit ECM verbinden lassen und sotto voce fordern: „Termin mit Muthspiel machen zwecks Aufnahme einer Soloplatte nur mit Konzertgitarre!“ Als Appetizer für das aktuelle Album Rising Grace sei noch erwähnt: zum versierten Gitarristen aus der Steiermark gesellen sich noch andere Virtuosen vom Fach. Pianist Brad Mehldau, Bassist Larry Grenadier, Drummer Brian Blade und Trompeter Ambrose Akinmusire garantieren im Zusammenspiel weit mehr als schlichten Wohlklang.

A
 
John Cage – Waltz
The Beasts of Bourbon – Flat Hat
Joni Mitchell – Lakota
William Borroughs / Oregon – Playground in Nuclear Winter
Billie Holiday – Moonlight in Vermont
Filmmusik aus „Mississippi Burning“
Quincy Jones – Back on the Block
Dexter Gordon in „Round Midnight“
Ralph Moore – My One and Only Love
Hal Wilmer’s Disney Project
Filmmusik aus „Sea of Love“
Kurt Weill / Tom Waits – What keeps mankind alive
The Klezmatics – Bei mir bist du schön
Isabella Rosselini – Blue Velvet
Robert de Niro in „Taxi Driver“
Prince – Joy in Repetition
Arthur Honegger – Union Pacific
Janis Joplin – Mercedes Benz
Moondog – Loneliness before me
Steve Reich – Different Trains
 
 
B
 
Samuel Barber – Adagio for Strings
Albert Collins – Iceman
„Min singt seine Sehnsucht“ (Vietnamesisches Kinderlied)
Arrested Development – Man’s Final Frontier
Miles Davis – Duke Booty
Kronos Quartett – Purple Haze
Laurie Anderson – O Superman (Live in Stuttgart)
Antonin Dvorak – Aus der Neuen Welt
Chris Isaac, aus „Wild at Heart“
The Eagles – Hotel California
Johnn Phillip Sousa – Wave the Flag
Gil Evans – What a Show!
Napalm Death – You suffer
George Crumb – Music for a Summer
Flaming LIps – What a Wonderful World
Fania Allstars – Salsa
Dreamwarriors Album
 

Richard Siken has been working at a twenty-four-hour restaurant since school times. One night his friend Dave came by, after the bar rush, and Richard read a poem by Anne Carson to him. Dave said wow, that´s amazing, that´s why Anne Carson will always be a better poet than you. Your poems start out okay, but then they go all Francis Bacon in the middle. William Burroughs wrote, a word is a virus with its own life, and thus it has the ability to kill. Richard said, dear reader, I am bad with facts, but I´m trying to reach you. You could listen to Channel Orange, sitting in bed, in a shabby hotel room, reading Siken´s first collection of poems, Crush, published in 2005. Have a look at the cover and you know it´s a book of high passion and panic. And you maybe will order a bottle of whisky via the hotel phone and start to smoke in spite of you were a non smoker in a non smoking room. Can you see the plot like dotted lines going nowhere, like any explanation? Rome is burning, again. Those things happen all the time. Phone´s for you: a German critic, says, there´s too much feelings in it. (I know grammar is wrong. Don´t open that door again.)

Ten years later, book No. 2. War of the foxes. Dunno why he´s also a painter. He is. Unlike O´Hara. Siken did not make the picture on the front page, though. It´s a very different view on things in this poems, especially on lovers. I am faithful to you, darling. He said it to the paint. He surrenders his desire to be healed, poem by poem. And if you prefer to have a look at the unconscious (who is speaking anyway?): you can say, the lyrical I tries to persuade himself of the meaninglessness of love.

I am not a painter, I am a poet.
Why? I think I would rather be
a painter, but I am not. Well,

for instance, Mike Goldberg
is starting a painting. I drop in.
„Sit down and have a drink“ he
says. I drink; we drink. I look
up. „You have SARDINES in it.“
„Yes, it needed something there.“
„Oh.“ I go and the days go by
and I drop in again. The painting
is going on, and I go, and the days
go by. I drop in. The painting is
finished. „Where’s SARDINES?“
All that’s left is just
letters, „It was too much,“ Mike says.

But me? One day I am thinking of
a color: orange. I write a line
about orange. Pretty soon it is a
whole page of words, not lines.
Then another page. There should be
so much more, not of orange, of
words, of how terrible orange is
and life. Days go by. It is even in
prose, I am a real poet. My poem
is finished and I haven’t mentioned
orange yet. It’s twelve poems, I call
it ORANGES. And one day in a gallery
I see Mike’s painting, called SARDINES.

(written by Frank O’Hara)

Ich kannte das Restaurant aus der Erinnerung. St. Pauli, Hafengegend. Will man die „Segelspitzen“ sehen, muss man den Hals wie in der ersten Reihe des Kinos weit nach oben recken. Jeder Bug ragte mächtig aus dem Wasser – die nautische Sprache war mir stets fremd, auch in „Moby Dick“. Ich sagte Brian, hier gebe es keinerlei Hintergrundbeschallung, „only people’s noises“. Es war sehr laut („a wall of sound!“), der Fisch einfach, aber frisch gefangen. Wir gingen später an den grossen Schiffen entlang. Wir kennen uns nun ein gutes Vierteljahrhundert, das Gespräch war persönlich wie selten. Die Begegnungen waren stets von beidseitiger Sympathie getragen, aber hier war der Ton privat, unerzählbar. Diskret. Und manchmal  weiss man, „after a last hug“: ein schönes Kapitel ist vor bester Kulisse zuende gegangen.

„Dieser Film ist international in Musikerkreisen heftig angegriffen worden. Ich kenne keine einzige Stimme aus diesem Bereich, die den Film verteidigt oder gar gelobt hätte.“

(Henning Bolte, März 2015)

1

Andrew is an ambitious young jazz drummer, single-minded in his pursuit to rise to the top of his elite east coast music conservatory. A nightmare starts. When the jazz police had seen the movie, the right-wing academics of all colors saw their hour coming with furious responses that revealed a quite low degree of emotional intelligence. Lobbyists are lobbyists and thus a bit limited in their perception. The film was just telling a story, and a really good and complex one. And it would equally have succeeded in every other scenery, in an opera house, a sports agency, in a barber shop or a psychiatric clinic. Now comes the good news. Not all jazz guys felt insulted. Exclusive to the Blu-ray is a 42-minute documentary featuring famous drummers who share stories and discuss their passion for the craft including Chad Smith and Peter Erskine.

2

Völlig ungeachtet, was hier kulturell korrekt ist oder nicht: ein ganz fesselnder faszinierender Streifen, ohne ein Gramm Fett. „The most immersive film experience since Gravity“, bemerkte die schlaue Filmkritikerin Catherine Shroud im Guardian. WHIPLASH verwandelte Zeit in einen Flug, und die Kritik, die es hier und da hagelte, war klein und kariert. Sehr klein, sehr kariert. Lobbyisten und die Jazzpolizei. „Wütende Debatte“: da nehmen sich ein paar Geschulte wichtig. Zornig durfte man werden, als Ken Burns mit Wynton Marsalis in ihrer perfekt inszenierten Dokumentation nur elaborierten Triefsinn von sich gaben, was Free Jazz, Sun Ra und den elektrischen Miles betraf. So holte man den Jazz ins rechte Lager. Gegenüber diesen Geschichtsfälschungen ist WHIPLASH Fiktion, Film pur, grosses Spannungskino, perfekt performt. Great drumming, by the way!

Die Frauen meines Lebens habe ich nicht allzu selten in Fahrstühlen entdeckt. Eine wurde meine Verlobte (sowas gab es in der alten BRD), eine sah aus wie 5000 DM pro Nacht, und kostete ungefähr auch so viel. Ich bekam die Nacht geschenkt, weil ich sie in Erziehungsfragen beriet. Man spricht Frauen besser nicht in vollbesetzten Fahrstühlen an, sondern, kurz nachdem sie den geschlossenen Raum verlassen haben, und die Frage nach einer Tasse Kaffee nicht als Bedrängnis wahrgenommen werden kann. Sex in Fahrstühlen hatte ich nur zweimal, aber auch in Wolkenkratzern ist ein Quickie in normaler Rauschefahrt kaum machbar, es sei denn, man liebt des Thrill des Entdecktwerdens. Andrea und ich hatten uns darauf geeinigt, in einem Kölner Hotel leicht gehobener Klasse, um Mitternacht, nach einem Laurie Anderson-Konzert, den Fahrstuhl zwischen dem vierten und fünften Stock anzuhalten, und es voll durchzuziehen. Ich finde das Vögeln im Stehen an sich nicht besonders prickelnd (trotz einschlägiger Filmszenen, in denen besonders gerne Küchenmobiliar ins Blickfeld rückt), aber Andrea war leicht erregbar und kam schnell, ich musste dennoch das Kopfkino einschalten (dieses Surren der Elektrik, der blinkende Notknopf!), und so schlief ich virtuell mit zwei Frauen. Aber ich wollte etwas anderes erzählen. Meine liebste Fahrstuhlerinnerung (unter den apollonischen) hat überhaupt nichts mit Sex zu tun, sondern mit Lyrik. Eines Tages stand der ehemalige Chef der Hörspielabteilung des Senders mit mir im Fahrstuhl, nur er, und ich, sein treuer Leser. Es war Jürgen Becker, und in der Zeit, als ich noch mehr Gedichte las, und weniger Thriller, kaufte ich mir jeden seiner schmalen Gedichtbände. Jürgen Becker war ein Chronist der alten Bundesrepublik, seine im Grunde stocknüchterne Sprache hatte, verkappt, verborgen, jenen leisen Swing, der aus einer kahlen Baumgruppe etwas anderes machte als eine kahle Baumgruppe (aber eben nichts Symbolisches). Es war ein Sinne schärfender Hyperrealismus, bei dem pro Gedicht eine Zeile ins Irreale verrutschte, aber nahezu unmerklich, nicht als Pointe. Seine Gedichte waren pointenfrei. Jetzt macht dieser Text langsam doch Sinn, handelt er doch vom Schärfen der Sinne.