Manafonistas

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Ein schwarzes Licht geht auf – in a light version. Schwebend leicht und unbeschwert kommt die Musik daher, von deren „Ursprung“ (Tunng) unsereins noch nie was hörte – sodass man staunend innehält. Man setzt den Kopfhörer auf, nachdem die Cd von Briefkasten, Cellophanfolie und Cover befreit wurde, legt sie in den Player – zur Lieblingsstunde in der Abenddämmerung – und läßt sich überraschen.

Vermutete man im schwarzen Raben auf dem Cover eine Reinkarnation von Aleister Crowley und assoziierte daher Diagrams mit den Enneagrammen der gurdjeffschen Tiefen-Psychologie, so stellt man erleichtert fest: die Musik ist völlig frei von Schwarzmagie und Esoterik – eher fröhlich und sehr säkular.

Von Alltäglichem wird gesungen und mit angenehmer Stimme: „In the morning light, i was baking bread in the afterglow, of a long night spent …“, so klingts im Ohr und das klingt schön – klingt mal wie Roxy Music, dann wie Kraftwerk (on „Tall Buildings“), wie die Folk-Rockband Amerika (on „Night All Night“) oder wie … Prefab Sprout.

Feingewebt ist der Gesamtklang. Lyrics und Gitarre waren wohl zuerst da, in bester Singer/Songwriter-Manier, und dann fügten sich elektronische und hybrid-musikalische Verzierungen ein – ohne dabei das Ganze zu überladen: das ist die Kunst.

So wundert man sich: nach kurzweiligen knapp vierzig Minuten ist die Platte schon zu Ende. Man dreht sie um und spielt sie noch einmal von vorne. Moment mal, wieso jetzt Platte – war doch eben noch eine CD? … Also doch Schwarzmagie!

Most bands will reach a creative peak at a certain point in their career after which they simply continue in a less interesting fashion before eventually calling it a day. Not so with Motorpsycho. After more than 20 years they continue to develop and to to challenge themselves artistically. On this epic, double concept album, easily their most ambitious yet, Motorpsycho has assembled the cream of classical and jazz musicians from world class ensembles established in Trondheim, their hometown. ”The Death Defying Unicorn” was first commisioned by Molde International Jazzfestival for their 50th anniversary in 2010 where it was performed on the main outdoor stage. This, however, has been partly re-arranged, refined and recorded from scratch at Propeller Studios in Oslo with Kåre Chr. Vestrheim once again co-producing as he did with ”Heavy Metal Fruit”. Ståle Storløkken (Supersilent, Elephant9, Humcrush, Terje Rypdal) is considered one of Norway´s top keyboardists but here he also comes into his full as a writer and not at least arranger of the two ensembles. His contributions to this album can not be stressed enough. Among the players in Trondheim Jazz Orchestra are wellknown names such as Kjetil Møster (Ultralyd), André Roligheten (Albatrosh) and Mathias Eick, not to forget star violinist Ola Kvernberg.

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Let the snake wait under
his weed
and the writing
be of words, slow and quick, sharp
to strike, quiet to wait,
sleepless.
—through metaphor to reconcile
the people and the stones.
Compose. (No ideas
but in things) Invent!
Saxifrage is my flower that splits
the rocks.

„Alle Männer beginnen eine Art Gesang: „Sada sada sada sada sada sada sada sada“. Zwei Männer setzen die Hähne ab und lassen sie laufen. Sie fliegen gegeneinander, ein Gestöber von Flügeln und Federn, übereinander, stop, senkrecht gegeneinander, ihr Nackengefieder ist aufgerichtet, sie fliegen wieder ineinander, wieder und wieder; schliesslich hat einer eine Klinge in seiner Gurgel. „Ahhhh“, rufen die Männer. Blut spritzt, Wetten gewonnen, Bhutakalas, böse Dämonen steigen aus der Erde. Der Dinosaurier, der verloren hat, wird von seinem traurigen Besitzer aufgelesen und einem alten Mann am Rande der Menge, noch lebend, überreicht. Er nimmt ein Messer und den Hahn – er legt den Hahn auf ein Stück Bambus, schneidet den Fuss mit der Klinge ab, und dann durchbohrt die Klinge, an welcher der Fuss noch hängt, das Herz des Hahns. Der Hahn gurgelt und blutet. Blut ist verspritzt worden, die Dämonen kommen heraus, aber sie werden später in der Nacht wieder verscheucht werden, wenn die Jungs ihre Töpfe schlagen.“

É claro que é também uma frase, mas não tão fácil de varrer com algumas pás. Não é assim tão fácil de eliminar. Também não estou pronto para me libertar do passado, que durante algum tempo me manobrou para uma posição externa, com atributos feios, como resultado de uma mistura da imagem constantemente protegida de um tipo supostamente bom, antigo professor e antigo padre, que agora, de repente, estilizou rigidamente o seu papel de vítima, nas minhas costas, circulava cobardemente e-mails privados da minha parte, menos Martina, que provavelmente não teria alinhado. Completamente incapaz de procurar uma conversa directa comigo. Um homem que conhecia bem o seu próprio temperamento colérico e não tinha medo de chamar aos trabalhadores culturais fora deste círculo „arqui-inimigos“. O que ele disse quando falei com ele ao telefone foi um gaguejar assustador e um desligar. As duas conversas que Ulrich então teve comigo tiveram o encanto de um teste de escuta e de atitude. Espero um pedido de desculpas de Uli, que não virá, de G., que não virá, e de Joey, que jogou juntamente com o jogo e se recusou a deixar-me entrar. Após um curto intervalo de tempo. Porque é que interferiu num conflito de adultos. A moralidade é por vezes um mau conselheiro quando é torcida e virada de antemão. O meu erro: nunca pensei que um antigo amigo deixasse que os meus textos para ele se tornassem do seu conhecimento comum e assim colocasse as suas ovelhas do seu lado. É assim que funciona a propaganda. Se ao menos se tivesse sentado num banco e praticado Za-Zen em vez de jogar este jogo patético e horrível! Ou simplesmente pegou no telefone.

„There is, however, a more appealing balance here between acoustic instrumentation (Cohen even returns to plucking the guitar strings at times) and what might be uncharitably termed his bizarre budget Bontempi sound, whereby each song seems to compete for the cheesiest drum machine sound or the tackiest, most dated synthesiser patches. Only an artist completely confident in his own aesthetic can get away with this – Cohen knows the impact of the contrast between his articulate, profound and haunting words and the occasional tackiness of his music is eerily powerful. For once, though, it’s sometimes hard here to discern the source of some of the sounds. Is the aching string line on Show Me The Place synthesised or not? Are the brushed drums on Amen performed or programmed? Either way, they serve as perfectly unobtrusive accompaniments …“ (source: OMH review, excerpt)
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„I’m tired of choosing desire,
I’ve been saved by a blessed fatigue,
The gates of commitment unwired,
And nobody trying to leave.“
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The voice so deep, „a thousand kisses deep“, to say it with the words of one of his songs. After listening to the album three times in a row, you realize there is no standout track, no future evergreen (the word evergreen should be banned anyway: too much nostalgia even takes the good part of darkness away). The longest track, „Amen“, is a hymn, a prayer that agnostics and atheists might fall in love with while enjoying the feel of ancient banjo, sepia-coloured violin and simple cornet. On „Old Ideas“ the man with the golden voice (good old joke!) doesn’t act like a preacher at all, and every verse that could seem to send a message carved in stone and song is quickly counterbalanced by dark humour, self-irony and stoicism. There are bluesy moments, slow-motion-gospel – and jazz-vibes. The gravity comes from the voice, and how it nearly creates new definitions of close miking and sub-bass, with the result of warm intimacy. And then there are all the female voices of older and newer times (from Jennifer Warnes to the Webb Sisters) doing the jobs of a second voice, a background, and a choir. An old Cohen tradition: but remember, on the first studio album of his demon-chasing life, the producer added these kind of angelic colours against the will of the singer to soften the scenery. An old trick that still works. It is the sincerity of the artist that allows him to stick totally to old ideas without any suspect he might have lost it. He’s just slowing down, down, down – with a clear eye for exit signs and open places: “Sometimes I’d head for the highway/ I’m old and the mirrors don’t lie/ But crazy has places to hide in/ Deeper than saying goodbye,” he sings/speaks on „Crazy To Love You“, accompanied by an acoustic guitar only. So, finally, closing time, silence, a last dying tone? No, that would be too pretentious. It’s better to leave the scene with a beat, a rhythmic soul groove  – and asking for a kiss. Amen.

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First Listen: Leonard Cohen – „Old Ideas“ (npr.music)
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Long time ago: im Fernsehstudio zur Nachtzeit sass Frau Berg – zusammengekauert, schneidersitzend, Zigaretten drehend – in akademischer Herrenrunde und machte ein genervtes Gesicht. „Darf man sowas bringen?“, fragte man sich da. „Was kann, heißt, nützt uns Denken heute?“ – so lautete die Frage und die kluge, nur scheinbar verkorkste Dame sprach: „Denken bringt doch eh nichts, ist doch nur im Kopf!“

Seitdem bin ich ihr verfallen – vielmehr ihrer Literatur; ihrem natürlichen, ungeschminkten Schreibstil; ihrem bissigen Scharfsinn, ihrer heilsamen (sic!) Negativität und Kurzweil. Die Autorin steht da in der Tradition der Skeptiker und weltverachtenden Aussenseiter, für die unsereins schon immer offen war.

Eine leise Note davon schwang schon bei Erich Kästner mit, den ich als Kind gern las. Dann natürlich, unvermeidlich: die Existenzialisten, es war zur Gymnasialzeit, und bei so mancher Angebeteten konnte man damit auch Eindruck schinden (das Wort „Heidegger“ stand bei Camus im Mythos von Sysiphos wie ein Reh in der Lichtung, und erst später – viel, viel später – wußte ich dann in etwa, was das heißt).

Die Entdeckung schlechthin aber war Emile Cioran. Auf den Gipfeln der Verzweiflung, mit Leidenschaft vermengt. Las alle seine Bücher, wie auf Droge. Negatives Denken ist erlaubt, befreiend, keine Sünde – so die Entdeckung – und es bewirkt auf wundersame Weise die Bejahung jener Welt, die einen Knacks hat, damit Licht einströmt.

Zurück zu Frau Berg: gern lese ich auch die Twitter-Zwitschereien und ihre Kolumne auf Spiegel-Online. Allein ihren Vornamen kann ich noch nicht richtig schreiben, schreibe ihn immerzu mit Ypsilon am Anfang, so wie Sysiphos.

„I learned at a very young age that music teaches you about life. When you’re in the midst of improvisation, there is no yesterday and no tomorrow — there is just the moment that you are in. In that beautiful moment, you experience your true insignificance to the rest of the universe. It is then, and only then, that you can experience your true significance.“
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Der Aufwecksender meines Vertrauens, DeutschlandRadio, brachte vor ein paar Tagen in aller Frühe eine Platte, bei der ich dachte, Crosby, Stills, Nash and Young hätten eine neue CD aufgenommen. Ein Blick auf die Tagesplaylist des Senders belehrte mich eines Besseren, Timothy Schmit war da am Werk. Aber, so konnte ich inzwischen in Erfahrung bringen, Graham Nash war bei dieser Aufnahme tatsächlich dabei. Das Stück: Parachate. Die Platte ist schon 2009 veröffentlicht worden, sie ging damals an mir vorbei, ist aber durchaus hörenswert. Jim Keltner und Van Dyke Parks sind auch mit dabei, Titel der CD Expando.
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Hab´ ich doch glatt eine ganz wichtige Platte aus dem Jahr 2011 vergessen, in meine Top 30 des Jahres 2011 aufzunehmen, dabei gehört sie zu den Favoriten des letzten Jahres. Die Rede ist von King Creosote & Tom Hopkins und ihrer famosen CD Diamond Mine. Die Platte hört sich an, als hätten die Musiker zunächst ein Hörspiel aufnehmen wollen, ich erinnerte mich sofort an die Geräusch und Musikplatte von Set Fire to Flames `Sings Reign Rebuilder´ . Es beginnt mit Geräuschen einer schottischen Pub, es folgt ein herzzerreißende Klaviermeldodie und, wenn der Meister dann erst singt, ist es um den Hörer geschehen. Und weiter geht es durch Schottlands raue Landschaft, Möwengeschrei, wunderschöne Songs… „We think the result is rather moving – let us know below whether or not you agree that Diamond Mine is a gem.“(The Guardian)
Und erst die Plattenhülle…..
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Und noch eine großartige Platte aus dem Jahr 2011 gilt es zu erwähnen: Hélène Grimaud´s Mozart Album. Zusammen mit dem Kammerorchester des Symphonieorchesters des Bayrischen Rundfunks unter Radoslaw Szulc spielte Hélène Grimaud zwei Klavierkonzerte Mozarts in München im Prinzregententheater auf einem Steinway D5 im Sommer 2011 live ein: Die Klavierkonzerte Nr. 19 und 23 (KV 459 und 488). Zusätzlich findet sich auf der CD noch die Konzertarie „Ch’io mi scordi di te“, gesungen von der Sopranistin Mojca Erdmann. Hélène Grimaud schreibt dazu: „Es ist eine Liebeserklärung mit Klängen anstatt mit Worten. Natürlich gibt der Text Hinweise, um was es geht. Aber für mich ist das zweitrangig. Die Musik muss ihre eigene Struktur und ihren emotionalen Gehalt erhellen. Wer an der Szenerie und dem Text klebt, reduziert die Musik. Man kann sich alles Mögliche vorstellen: das Klavier als männlichen Part, die Stimme als weiblichen – oder anders herum. Am Ende triumphiert die Liebe, sogar in der Resignation. Noch aus der Perspektive des gebrochenen Herzens bleibt die Liebe stärker – für mich eine schöne Botschaft.“
Wer mehr über diese fantastische Musikerin wissen möchte: die Süddeutsche Zeitung veröffentliche ein Porträt der Pianistin am 26.11.2011.
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