Manafonistas

silver silver turn to gold
none more precious than I’m told
look you one and look you two
silver’s come to bury all of you
 
have you match or have you flame
alike alike we feel no pain
 
thought you were the chosen ones
now your plans are all undone
listen listen to the sound
all god’s children going down
 
have you match or have you flame
alike alike we feel no pain
 
wide wide ocean tide
busted banks gone and swallowed my pride
turn turn what you learned
everything you love has got to burn
 
silver silver turn to gold
none more precious than I’m told
look you one and look you two
silver’s come to bury all of you
 
have you match or have you flame
alike alike we feel no pain
 
silver bought and silver sold
but all it ever wished was gold
all it ever wished was gold

Simone White: SILVER SILVER
Calexico: ALGIERS
Pink Floyd: ATOM HEART MOTHER
Brian Eno: MUSIC FOR FILMS
Beachwood Sparks: THE TARNISHED GOLD

Und jetzt am Abend, neue Bekannte am Strand gefunden, leichter Sonnenbrand, Riesenlust auf den flämischen Barbecueabend, zu dem ich eingeladen bin, ein geplatzter Reifen, und später dann, angeleitet von Mitgliedern der Barbershop & Sea Company, Schwimmen bis zum Horizont: so nennen sie das hier (ich hab es mir übersetzen lassen), wenn man einen Kilometer rausschwimmt, und dann von einem Boot eingesammelt wird, das die kleine Schwimmtruppe auf eine in der Nähe gelegene Insel transportiert, auf der es wilde Füchse geben soll (welche Drogen nehmen die denn hier?!) – und eine sehr ungewöhnliche Grillparty mit Überlebenden der Brüsseler Punkerszene.

A propos Beachwood Sparks: It’s funny we sometimes call such oldfashinoned music „timeless“. Why? I think such music presents certain qualities that a lot of listeners love f o r e v e r: the harmony vocals, the Nashville sources, the mild psychedelic colors! So this is full of good vibrations, with some dark undertones that undermine (a little bit) the „innocence“ of this old time feel.

Gestern Kettcar live gesehen, in der Burg Wilhemstein. Sehr sympathische Band, intelligente und anrührende Texte, feines Ambiente (viele brachten in die Burg, die in Würselen liegt, Futter und Getränke mit), jüngere Fans sangen die Lieder mit, so dass der Frontmann auch mal die Luft anhalten konnte, und der Refrain dennoch das weite Halbrund erfüllte. Sommeranfang. Bei Kettcar sieht man, wie weit und tief die Musik einer Band wirken kann, die irgendwann mal mit ihrem „Vier-Akkord-Punk-Wissen“ losgezogen ist und die Musikkeller in Hamburg unsicher gemacht hat. Auf ihrer jüngsten und vielleicht besten Platte, ZWISCHEN DEN RUNDEN, sammeln sich Lieder von Entfremdung und Sehnsuchtsstoffe (Violinen und Kettcar, wer hätte das gedacht!), Kindheitsträume und schroffe Studien hässlichen Alltags: „Wenn das der Frieden ist, musst du den Krieg nicht noch erfinden“. Die Alltagsutopien bestehen darin, den kommenden Tag gut zu überstehen. Und selbst die kämpferischen Lieder kommen ohne Glücksrezepte daher. Wie schön, selber zu bedauern, dass man bei diesen Liedern leider so gar nicht textsicher ist. Wahrscheinlich hat der erhaben-dümmliche Mist, den ein zwanghaft expressiver Grönemeyer seit Jahrzehnten verzapft, von bescheuerten Liedern a la „Kinder an die Macht“ über sein grauenhaft anbiederndes „Mensch“-Album bis hin zu seinem poetisch abgesoffenen „Schiffsverkehr“ das Vertrauen in deutsche Songs ein wenig untergraben. Gut, wir haben Kante, und wir haben Tocotronic. Und Kettcar. Element of Crime. Und Udo L.! 

P.S.: Die Atmosphäre von Burgwilhelmstein ist allein schon ein Vorbeikommen Wert. Ich empfehle am 11. Juli das UKULELE ORCHESTRA OF GREAT BRITAIN, mit jeder Menge englischem Humor, und der Kunst, Otis Redding u. Nirvana in einem Programm unterzubringen.

 

 
 
 
The fifth LP from this Mancunian downbeat electronica outfit sees the addition of a third member – keyboard player Duncan Meadows – and a further refinement of the band’s ethereal, understated sound. Melodic, overlapping drones phase in and out over glossy, gentle chords and pulsing bass; tracks like Alone Together, with its barely-there tremulous guitars hanging over whispering synths, evoke the restrained, cinematic beauty of Labradford or Pan American.

If Marconi Union don’t always attain the intensity or otherworldly allure of those forebears, that reflects a certain evenness of tone: Different Colours is an irresistibly warm and seamless journey through post-rock and electronica’s dreamy hinterlands, but it would be interesting to juxtapose its bright textures with more melancholy shadows. Yet the sound always errs on the right side of restraint: there are no grandiose, emotive chord progressions or crescendos here, and as a consequence, the LP successfully maintains a kind of humming, quiet intensity. (Sam Wiseman, The Skinny)

Zwei Frauen musizieren an seltsamen Orten. Sie eröffnen eine Stunde mit Musik, die sich fernab vertrauter Koordinaten bewegt. Der Preis dafür: der Underground.

Hier Details zu Parallel 41:
CD+DVD Baskaru karu:21
Release date: July 2012
www.baskaru.com

New York and Naples on the same wavelength

The 41st parallel runs an imaginary course from New York to Naples, Italy, where reside JULIA KENT and BARBARA DE DOMINICIS, respectively. Therefore, you could say they are both on the same geographical wavelength. However, they also share the same musical wavelength, as they are both quite fond of delicate ambiances, loops, and spontaneity.

Cellist Julia Kent weaves dense sonic fabrics using real-time looping techniques she truly masters. Poet/singer/electronic artist Barbara De Dominicis likes to integrate live-treated field recordings to her inspired vocal improvisations.

To these two ingredients – Kent and De Dominicis – we must add a third one: the locations. The tracks on this debut album were improvised and recorded in 2009-2010, mainly in Italy, in unusual locations with promising acoustics: a fortress, an abandoned tunnel, a wool factory, a farmhouse. The artists inhabited these places for a while, and in turn these places inhabit the music, through microphone and hydrophone recordings of their surrounding area. Each piece has its own unique character.

To the main CD (8 tracks + 1 bonus track, total duration: 44 minutes), the Baskaru label is adding a DVD featuring DAVIDE LONARDI’s documentary film Faraway Close (35 minutes). The filmmaker followed the duo on their journey. His film includes bits from interviews and performances, panoramic views, and archive documents.

Kennen Sie den Unterschied zwischen Roman- und Musikrezensionen? Ganz einfach, in der Besprechung einer CD kann einem nichts verraten werden, was die sich daran anschließende, mögliche Freude trübt. Aber von der Handlung eines Romanes kann einem zu viel enthüllt werden, es sei denn, es gibt kaum Handlung, oder der Buchautor verweist auf die Bedeutungslosigkeit der Story im Verhältnis zum Stil und Sound des Buches. Letzteres können allerdings nicht viele Schreiber, manche täuschen mit postmodern verlinkten Alibis über ihre Geschichtenarmut hinweg, wogegen ein Miguel De Cervantes es sich leisten konnte, die Überschriften der Kapitel seines Don Quichote mit pointierten Inhaltsangaben zu versehen.

Daraus ergeben sich Konsequenzen: so überfliege ich bloss bei Romanrezensionen, etwa auf der Webseite der KrimiCouch-Leute, die langen und leidenschaftlichen Besprechungen – und filtere aus dem Erhaschen fragmentarischer Sätze, ob das jeweilige Buch für mich in Frage kommt. Bei Musikrezensionen (besonders bei Platten, auf die ich heiß bin, und die noch nicht erschienen sind), verschlinge ich jedes Wort, und höre nur auf, wenn ich merke, dass der Autor Unsinn erzählt, und etwa der letzten, volldoofen Coldplay-CD vier Sterne vergibt.

Hier nun möchte ich Ihre Neugier lenken auf zwei Produktionen von Sängerinnen, die im August erscheinen werden. Die eine CD stammt von Cat Power (mit bürgerlichem Namen Chan Marshall). Viele haben gewiss Ihr letztes Studioalbum von 2006 in guter Erinnerung, THE GREATEST. Das Album wird SUN heißen, und es ist eine Überraschung, dass sie alle Stücke komplett selbst eingespielt hat. Ein wahres Soloalbum also.

Anders verhält es sich bei der neuen Arbeit von Greta Aagre und Erik Honore. In diesem Songreigen, mit dem Titel YEAR OF THE BULLET, bewegt sich die Stimme der Norwegerin durch Landschaften, die von Jan Bang, Arve Henriksen und anderen gestaltet werden. Zu letzterem Album schrieb mir Erik Honore u.a.:

I’ve been working on an album with Greta for a while, but it took some helpful input from David Sylvian for us to finish it. He liked the material, but more importantly: he is very good at pinpointing both strengths and weaknesses in a constructive way and suggesting improvements.

So now it’s finished, and it will be released by Jazzland in August.

My question is: Would you have the time to listen to it? Since it is „self produced“ I’ve had good experiences of getting outside perspectives on it, and though it is now finished it’s still time for minor changes if needed.

This depends entirely on whether you can relate to the music or not, of course. So please be totally honest about that – I’ve no problem with criticism, or that it’s just not your cup of tea, or if it feels „too close“ to comment on.

Nun, ich konnte allerdings in Beziehung treten zu diesem Album, und deshalb vertraue ich auf Ihr Langzeitgedächtnis: YEAR OF THE BULLET wird für etliche Hörer eine Entdeckung sein im Spätsommer. Ich verspreche nicht zuviel. Und das eine Lied, das ich von Cat Powers neuem Werk hören konnte, macht auch neugierig: durchbricht da jemand die Komfortzone der eigenen Melancholie?

Die weltweit erste Besprechung der CD von Greta Aagre und Erik Honore wird es evtl. bei den Manafonistas geben. Und hier der Text eines der neuen Lieder von Cat Power, Ruin, den man sich auch im Netz anhören kann. Mehr als jedem fremdgeschriebenen Wort sollte man den eigenen Ohren trauen.

I’ve seen gypsies who made it all the way
And kept going, kept rolling with nowhere to go
Nowhere to go.

As far as I’ve seen from the bush
The wilderness, to every known city
I’ve been to Saudi Arabia, dug up Calcutta
So where to? Mozambique, Istanbul, Rio, Rome
Argentina, Chile, Mexico, Taiwan, Great Britain
Belfast, to the desert, Spain,
Some little bitty island in the middle of the Pacific
All the way back home, into my town
Into my town
Bitching, complaining from some ṗeople who ain’t got shit to eat
Bitching, moment, so many people you know they got

What are we doing?
We’re sitting on a ruin
What are we doing?
We’re sitting on a ruin

 
1

Gestern war mein Schwebetag. Seit ich die Klanghorizonte im Deutschlandfunk mache, alle 14 Tage nachts um 1.05 Uhr, gibt es diese Körpererfahrung. Ich gehe und liege wie auf Wolken. Mein Biorhyhtmus sorgt nämlich dafür, mich gnadenlos zwischen 7.30 und 8.30 Uhr aus den Träumen zu reißen, und das bei einer Einschlafzeit, die ungefähr bei 3.50 Uhr liegen dürfte, im Schnitt. Auf der gut einstündigen Autobahnfahrt zwischen Sendestudio und Schlafzimmer gilt es nur selten massiv aufkommende Müdigkeit zu bekämpfen, schließlich sind alle Sinne wohlauf und geschärft, spiele ich doch nur Musik, die mir selbst die beste Seelennahrung ist, slow soul food sozusagen. Und nun lag ich zur Mittagszeit also auf einer Wolke. Eine Valium-Zone ohne Valium. Ein verlockendes Angebot der Körperchemie, alle 14 Tage frei verfügbar. Die Musik, die ich auflegte zum freischwebenden Dösen, war Enos Music For Films. Wieso werde ich diese Musik nie leid, wieso stellt sich nie die Spur einer Sättigung ein?

2

In dem Sommer (oder war es schon Herbst), in dem diese Langspielplatte erschien, lebte ich in einer leergeräumten Wohnung, in der die Schatten einer alten Liebe noch an der Wand tanzten. Allmonatlich kaufte ich die „Sounds“, die beste Musikzeitschrift, die es je gab in der alten Bundesrepublik. Ich stöberte durch die jüngste Ausgabe, als mein Blick auf eine kleine Werbung der Firma Polydor fiel: „Der Mann im Hintergrund“, war da zu lesen, so flüstert es mir meine Erinnerung ein, ein monochromes graues Cover war abgebildet, und das Erscheinen von Music for Films wurde mit kalkuliertem Understatement verkündet. Sofort bestellte ich die Platte bei einem meiner zwei Dealer, in Unterlüss. Der andere Postversand war Jazz by Post in der Gleichmannstrasse 10 in Pasing, von dort kamen mir über Jahre u. a. viele ECM-Neuheiten ins Haus, die Schatztruhe der 70er Jahre war weit geöffnet. Unterlüss war für die Rockmusik und ihre Ränder zuständig. Zwei, drei Tage später hielt ich Music for Films in Händen. Und hörte sie zum ersten Mal.

3

Ich habe diese Platte mit ihren flüchtigen und mich auf jede Flucht mitnehmenden Skizzen, ihren vollkommenen Unfertigkeiten, ihren Sehnsuchts- und Angst- und Traumstoffen seither unendlich oft gehört, bewusst, unbewusst, im Hintergrund, im Seitengrund, Im Vordergrund. Beim Wandern (mit Knopf im Ohr), beim Schreiben, beim Einschlafen, Wachwerden, in der Fremde. Und als Alternative für „die Zigarette danach“. Beim ersten Hören wusste ich, dass diese Musik lebensbegleitend sein würde. Sie wurde rasch auch eine Medizin, sie half mir, mit den nackten Schatten an der leeren Wand zu tanzen, statt sie zu verscheuchen. Und als damals ein Riese mich aus dem Bett und meiner Wohnung im 7. Stock schleudern wollte, ich meinen Geist vergeblich mit Kakao zu beruhigen suchte, der Alptraum aber wiederkehrte, und ich mir einen heißen Grog machte mit dem guten alten Pott, mit dem Auto auf einen großen leeren Acker in der Nähe von Würzburg fuhr, dort den Sonnenaufgang erlebte und  meine einzige tief anrührende Begegnung mit einer Kantate von Bach aus dem schräpigen Autoradio hatte, und hernach in die Alpdruckwohnung heimkehrte, legte ich Music for Films auf, und erlebte, wie sich die vollkommen irrationalen Glücksgefühle, die sich schon auf dem kühlen Morgenacker eingestellt hatten, weiter ausbreiteten, und ich mich gar freute auf die nächste Begegnung mit dem Riesen.

Folgende Szene spielte sich ab im Video: der Produzent Daniel Lanois erklärt dem Schlagzeuger Brian Blade seine Idee, einen alten Willie Green Track neu zu vertonen für sein Album Here is What It Is. Blade hört sich das an, setzt den Kopfhörer auf, lacht, fühlt sich rein in den Groove, versucht ihn zu antizipieren (the mimicking kind) … dann setzt die Gitarre ein, der Gesang, der Bass: Wunderbar! Man selbst nimmt die Gitarre zur Hand, setzt den Kopfhörer auf, lacht, fühlt sich rein, versucht das Ganze zu antizipieren (2:58). Wie aber heißt dieser Track von Willie Green?

Von der Abwesenheit der Menschen handelt die Bühnenperformance, die „No Man-Show“, STIFTERS DINGE von Heiner Goebbels, die es nun auch als rein klangliches Ereignis als CD gibt. Was hat nun der knorrige Avantgardist mit dem alten Dichter Adalbert Stifter zu schaffen, an dem sich seit jeher die Geister scheiden? Die, die ihn mögen, sehen in ihm nicht den landschaftsbesessenen Verfechter der Idylle, sondern einen, der die Dinge der Welt aufzählt, erzählt, dabei durch stetige Wiederholungen eigene Rhythmen entwickelt. Der Mensch tritt in den Hintergrund. Stifter, so finden einige, erzählt auch von der Bedrohtheit der Natur, von vorapokalyptischen Zuständen, vielleicht, wenn die Zeit reicht, lese ich Ihnen später noch was von ihm vor. Und hier setzt Goebbels an, in seiner Musik, in der erst nach einer Weile menschliche Stimmen, als Gemurmel, Dialog, Gesang und Erzählung auftauchen. Zum Beispiel Claude Levy-Strauss, William Burroughs und Malcolm X. Man bekommt Musik von Bach zu hören, auch Bachgeriesel, sowie gesampelte Eingeborenengesänge aus Neu-Guinea sowie einen griechischen Klagegesang – die Botschaft, die „message“ von all dem? Nun, Goebbels verweist auf Hitchcocks Aussage: „Wenn Sie eine „message“ haben, gehen Sie damit aufs Postamt!“ Aber natürlich hängen hier die Dinge, und nicht nur Stifters Dinge, zusammen: eine dunkle, sperrige und doch meditative Welt finden wir vor, die u.a. dem Verschwinden der Dinge der Natur nachspürt. Und die uns herausfordert, sich auf Fremdes einzulassen, das nicht gleich gebrauchsfertig serviert wird für unser weitgehend verschandeltes, abgewirtschaftetes „globales Dorf“. Und wenn Sie daheim gleich THE COAST hören, werden Sie kein Wellenrauschen hören, bis die Sängerin und Harfenspielerin Arianna Savall eine ganz andere Meeresgeschichte vorträgt. Bei Heiner Goebbels scheint die Küste ein Ort zu sein, der, wie die Sounds der automatischen Klaviere andeuten, alles Romantische abhanden zu kommen droht –  man vermutet hier kalte unerbittliche Fabriken. Ich musste an Goebbels‘ neues Album denken, als ich vor ein paar Tagen in der Museumshalle Bonn die Ausstellung des Fotografen Lewis Baltz erlebte. Auch da begegnen Ihnen weitgehend menschenleere Szenarien, seltsam abstrakt anmutende Dokumente der Verdrängung der Natur. Parkplätze, trostlose Mietshäuser, runtergekommen Fassaden. Baltz‘ Fotos verbreiten diesen leisen Schauer, horror vacui, Angst vor der Leere, genannt. Fast Abstrakte Kunst mutiert zur Sozialkritik – wie bei Heiner Goebbels werden auch bei Lewis Baltz scheinbar widersprüchliche Dinge eins, zumindest für kurze Zeit. THE COAST …

 
 
1) Heiner Goebbels: The Coast, aus STIFTERS DINGE
2) Arianna Savall / Petter Udland Johansen: El Mariner, aus: HIRUNDO MARIS
 
 
Ein Lied aus dem neuen Album HIRUNDO MARIS – Chants du Nord et du sud. Hirundo maria ist der lateinsiche Ausdruck für Meerschwalbe. Verbindungslinien werden erkundet zwischen der Folklore der Nordsee, des hohen Nordens und südlichen Gefilden, Katalonien, das alte Barcelona, die Welt der sephardischen Juden, Lieder die sich auf Meereswegen verloren oder verwandeltem – solchen Pfaden folgen Arianna Savall und Petter Utland Johansen, ihnen kommen dabei auch  eigene  Ideen in den Sinn. Erfinderisch mit den eigenen Inspirationen geht auch das Louis Sclavis Atlas Trio um, auf der CD SOURCES. Klarinetten, E-Gitarre und diverse Keyboards, gerne  auch mal das alte Fender Rhodes Piano. Der englische Jazzkritiker John Fordham macht in dem folgenden Stück SOUS INFLUENCES eine elegante französische Verbeugung ausfindig vor einem Klassiker aus den Schlussakkorden der Sechziger Jahre, Miles Davis‘ Hurengebräu BITCHES BREW. Wer es gut kennt, kann sich wohl leicht das das berühmte Cover von Mati Klarwein in Erinnerung rufen, mit all den prallen Farben, der Erotik und Exotik … „Sous influences“   
 
 
3) Louis Sclavis Atlas Trio: sous influences, aus: SOURCES
4) Masabumi Kikuchi Trio: Sunrise, aus: SUNRISE
 
 

SUNRISE, das Titelstück der CD des Masabumi Kikuchi Trios. Eine besondere Pianotrioplatte. Ohne viel „hineinzugeheimnissen“ in eine der letzten Studioaufnahmen des im November 2011 verstorbenen Schlagzeugers Paul Motian: was dieser einst u.a. in den Gruppen von Bill Evans und Keith Jarrett berühmt gewordene Drummer hier an Reduktion, Klang- und Geräuschfarben realisiert, scheint eine Qualität jener „letzten Werke“ zu bezeugen, in denen Musiker ihrer ureigenen Expressivität ganz nahe kommen. Wer die Musik des Klangforschers Thomas Köner gut kennt, weiß, dass ihr schon immer ein auf Anhieb kaum wahrnehmbares Gespür für Harmonie und Melodie zeigen war. Ich kenne seine Musik wirklich gut, und habe vielleicht deshalb nicht gedacht, dass mich sein neues Werk NOVAYA ZEMLYA dermaßen tief berühren würde. Denn es ist anders, und doch ein echter Köner! Klangforschung geht bei dem gebürtigen Dortmunder stets einher mit Klimaforschung, mit der Lektüre von Tagebüchern und Erzählungen, die sich oft in arktischen und verlassen Erdzonen anspielen. Hier nun stammen seine Inspirationen aus einer weltverlorenen Gegend im fernen Russland, Novaja Semljawww, und noch nie hat man in seinem Werk die Stille so seltsam explodieren hören. Nowaja Semlja ist insgesamt knapp 900 Kilometer lang und liegt jenseits des nördlichen Polarkreises. Das Klima  ist eiskalt, stürmisch und niederschlagsreich. Nur während einiger Wochen im Sommer ist die Westküste von Nowaja Semlja schneefrei. In lang vergangenenn Jahrhunderten machten viele Entdecker an der Küste Station, nicht wenige wurden vom Packeis eingeschlossen. Ab 1955 wurde Nowaja Semlja für Kernwaffenversuche der Sowjetunion genutzt. Unter anderem wurde auf diesem Gelände die sogenannte Zar-Bombe getestet, die mit 57 Megatonnen TNT-Äquivalent die die bis dahin größte gezündete Kernfusionswaffe darstellte. Die Musik von Thomas Köner ist unheimlich, die Menschen sind auch hier verschwunden, es ist eine Geistermusik, die dem Schaurigen vor Ort nachspürt und dabei – paradox genug – den Schrecken transzendiert, und mit der Zeit eine ureigene Ruhe erzeugt. Man braucht ein gutes Radio, um hier alle Feinheiten am Horizont der Hörschwelle mitzubekommen. NOVAYA ZEMLYA, Teil 1 …

5) Thomas Köner: Novaya Zemlya 1, aus NOVAYA ZEMLYA
6) Lambchop: If Not i’ll just die, aus MR. M

Alleinsein kann viele Formen annehmen, in Novaya Zemlya bei Thomas Köner, oder in einer Küche in Nashville, bei Kurt Wagner, dem Komponisten und Sänger von Lambchop, hier in dem Lied IF NOT I’ll JUST DIE, aus dem Album Mr. M. Da bereitet sich einer einen Kaffee, und stellt sich die Instrumente für einen Song vor: „Hier kommen die verrückten Flöten“, heißt es einmal, aber die kommen natürlich nicht in diesem Lied vor. Man könnte viel erzählen von Kurt Wagners Dingen. Oft beginnt er seine Lieder mit den Objekten, die vor seinen Augen liegen, allmählich entwickelt sich ein Bild, eine verknappte  Geschichte. Melodielinien können jederzeit abreißen. Songs, die die Dinge genau ins Visier nehmen, und dann ins Tagträumen geraten. Das Alltägliche, das Beiläufige, das Existenzielle. Solch einen meisterlichen Umgang mit flüchtigen Momenten pflegte auch Brian Eno auf einem Album, das ich wahrscheinlich seit 1978 schon, na, dreihundertfünfundachtzig mal von vorne bis hinten gehört habe. MUSIC FOR FILMS. Man erkennt Enos Handschrift, und doch löst sich das fordernde Ego in diesen fragmentierten Stücken vollkommen auf: Sehnsuchtssoffe und manche schroffe Unheimlichkeit schleichen umeinander. Ich hatte Enos MUSIC FOR FILMS im Ohr, wirklich im Ohr, nicht als Erinnerung, als ich durch die Ausstellungsräume der Bonner  Kunsthalle ging und die unerbittlichen  Bestandsaufnahmen aus dem Amerika der Sechziger Jahre sah. Mit der Musik im Ohr, die die Geräusche ringsum vollkommen ausschließt, fühlt man sich in einem leicht unwirklichen Zustand, selbst da, wo, bei den Bildern, die Lewis Baltz am Flughafen von San Francisco schoss, einen schon das Gefühl vom Ende der Welt beschleichen kann. Na dann, gute Nacht, das war eine Stunde mit lauter guten Bekannten und guten Unbekannten, und Michael Engelbrecht am Mikrofon. Aus Enos MUSIC FOR FILMS stammt die Musik am Ende dieser Stunde. Umd  hier noch ein paar Zeilen, wie eingangs angekündigt, von Adalbert Stifter: „Ich rastete, betrachtete die Dinge, die da waren, als: die Wägen, welche abgeladen unter dem Schoppendache ineinandergeschoben standen, die Pflüge und Eggen, welche, um Platz zu machen, in einem Winkel zusammengedrängt waren, die Knechte und Mägde, die hin und her gingen, ihre Samstagsarbeit taten, und sich zur Feier des Sonntages rüsteten; und die Dinge gesellten sich zu denen, mit denen ohnehin mein Haupt angefüllt war, zu Drillingsföhren, Toten und Sterbenden und singenden Vöglein.“

7) Brian Eno: Sparrowfall, 2 & 3 aus MUSIC FOR FILMS   

 
 

 
 
 
Es war kein leichtes Hören, als die ersten Minuten von STIFTERS DINGE erklangen, aber mit der Zeit kann man sich der sperrig-minimalen Kunstmusik kaum entziehen, zumal Bachplätschern, Bach selbst, und ein Theater der Stimmen allerlei Verführerisches anrichten in diesem dunklen, meditativen Werk. Wellen erklingen danach, Harfen – seltsame Zwischenreiche erkundet HIRUNDO MARIS zwischen Alter Musik, nordischer und katalanischer Folklore. Wer erwartet hier eine Dobro? Aber sie taucht auf, ohne eine Spur Bluegrass. Dann gibt es einen Abstecher in ein französisches Mini-Laboratorium, und zu den zahlreichen Quellen, die SOURCES anzapft, zählt auch Bitches Brew, das archaische Hurengebräu von Miles Davis aus den Schlussakkorden der Sechziger Jahre. Ohne große Gesten folgt, auf dem Album SUNRISE, einer der letzten Auftritte des trommelnden Mr. M., den Bill Evans einst als großen Bruder empfand, in der Zeit, als der Mann am Klavier zunehmend ins Schattenreich der Drogen driftete. NOVAYA ZEMLYA entführt sodann (nichts für die Furchtsamen, oder doch!?) in entlegenste russische Hinterwelten, und man fragt sich, wieso diese fantastische Musik so unheimlich und zugleich verlockend ist. Nach dieser Lektion in brodelnder Stille ist es nur gut, wenn man auf MR. M einem Mann in einem Raum in Nashville begegnet, der sich Gedanken über die Instrumentierung eines Songs macht, und en passant dummes Geschwätz, den Tod und das Kücheninventar streift. Zum Finale der „Klanghorizonte“ mit guten Bekannten und guten Unbekannten, kommt dann noch, aus dem Klassiker MUSIC FOR FILMS, eine dieser Flüchtigkeiten für (mindestens) die „halbe“ Ewigkeit!
 
~
 
Es dauerte eine Weile bis ich diese Sequenz für die Sendung (mit den idealen Stücken) gefunden hatte, und es war bald klar, dass man in diesen 55 Minuten (die wahrscheinlich wie im Flug vergehen, wenn Sie die ersten zehn Minuten verkraften, liebe Hörer) keinesfalls das Ende der Welt aus den Augen lassen sollte, und wie es der Fotograf Lewis Baltz am Flughafen von San Francisco dingfest machte – bis zum 2. September nachzuempfinden im Kunstmuseum Bonn. Da könnte der alte Adalbert Stifter noch viel mehr zu erzählen als ich, aber der ist ja schon lange nicht mehr da.
 
 

1) Heiner Goebbels: STIFTERS DINGE
2) Arianna Savall / Petter Utland Johansen: HIRUNDO MARIS
3) Louis Sclavis: SOURCES
4) Masabumi Kikuchi: SUNRISE
5) Thomas Köner: NOVAYA ZEMLYA
6) Lambchop: Mr. M
7) Brian Eno: MUSIC FOR FILMS
 
 

The Coast / El Mariner / Sous influences / Sunrise / Novaya Zemlya 1 / If Not, I’ll Just Die / Sparrowfall 1

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