Manafonistas

Yes.

Zu alten ECM-Aufnahmen zurückzukehren, die man länger, vielleicht Jahrzehnte nicht mehr gehört hat, ist mit dem Wagnis aller Zeitreisen verbunden, der Ungewissheit, wo genau man ankommt, ob man den alten Raum wiedererkennt, sich dort auf Anhieb wohlfühlt, erstmal umherirrt, gar immer noch unerkannte Spuren aufnehmen kann, oder einem alten, fremdgewordenen Ich und blasser gewordenen Signaturen nachhinkt.

Prepare a C-60 cassette. Chose the length of silences between the three tracks. It’s a gift. Your friend is just sitting alone in a room with a 30-minute a-side of an ancient cassette, waiting for the tracks to happen. You don’t even tell your friend what’s on it. Except that there’s a lot of tape hiss, silence, nothing – in between. There is no nothing when the mind works. Deliver it decoratively wrapped up, incl. Laura Barton’s mini essay!

Silence

1) Caetano Veloso: Noite De Hotel

Silence

2) Brubeck / Desmond: Koto Song (from the record THE DUETS)

Silence

3) Leonard Cohen: Chelsea Hotel #2

Wonderful insights. Old Laura Barton text from 2007 (The Guardian). Inspired the idea with the three track-mixtape. Manafonistas have great ideas for oblique Christmas gifts. Make sure the person who will listen to that tape is mentally stable and free of depressive moods. Then it can be elevating. (m.e.) 

The most instantly appealing word in the whole of rock’n’roll is surely Little Richard’s „A-wop-bop-a-loo-mop-a-whop-bam-boom“ (or however you care to spell it) from 1955’s Tutti Frutti. As words go, it is a ludicrous confection, the cream cake in the baker’s window. It is a word voluptuously built for pleasure, a word that flies downhill with no brakes, a word of hurtling glee. It is at once entirely nonsensical and utterly coherent.

Rock’n’roll is littered with she-bops and uh-huhs and la-la-means-I-love-yous. There’s Lou Reed with his doo doo doo doo doo doo doo doo, while the Crystals are da-do-ron-ronning, Kylie la la las, and the Beatles sing na na na na na na na na. Oftentimes the nonsense is sublime, a sort of Jabberwocky you can dance to. Your mouth seems to greet the words‘ unusual shapes the same way your tongue works at a loose tooth, or your lips learn to blow bubblegum.

As much as I enjoy the allure of this exotic mumbo-jumbo, my favourite word in songwriting history is actually exceedingly workaday, an unassuming, half-muttered „that“, the second-to-last word in Leonard Cohen’s Chelsea Hotel No 2: „That’s all, I don’t even think of you that often.“ Every single time I hear this line the „that“ catches me, as if someone has stepped on the hem of my skirt and dragged me backwards.

I was thinking about this on Friday night, sitting on my best friend’s sofa. She was playing Chelsea Hotel on the guitar, and we were drunkenly singing ourselves hoarse, the words tasting of wine and 1974, and the renditions interspersed with much late-night talking and an abortive attempt to remember the lyrics to First There Was a Funeral. But we always came back to Leonard.

Chelsea Hotel is a quite hopeless song that I really shouldn’t play too many times in a row, else I grow thoroughly inconsolable. There are far more obvious words to seize upon within its 32 lines, there’s the seductive sway of „I need you, I don’t need you“, there’s the pleasing sparkling clarity of „sweet,“ there’s the limber way Cohen pronounces the word „jiving“ at the end of the chorus.

So I’m trying to work out why this word is so special. It’s hardly the star of the final verse – „I don’t mean to suggest that I loved you the best,/ I can’t keep track of each fallen robin./ I remember you well in the Chelsea Hotel,/ that’s all, I don’t even think of you that often.“ – that role belongs to the „fallen robin“, its line two beats shorter, all fledgling and vulnerable. Meanwhile the „that“ sits quietly in the wings.

I once read a book about the art of songwriting, with a chapter on Cohen in which he said: „There are always meaningful songs for somebody. People are doing their courting, people are finding their wives, people are making babies, people are washing their dishes, people are getting through the day, with songs that we may find insignificant. But their significance is affirmed by others. There’s always someone affirming the significance of a song by taking a woman into his arms or by getting through the night. That’s what dignifies the song.“

And I suppose it’s the apparent insignificance of the word – as far away from the blowsy a-wop-bop-a-loo-mop-a-whop-bam-boom as one could imagine – that appeals. As if Cohen’s encounter with Janis Joplin in the Chelsea Hotel wasn’t quite as insignificant as they both pretended. It’s the „that“ which dignifies it.

I once stayed in the Chelsea Hotel just to hear the limousines wait in the street. It was 12 storeys high, red-bricked, and scaffolded, and the builders‘ plastic sheeting billowed about in the cold January air. We stayed in a strangely lit room, with mustardy walls and thick brown paint on the woodwork, it seemed as if everything was seen through American Tan stockings. Half the bathroom tiles were missing, and through the dimpled glass of the side window could be seen several years‘ worth of pigeon droppings. I recall lying on the unmade bed watching a talk show hosted by a man named Maury Povich, while we waited for the rain to pass. It was an unexceptional afternoon, in the kind of hotel room you overlook, but I think of it quite often.

In einem Jahr, in dem politisch, sportpolitisch etc., alles, fast alles, den Bach runtergeht, die rechten Horden, die Rassisten sich versammeln, Aufwind erfahren von einem megalomanischen Präsidenten, eine kleinkarierte weisse Mittelschicht zu grossen Teilen einem Rattenfänger folgt, Menschen verachtende Konzerne Menschen verachtende Firmen aufkaufen, die alternative Kunst nur noch den Bekehrten predigt, der runde Tisch abgeschafft ist, unsere Besten, einer nach dem andern, die Bühne verlassen, darf man ja immer noch seine 3, 5, 7, 10, 12 oder 20 Lieblingsplatten benennen und dem Hauptquartier der Manafonisten (manafonistas@gmx.de) zukommen lassen, also bitte nicht mir, die Post geht nach Hannover!

Als ich also meine Top 20 (die „alternative BFBS-Charts“ aus alten Teenagerjahren, transportiert in eine angefinsterte Gegenwart (um nicht vollends schwarz zu malen)) auf den Weg schickte, fiel mir auf, wieviel Tod, Niedergang, Abschied, Zerstörung und Verzweiflung uns aus etlichen grossartigen Alben entgegenströmte, als würde da eine Ahnung privater und globaler „Doom“-Sphären abgehandelt, aufgegriffen, nicht von den üblichen schwachköpfigen Untergangspropheten.

Zudem fiel mir auf, welche eine Fülle von Klassealben 2016 veröffentlicht wurde. Im folgenden habe ich meine nichtgenannten Alben (die Plätze 21-50, roundabout) zusammengestellt, allerdings in reiner Zufallsanordnung, wissend, dass jedes dieser Alben noch vor Nikolaus in meiner „Top 20“ landen könnte. Selbst Nils Petter Molvaer hat nach seinem berühmten zwei Alben auf ECM Records, wieder ein grosses Werk veröffentlicht, das mehr ist als die Verwaltung einer geschätzen Neon-Jazz-Groove-Welt. ECM produziert weiterhin einsame Klasse, das norwegische Label Hubro rückte mehr und mehr ins Blickfeld.

Zu jedem der folgenden Alben wäre einiges zu sagen. Eure Aufgabe, liebe Manafonisten und Stargäste (einige werden noch angeschrieben), ist eine gewaltige, sage ich mit einem Schmunzeln. Natürlich gibt es Vergessenes und Überhörtes. Sowieso eine Menge Schrott und „Unterhaltungsmusik“, ein Wort, das von „unten halten“ kommt. Und, um den Kreis zu schliessen, mit welchem Song soll denn meine Zeitreise am 31. Dezember in der Radionacht Klanghorizonte zuendegehen ausser mit dem Cohen-Song „The Future“?! „Noir“ ist eine breite Palette anno 2016.

(21-50+, Stoffsammlung, ohne Gewähr, zufallssortiert, jederzeit auf dem Sprung in die Bestenliste, grossartige Musik durchweg): P.J. Harvey: The Hope Six Demolition Project / Anohni: Hopelessness / Jack DeJohnette w/ Matthew Garrison & Ravi Coltrane: In Movement / Sinnika Langeland: The Magic Forest / Nik Bärtsch’s Mobile: Continuum / Andrew Cyrille Quartet: The Decalaration of Musical Independance / Geir Sundstol: Langen Ro / Rolf Lislevand: La Masquerade / Darren Haymen: Pleasant Villages Vol. 1 / Wolfgang Muthspiel: Rising Grace / Carla Bley: Andando El Tiempo / Mats Eilertsen: Rubicon / Frank Ocean: Blond / Zsofia Boros: Local Objects / Monkey Plot: Here I Sit, Knowing All Of This / Nils Petter Molvaer: Buoyancy / Michael Kiwanuka: Love and Hate / Meredith Monk:  On Behalf Of Nature / Wardruna: Runaljod – Ragnarok / Pierre Favre Drumsights: Now / Tord Gustavsen Quartett: What Was Said / Daniel Lanois: Goodbye To Language / Cindytalk: The Labyrinth of the Straight Line / Yann Tiersen: Eusa / Jakob Bro: Streams / Building Instrument: Kem Som Kam A Leve / Christian Wallumrod Ensemble: Kursam and Folger / Swans: The Glowing Man / Wilco: Schmilco / William Tyler: Modern Country / Markus Stockhausen – Florian Weber: Alba / Sturgill Simpson: A Sailor’s Guide To Earth / Kevin Morby: Singing Saw / Thomas Köner: Tiento de la Luz / Avishai Cohen: Into The Silence / The Legendary Pink Dots: Pages of Aquarius 

https://jonhassell.bandcamp.com/album/seeing-through-sound-pentimento-volume-two

Ich muss wohl ziemlich verwirrt drein geschaut haben, denn der Verkäufer versuchte zu erklären: heute speichere man mit USB-Sticks, die eine enorme Speicherkapazität hätten, deshalb sei es wohl auch bald mit den CD-Playern im Auto vorbei, schon heute wären die neueren Modelle ja bereits mit USB-Schnittstellen ausgerüstet. Smartphone anschließen und fertig … Jetzt wurde es mir doch zu viel. Ich erläuterte dem jungen Mann nun meinerseits die Sachlage. Er möge sich mal vorstellen, dass man in einem Leben zunächst das Spulentonband als Speichermedium erlebt habe, dann die Kassette, dann die Minidisc, dann die DAT-Audio-Tapes und nun soll die Zeit der CD als Speichermedium auch vorbei sein???

(aus Gregor öffnet seinen Plattenschrank, Folge 116)

 
 
 
Aus dem Jahr 1877 datiert der Beschluss der Stadt Kronach zur Errichtung einer vierstufigen Realschule – Vorgängerin des Kaspar-Zeuß-Gymnasiums. Im November desselben Jahres stellte Thomas Alva Edison seinen Phonographen vor. Ich weiß nicht, wie das Musikleben zu Kronach im Jahr 1877 beschaffen war. So viel ist klar: Musik musste man selbst machen oder sich handgemacht und mundgeblasen vorführen lassen – in statu nascendi. Es sind seitdem kaum 140 Jahre vergangen, da werden Gregor – und nicht nur ihm – die Speicherformate im Schnelldurchgang gegeben und genommen.

Als ich Kind war, noch im Vorschulalter, war für mich die Musikwelt kaum anders geartet als 1877. Zu Hause wurde nicht musiziert. Wie es dazu kam, dass mich Musik gepackt und nicht mehr losgelassen hat, lag vermutlich daran, dass es doch ein wenig anders war. Wir hatten ein Radiogerät. Meine Lieblingssendung war der Landfunk. Ach was! Es war die einzige Sendung, die ich mir anhörte. Die Beiträge zu Ackerbau und Viehzucht habe ich ertragen, der eingestreuten kurzen Volksmusik wegen.

Mundgeblasenes gab es einmal im Jahr zum Schützenfest, wenn die Helmbrechts Marching Band zum Festplatz zog und den Tag im Bierzelt verbrachte. Man hätte mich vormittags vor der Kapelle abstellen und nachmittags abholen können. Abends im Bett habe ich dann selbst Musik gemacht, vokale Variationen über Blasmusik, autodidaktische Stimm- und Gehörbildung bis ich in den Schlaf fiel.

Mit dem Spiel eines Instruments begann ich recht spät, im Alter von 9 Jahren Violine, mit 13 Jahren Klavier. Mein drittes „Musikinstrument“ war ein Plattenspieler. Da war ich 14 Jahre alt.

Das Radio jedoch war das Fenster mit weiter Aussicht zu Klanghorizonten – viel später auch zu den Klanghorizonten. Drei West-Sender konnte man in der Region über UKW empfangen: anfangs nur den Bayerischen Rundfunk, seit den 60er Jahren RIAS. Der DLF stellte erst nach 1980 UKW-Stationen entlang der Zonengrenze auf.

Vier Moderatoren haben mir viel gegeben. Ich mag sie wegen ihrer Kenntnisse und ihrer sprachlichen Eleganz.

Like a prankster let loose in a puzzle factory, director David Lynch creates dysfunctional mysteries which defy the simple piecing together of a coherent solution. His puzzles may lack key pieces, have extra pieces, or fit together to create a disjointed, nightmare image beyond conscious understanding. Lynch’s long journey down his lost highway has led him to a place of supreme confidence as a filmmaker. With Mulholland Dr., Lynch continues to mine the obsessive tropes of his earlier work (doppelgangers, dreams, dissociative disorders), but strikes new ground by openly exploring the two worlds of his own life: Los Angeles and „Hollywood.“

Mulholland Dr. most quickly brings to mind Lost Highway, Lynch’s 1998 collaboration with novelist Barry Gifford. Like that earlier film, Mulholland Dr. walks a line between ostensibly straightforward modern creepshow and retro noir mystery, as Lynch asks the audience to straddle conscious deduction and dream-like intuition. Lynch’s heroine here, Betty Elms (Naomi Watts), fits the now self-conscious model of the typical Lynch hero: wide-eyed, apparently innocent, and pure of heart, but driven by dark desires which inevitably bubble to the surface.

Lacking only cartoon bluebirds around her head, the freshly-scrubbed Betty arrives in Los Angeles with dreams of movie stardom. Met at her new apartment by no less than Ann Miller (as kooky landlord Coco), Betty is given a key to a new life. It takes mere moments for the dream facade to give way to menace, as Betty discovers an univited roommate (Laura Elena Harring), an amnesiac who cribs the name Rita from a poster for Rita Hayworth’s Gilda. Names are key elements of the mystery, as identities come in and out of focus like Lynch’s floating camera.

Lynch develops many other characters, despite it being impossible to quantify the number of storylines. The most prominent of these belongs to Adam (Justin Theroux), a sardonic, young filmmaker meeting with ominous resistance. Dan Hedaya, Lee Grant, and Robert Forster slink by briefly, and Lynch winks at the personal nature of his „L.A. Story“ by casting longtime behind-the-scenes collaborators Angelo Badalamenti (who, as usual, scores the film) and producer Monty Montgomery as creepy henchmen.

As millions argue about what on earth Mulholland Dr. means, Lynch refuses to play the interpretation game, demurring with oblique self-analytical statements. So begin by imagining that a single story is being told in multiple ways throughout the film: a story of naive hopes, heartbreak, jealousy, and death. On another level, the film reflects the beloved and feared nature of Hollywood duplicity; like almost every Lynch film, Mulholland Dr. contains a theatrical show within the show, but for the characters, the price of admission is fearfully high, just like the cost to thieves and authority figures and artists of taking other people’s money (an object lesson Lynch has had to learn repeatedly, as with the tussled-over, „failed“ ABC pilot that Lynch reclaimed and reconstituted into Mulholland Dr.).

Just as Rita steals her identity from the starlet in her mirror, we look for our reflection in the movies; just like Betty, we all arrive in „Hollywood“ full of false hopes, pursuing siren dreams. Finally, perhaps more than any other Lynch work, Mulholland Dr. works on the level of elegant, frustrating puzzle box (unlocked—and locked—with a blue key) and as the object of dream surrender. Erotic, fear-ridden, and beautiful, Lynch’s primal imagery has the abhorrent and alluring pull of death itself.

– Peter Canavese, Groucho Reviews (Peter Canavese IS Groucho Reviews)