Manafonistas

In der Tat ist Christian Reiners Einspielung von einer unerhörten, hypnotischen Intensität. Die karge, abstrakte Sprache Hölderlins: Tag, Schnee, Frühling, Schimmer, Himmel, Bilder, Sonne, Mensch, Licht. Reiners Stimme, die die alten Gluten in dieser erloschenen Sprache spüren lässt. Und ebenjene Pausen, die dem Zuhörer den Raum geben, inmitten des Schweigens nach seinen eigenen inneren Himmels-, Frühlings-, Schnee- und Sonnenbildern zu suchen. (Der Standard, Wien)

Ein Debütalbum, das keines ist. Von einem Trio, das kein Trio ist und ein Weihnachtsalbum herausbringt, das anders klingt als andere Festtagsmusiken. Das National Jazz Trio Of Scotland spielt Jazz für Menschen mit einem speziellen und subtilen Verständnis dafür, was Jazz vielleicht auch sein könnte. Es ist etwas ganz Besonderes, was der Pianist Bill Wells und seine vier Gesangsmitstreiter (u. a. Mitglieder von Francois & The Atlas Mountains, Golden Grrls, The One Ensemble) hier bieten. Ja, die Titel klingen vertraut, aber hat man jemals eine unheimlichere Version von God Rest Ye Merry Gentlemen oder vom Christmas Song ( Chestnuts roasting on an open fire … ) gehört? Melodien werden ab- und kühn wieder aufgebaut, und geloopte und gesampelte Arrangements werfen ein frostiges neues Licht auf Texte, die man immer für selbstverständlich genommen oder nie so richtig wahrgenommen hat. Das klinge eine wenig so, als spiele Moondog Burt Bacharach, meint Bill Wells dazu. Frohes Fest! (eine stimmige Produktbeschreibung, Robert Wyatt würde applaudieren! M.E.)

The title of Scott Walker’s new album alludes playfully to both the nonsense poetry of Edward Lear and the apocalyptic paintings of Hieronymus Bosch, describing the exuberant experimentation of his fourth solo album in four decades. The final part of a loose trilogy of Tilt (1996) and The Drift (2006), it’s also the best of the maverick singer-songwriter’s solo career, achieving his most successful mishmash of words and music in a stream-of-consciousness collage, equal parts sound poem and art music.

Walker’s protean and layered songs combine acoustic instrumentation, dissonant electronica and found sounds (clashing machetes, wailing shofar, tumbling marbles) with fragmented melodies and elliptical locutions, all held in exquisite dynamic tension by his signature dramatic croon. Bish Bosch is jarring and lyrical, at once beautiful and uncompromising. 4ad.com (Jocelyn Clarke, The Irish Times)

What is the title Bish Bosch trying to communicate? Is Scott Walker trying to suggest that this material was tossed off in an afternoon? Or maybe it’s ironic, as it is so onerously and meticulously stitched together. No, this reeking pot of liquor, boiled down bouillon of farts and gonad (seriously, check the lyrics), is a playful beast, and not at all miserable. Bish Bosch (Bosch doubling as reference to the 15th century painter of phantasmogoria) is the sound of ones shit being slapped up on a wall writing the words ’Har fucking har’. It’s Lear at the height of his infantile madness in the wind and rain. Walker is a man out of time, utterly free of financial confine (we truly hope) and here he commits the lyrical ravings of a brain in liquid suspension, committed to spinning questions around itself into infinity, utterly lost in a reverie of its own logic. A brain with no body, the utter defeat of Cartesian mind body duality. The elements are very discrete and simple, a percussive thump and disconnected bowed tones, silence, loud and quiet volumes (think you know dynamic range….well check this for VERY LOUD then VERY QUIET). This can very happily be filed alongside Diamanda Galas, Stockhausen or Harrison Britwhistle which is where Walker surely sees himself. Not that we think he cares. An living enigma. (Julian Tardo, bowlegsmusic)

Claire Vaye Watkins‘ father, who died when she was 6, was a member of the Charles Manson family who escaped the cult to settle in the Mojave. In 10 stories set in her home state of Nevada (dubbed the „Battle Born“ state because it was founded during the Civil War), she takes an unflinching look at the apocalyptic. She writes of a mother’s suicide, a father’s unnatural love for his daughter, a nuclear test blast that „sends the curse southeast, toward Las Vegas, to my mother’s small chest, her lungs and her heart.“ She describes raw and arid landscapes around Reno, Virginia City, Black Rock and a brothel in Pahrump, where an Italian tourist holes up while waiting to learn if a friend lost in the desert has died. In her opening story, „Ghosts, Cowboys,“ she reckons with her own heritage, giving us artfully crafted sections on the founding of Reno during the Gold Rush era, the Spahn Ranch where 1950s Westerns were filmed, and her parents‘ „toxic and silver-gilded love.“ „And there is still so much I’ll never know, no matter how much history I weigh upon myself,“ she writes.

Watkins has a survivor’s gift for identifying the crucial detail, and she’s a straight shooter. Each story from this talented writer is wired to detonate.

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Rezensionsnotiz – Frankfurter Rundschau, 08.11.2012
Claire Vaye Watkins‘ Geschichten gehören „zum Wundervollsten“, das sie seit langem gelesen hat, freut sich Sabine Vogel. In „Geister, Cowboys“ sind zehn Shortstories versammelt, die allesamt um die Sehnsüchte der Autorin kreisen, berichtet die Rezensentin. Vogel lässt die Geschichten in ihrer Rezension selbst unberührt, nur Bilder greift sie auf: Wüsten, Mondlandschaften, Einsamkeit, Goldgräber-Geister und andere verlorene Seelen. Alle Geschichten haben ein „verlässliches Heimweh nach der Verlassenheit“ gemein, findet die Rezensentin. Watkins Buch hat Sabine Vogel viel Freude gemacht. (Quelle: Perlentaucher)

1) Neil Young: Psychedelic Pill

2) Eberhard Weber : Resume

3) Leonard Cohen: Old Ideas

4) Sufjan Stevens: Silver and Gold

5) Joni Mitchell: Court and Spark

6) Paul Buchanan: Mid Air

7) Diagrams: Diagrams

v i d e o

Kairos kam, der günstige Augenblick, und mit ihm eine Hörerfahrung. Man hatte da vorweg mal etwas schläfrig reingehört, doch bedurfte es schon dieses gewissen Moments. Nun öffnete sich diese Musik für ein unverfügbares Wahrheitsereignis. Jene Aufnahme eines Tokiokonzerts, das von Ecm spät und frisch getaufte Sleeper, klingt hochaktuell und zeugt von einer Ära, in der noch nicht gesamplet wurde und gesurft, stattdessen die Musik Raum gab für Transzendenz, Ergriffenheit und virtuelle Fluchten – ohne die reflektive Kühle und Abstandnahme postmoderner Zeiten, in denen man dank Google, Twitter, Spotify ja sowieso schon alles kennt. Das Keith Jarrett Quartett begab sich Anfang der Achtziger Jahre auf die Entdeckungsreise eines anderen Modern-Jazz: Grenzüberschreitung, Neuland, Spielfreude. Christopher Columbus nebst einigen Schamanen mögen Pate gestanden haben. Wie seine Begeisterung mit Worten andeuten? Ist doch der Fingerzeig zum Mond nie dem Erdtrabanten gleich. Nüchtern, nicht euphorisch, antizipiert man dieses fiebrig intensive, teils von afrikanischen Rhythmen durchsetzte Konzert-Klangwunder, das vor Formkraft, Einfühlungsvermögen und Virtuosität nur so strotzt. Es ist eine Huldigung, die keinen Schöpfer preist und keine Schöpferin, vielmehr im taoistischen Sinn religiös ist, als Hingabe und Wegbeschreitung.

 
 

 
 
 
Like A Hawk And A Hacksaw before them, Portland’s Ryan Francesconi and partner Mirabai Peart have found themselves seduced by the landscapes and traditional musics of Eastern Europe. On a recent trip around Lesbos, the couple – both members of Joanna Newsom’s touring ensemble – were inspired to produce this seven-track duet. Francesconi’s versatility is sublimated by a close-miked acoustic guitar, on which he picks out clear, confident lines (especially on „Parallel Flights“ and „Pontic“), while Peart’s violn flickers between American folk and Balkan scales. Assured chamber-folk that would have sat comfortably on ECM. (Rob Young, Uncut, January 2013)

„Love came to my door/With a sleeping roll/And a madman’s soul/He thought for sure I’d seen him/Dancing up a river in the dark/Looking for a woman/To court and spark“. (The River)

* Song To A Seagull (1968) ***
* Clouds (1969) ****
* Ladies of the Canyon (1970) ***1/2
* Blue (1971) *****
* For The Roses (1972)  ***1/2
* Court and Spark (1974) ****
* The Hissing Of Summer Lawns (1975) ****1/2
* Hejira (1976) *****
* Don Juan’s Reckless Daughter (1977) ****
* Mingus (1979) *****  (m.e.)

“Joni Mitchell’s Blue probably has the same characteristic that I like about Revolver. It has this in-your-face production value. She had written songs like ‘Clouds’ where she had harpsichord on it and all these strings and all that but this album was devoid of all instruments bar the dulcimer, the acoustic guitar and the piano. I don’t even recall a lot of bass on the album but Stephen Stills might have played a bass line on an acoustic guitar. So what you have is ten or twelve knockout songs that she must have spent months crafting. Poetically, these songs are perfect. They speak to women, I know, but they also speak to men as well, about universal and personal challenges we all face in life. Joni Mitchell articulated them so well but as a record producer, how she did it was so important. Again, it’s that dry sound; in-your-face and a kind of minimal recording but every note and every instrument stated something very clearly and very powerfully. There are times when I hear this and I don’t even realise that I’m hearing a piano or a vocal; to me, it sounds orchestral. A good arrangement can make two or three instruments sound huge and a bad arrangement can make a whole orchestra sound puny.” (Tony Visconti, producer)

Der eine bringt in grossen Abständen erratische Songalben heraus, der andere veröffentlicht fast im Jahresrhythmus Thriller, die nüchtern und spannend zugleich Polizeiarbeit beschreiben. Der eine zitiert im Titel seines neuen Albums, BISH BOSCH, die dunklen, verstörenden Bilderwelten des Hieronymus Bosch, der andere erzählt seit langer Zeit aus der Welt eines komplexen Charakters mit Namen Harry Bosch. Und auch hier ist die Parallele zu dem Maler höllischer, visionärer Bilder durchaus beabsichtigt. Beide sind also den Schattenwelten des Lebens zugetan, der eine wählt dazu eine extreme Klangsprache, der andere ein traditionelles Genre. Beide Künstler haben nichts an sich, was man mit Starallüren in Verbindung bringen könnte. Ernste, nüchterne Menschen. Ich lese gerade den neuen Roman von Michael Connelly, THE BLACK BOX. Darin geht Harry Bosch einem ungelösten Mordfall nach, der zwanzig Jahre zurückliegt: eine dänische Journalistin wurde bei den Unruhen in Los Angeles anno 1992 erschossen in einer Seitengasse aufgefunden. Die politischen Unruhen voller Gräueltaten, die sich vor dem Ende der Ära des letzten rumänischen Tyrannen abspielten, und die Tötung des Diktators, macht Scott Walker zum Thema des letzten Liedes von BISH BOSCH.