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Archiv: Eno

1. Dreaming the dream
 
 
I had a dream recently that I was able to play the piano, and in this dream, the tune that flowed from my fingers was Harold Budd’s Music For Swimmers. Dreams being dreams, however – with their own stretched and fluid geometry, things weren’t like real life. For one thing, the notes were really far apart as I was playing this composition. To go from one note to the next was almost a journey in itself. And the magic was in the spaces between. Like sunlight filtering through the interstices of arching trees.

There is, of course, a liminal space between the world of the conscious and the world of dreams. This is known in psychology as hypnagogia. These are the moments when the rational mind surrenders to its psychedelic twin. A great time for listening to music. Harold Budd’s music is especially useful for listening to during hypnagogia. Wordless and without a rhythm section, it allows the mind to find a state of flow.

My favourite Budd album is his collaborative record with John Foxx, Nighthawks. Named presumably for the Hopper painting of the same name*, it is also a nocturnal work. I have no idea what the artists intended here, so my thoughts are entirely subjective. For me, this work is partly about psychogeography, reading the city as if you were reading a novel – from its character deep in night time when it is peopled by the space the citizens have left behind. While the citizens themselves are out of view, but viewing all kinds of narratives themselves on the inner side of closed eyelids. Tao and Zen.

The work starts with the luminous, gliding, slightly melancholic Down A Windy Street. As a piano composition alone, it is an astounding composition. So few notes, so much hinted at. Foxx’s contribution isn’t initially what you notice here, but on further listening the psychoacoustics take it to another level. Just the right amount of reverb, plus subtle synthesiser lines that provide context for the piano rather than interact with it directly.

Nighthawks continues at not so much a slow pace as a pace outside of real time. There are patterns here, fluidity, rain on flagstones, and the occasional burst of what sounds like a robot exhaling. Interestingly, given the album’s entire avoidance of larynx use, there is an overwhelming sense of exhalation on this record. Of  just breathing out. Not in a yogic sense, particularly, but maybe in an oneiric sense – dreams being pure invisible outflow, the dreamer’s dream as transparent as exhaled air in the dead of night.

Music For Swimmers – the one that found its way into my dreams – is Nighthawks’ standout track. The preceding compositions all have a sense of architecture (and perhaps, to the European psyche, Situationism), while Swimmers is pure fluidity. Gravity changes here. Foxx’s psychoacoustics on this track even make reference to the fact that sound waves travel faster underwater.

People who have drowned, and have clinically died, but who have then been revived describe the moments after the panic of drowning (when the lungs are balloons filled with water) as calm, blissful. Maybe Music For Swimmers can be taken as a metaphor for living. Music For Drowners, because living can only end one way – in death. The trick is to enjoy breathing while you still can. Exhalation equalling exaltation.
 
 
2. France
 
 
In my childhood, French cities I was taken to included Paris, Caen, Lyon, Nice, Rouen, Rennes, Tours, Béthune, Grenoble. We never went to Bordeaux. Which is a shame, since Bordeaux by Harold Budd and Robin Guthrie may or may not be a work influenced by the vibe of this city. Robin Guthrie lives in France, so it’s not unlikely that he knows the city well. Listening to this record, I wish I had a reference point of my own.

Bordeaux didn’t initially strike me as one of Harold Budd’s best LPs, but after three or four listens it started to sound properly amazing. Budd and Guthrie go back a long way in terms of collaborative work. The Moon And The Melodies was released in 1986. I had this on a 4AD cassette, and used to play it a lot. Bordeaux somehow reconnects with The Moon (even the lunar-tone sleeve) . It is almost as if the preceding Budd/ Guthrie records (Before The Day Breaks and After The Night Falls) were a healthy avoidance of its complete artistic success. Check out Sea, Swallow Me for example. And also for a handy reference point when listening to Music For Swimmers.

Bordeaux can be listened to at any time of day or night. Try listening to it in a hypnagogic state. It definitely works as an inhibitor of serotonin re-uptake, or as a serotonin booster, or both. But let’s not get bogged down in the why of the magic, here. Music is my God, music is also of biological origin. Strange cosmos. A cosmos that is also a hologram projected from an event horizon elsewhere.  And Schwarze Löcher don’t even exist, according to today’s science news.
 
 
3. The hiss of the mastertape
 
 
One of the things I love most about The Plateaux of Mirror is the hiss of the master tape. Brian Eno’s production on this record isn’t something that can be copied. At least not in the way that fire or wheel or the window can be copied. It’s a whole new thing to heat things up, take you places, or see the world anew. A breakthrough.

But despite Eno’s genius work on this record, the warmth of the hiss on the master tape is what holds it together most. Misteakeism. No guru, no method, no teacher, no dogma. Just air and magnets.

*minus ‘the diner’, of course.
 
Recent interview with Harold Budd here: thequietus.com/harold-budd-interview
 
 
 

 

2013 27 Apr

Talking about Forst, Harmonia, Cluster etc.

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The daughter of Roedelius has made a fine interview (three parts on vimeo) about Brian Eno’s early years and his collaboration with the german artists. More information you find on the Eno Web (news, see blogroll) …
 

CHANCE

“part one”

 

aus meinem Interview (2005)

– In deiner Musik klingen oft Räume der Natur an. Als du mit Harmonia Musik gemacht hast, damals, in der Zeit, als mit zusammen mit Moebius und Roedelius die Alben „Cluster & Eno“ bzw. „After The Heat“ entstanden, Mitte der Siebziger Jahre, da hast du auch eine kurze Zeit im Weserbergland gelebt…

– Es war eine sehr angenehme Zeit, dort zu arbeiten. Es war eine Art Luftblase in meiner Geschichte. Teilweise, weil es eine so entlegene Gegend war. Wir arbeiteten nicht weit entfernt von diesem mächtigen Flußlauf. Der Song „By The River“ aus meinem Album „Before And After Science“ ist an diesen Ort gebunden. Wir lebten in diesem sehr stillen ruhigen alten Bauernhaus. Die Weser war dort ein schneller, fast rasender Fluß. Mir kam er vor wie ein Bild für die ungeheuer schnell verrinnende Zeit. Demgegenüber wirkte das Leben in dem alten Haus noch ruhiger! Die Musik, die dort entstand, besaß etwas Magisches. Wie können wir aus Nichts Etwas machen? Das war die Kernfrage. Wie bei einem Zaubertrick. Wir hatten nur einfache Instrumente, ein einfaches Studio. Ich weiß nicht mal, ob ich irgendwas mitgebracht hatte. Wir benutzten einfach, was in dem Raum vorhanden war, und das war nicht viel.

2013 31 Jan

Ted Sheldrake (2)

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Damals, als W. G. Sebald das Hinterland von Suffolk durchwanderte, um sich von Steinen, Gebäuden und Menschen lang vergangene Historie erzählen zu lassen, hätte er gut auch Ted Sheldrake über den Weg laufen können, diesem Urgestein aus East Anglia. Nun sind beide tot, und Roger Eno erzählt in einem fein gesponnenen Reigen aus Folk, Pub-Atmosphäre und Feldaufnahmen Stationen und Stories aus Teds Leben. Man hört das krächzige Original, aber auch Lieder seines Kumpels Arthur “Stumpy” Willis, welche die ländliche Welt des Ted Sheldrake wachrufen – übrigens mit einer Stimme, die mitunter ganz herzerweichend an Robert Wyatts Gesangsorgan erinnert. Ted erlebte den Wandel, wie fünfzig Erntearbeiter durch zwei Traktoren ersetzt wurden, und die Geräuschmusik der Dampflokomotiven aus der weiten Ebene verschwand. Roger Eno kreiert in diesem Bilderbogen einer fernen Zeit wohltuende Melancholie mit Klavier und Elektronik. Manchmal gesellen sich Vögel, ein Akkordeon und ein weiter Blick übers graue Meer dazu. Da sind wir dann wieder bei W.G.Sebald und seinen “Ringen des Saturn”.

 
 
 

 
 
 
“Ted Sheldrake (1921-2012) was proud to say that heʼd never, in all of his 91 years, set foot outside of East Anglia.”
 

“Enoesque” doesn’t necessarily mean, that the artists do know Eno’s music very well, some do, some don’t. The word means that a certain record contains, consciously, unconsciously, or even by pure chance, elements that can be perceived as, well, Eno-related, in an obvious or hidden way. Strangeness is a rare thing. And, for sure, sometimes critics use the term for music they don’t understand at all :)

The word has become another word for “weird”, “exotic”, “melodic with a strange twist”, “minimal, but with emotional impact”, “uncommon”. And, yes, quite often, the word is linked to compositions of artists who may even have no idea who Eno really is, maybe, because they are too young, or too old, or simply not interested. So, read this with a smile, but be sure, some of these artists know his Ambient Music rather well, believe me! And that leaves traces. Moments. Ideas. Sounds. Sometimes sounds on the verge of falling apart. And sometimes, yeah, sometimes, nothing at all.

 

1) Eivind Aarset w/ Jan Bang: Dream Logic

Eclecticism can be so inventive. Music to get lost in. Brian’s defintion of “Where am I-music” fully realized. And a brilliant extension of a lost classic of Ambient Music, Michael Brook’s “Infinite guitar”-playing on “Hybrid”. That milestone once was created in the famous Grant Avenue Studios in Hamilton, Ontario. The producers: Brian and Daniel. The golden years. And now this: “Dream Logic” is the kind of album critics will attest an “almost hallucinatoric” quality – and they are right! One of the best albums of 2012 recurring on traditions where many others only offer cheap pastiche!

 

2) Jon Hassell: Power Spot

The only ECM opus with the direct involvement of Brian Eno, Eno/Lanois create another masterpiece! Dreamscapes made of electronica, minimalism, Asian and African influences.

 

3) David Darling: Cello

I knew Brian would love this solo-cello work, when I send it to him in the  early Nineties. Slow Music with cellos overlapping and delayed sounds. Drifting  in circles – and moving skywards!
 
 
 

 
 
 
4) Steve Tibbetts – Marc Anderson: Northern Song

Produced by ECM – mastermind Manfred Eicher within two days in Oslo. Guitar and percussion and a lot of silences that never sound sacred  – but always arresting! Tibbetts’ fear: not enough notes. But then he remembered the  passion with which he has listened to Eno’s “Music for  Airports” – and knew everything was okay!

 

5) Eleni Karainrou: Music for Films

Manfred Eicher chose the title as hommage to Eno’s “Music For Films”. When hearing the record, Eno fell in love with the textures, the melodies, the recurrimg themes.

 

6) Jon Hassell: Last Night The Moon Came …

Okay, Eno’s old friend again, this  time without Brian. But with Eivind Aarset and Jan Bang among others. See: number one! Amazing and endlessly subtle. Will not be continued, the Norwegian connection. Sad ending. Pasttime paradise. 

 

7) Arvo Pärt: Alina

Pärt at his most minimal, and that is to say something. Compare the spacious piano notes of these pieces that can easily be linked to his “tintinnabuli” style, with those piano and keyboard figures Robert Wyatt plays on “Music for Airports”, or Roger Eno plays on “Thursday Afternoon”. “Alina” is sparse, and some would even say simple, but it’s personal and human and at times nearly devastating.

 

8) Hans Otte: Buch der Klänge

The German composer of new classical piano music was tired of the loss of deep feeling in his scene. He changed that by creating this simple and profound music. Beautiful in a never-ending way!

 

9) Bill Connors: Swimming With A Hole In My Body

Lost gem of the late Seventies, solo guitar album with lots of space, and sounds floating; even the title and the cover are enoesque; Bill Connors was obviously tired of further following scientologist Chick Corea to the Seventh Galaxy!

 

10) Terje Rypdal: After The Rain

Very quiet solo work by Terje Rypdal. The guitarist even plays instruments he can not play very well – sounds like he used some “oblique strategies” from  Brian’s game: “Honour thy errors as hidden intentions”.

 

P.S.: It may not be fair to call Heiner Goebbels’ album “SHADOW / Landscape With Argonauts” enoesque in the first place (for that you should listen to “Stifter’s Dinge”), but it was probably the ECM album that had the biggest influence on Brian Eno himself, concerning the way Goebbels uses 100 voices from the streets of Boston to make the reading of the dark prose of E. A. Poe a new and thrilling experience. So there are, without doubt, connections between “SHADOW” and Eno’s exquisite work “Drums Between The Bells” (2011)

2011 25 Nov

Brian Eno / Rick Holland: Panic of Looking (David Stubbs)

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Eno’s third collection for Warp, and his second collaboration with the poet Rick Holland following Drums Between the Bells, is an EP on which the duo again explores an inverted, shifted relationship between words and music in song. Eno’s backdrops, on In the Future for example, are spare, darkly turquoise, semi-ambient, yet insinuate themselves into the foreground, like a servant overshadowing the master. Holland’s words, meanwhile, are placed discreetly but tellingly in the mix, as if somehow ‘soundtracking’ the music. The collaborative effect is most telling on West Bay in which the words “alone on this island with only the stones” somehow underwrite the isolated, carefully placed and plotted piano notes dropped by Eno. In a tradition that goes back to St Elmo’s Fire on Another Green World and Julie With… on Before and After Science, there’s a faintly nautical air to some of these tracks, a hint of salt and faded shanty on the wind as these tracks lilt and breeze. That said, If These Footsteps has a distinctly urban, bustling, strobe-lit feel, an abrupt and vivid shift in mood, while Watch a Single Swallow in a Thermal Sky, and Try to Fit Its Motion, or Figure Why It Flies, an instrumental ironically, lives up practically syllable by syllable to its title. As a concept, Panic of Looking is open to interpretation – but in a ‘post-everything’ era in which the desensitising blur of the sheer flow of data from all sides is greater than ever before, this album acts as a corrective. It attempts to create a context of isolation from all that, an aquarium-like zone of contemplation, in which audiovisual detail can be savoured, in stillness and without fear of missing out for a few seconds on the relentless info-stream of modern life.

(source: BBC Music)

Well, David,  “in a ‘post-everything’ era in which the desensitising blur of the sheer flow of data from all sides is greater than ever before”, this review should not vanish into the blue nowhere!  

2011 17 Okt

VCS3 (you remember?)

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Also in the Science Museum show is the very first synthesizer that I ever owned, another beast in its own right, and that’s the VCS3. The VCS3 was quite a difficult instrument to use, though at the time it was a fantastic thing to have for someone like me, who couldn’t actually play any conventional instruments. There were no rules for playing synthesizers, so nobody could tell me I couldn’t play one. Nobody else could play one either. It was an instrument you made up yourself… its role was waiting to be invented.
The VCS3 was a particularly good instrument for that, because unlike nearly all the synthesizers that followed, it didn’t dictate a particular path for the signal. Nearly all the synthesizers that followed went: oscillator into filter into envelope-shaper into effects. Everything was in that straight line. With the VCS3 you could feed things back into themselves, so you could take the output of a filter and feed it back into itself and this gave me some very unusual and quite unpalatable noises, which of course I liked. They sounded a lot better than me trying to play music anyway.
The VCS3 preceded, or maybe was even simultaneous with, the Moog. But what was interesting about it was that it wasn’t really a keyboard instrument. There was a keyboard with it, but it was impossible to get it in tune, so most of the people who used it abandoned the keyboard. That was a big step, because prior to that synthesizers had been thought of as electronic organs with a few stranger sounds.
Abandoning the keyboard took you into a new musical territory. I’m sure Peter Zinovieff, who invented the VCS3, would have been very pleased if he could have made a good keyboard. But the fact that he failed to was what made that instrument special, and what started the different forms of electronic music you hear everywhere now. It came out of an inadequacy of that particular instrument.

In den 70er Jahren verhieß dieser rein technologische Begriff – VCS3 – manch aufregendes Hörerlebnis, speziell, wenn Eno mit ihm hantierte. In diesem Ausschnitt eines Essays erinnert Eno an die Synthesizer-Ära, und wie Defizite und gravierende Mängel zu einem neuen Musikverständnis führten, das mehr mit Erfindung als mit Nachspiel zu tun hatte. Interessant: manche der tollen Kompositionen mit VCS3-Signatur wirken gleichermaßen wie aus alter Zeit und zeitlos.

It was made right in the middle of the punk thing when everyone was trying to get more aggressive, and Brian Eno went away (…). If I had to just listen to one song for the rest of my life it would be ‘1/1′. It’s not just a mellow thing, I’ve listened to it in the morning and it’s beautiful, I’ve listened to it last thing at night. I’ve listened to it as a stimulant and a calming thing, it does something very physical, very chemical to me. I’m always fascinated by how he made that track. Did he sit there and play it live for 17 minutes? Smoked some dope? I’ve always meant to ask him, I’m always bumping into him and I always forget. I see him having coffee in a café near me and we always have a nice little chat. He’s a lovely chap. I never let onto him how much of a fan I am because that would be weird and a bit distasteful. If I ran up to him saying ‘how did you do that track?!’ he’d probably start backing off slowly

2011 14 Sep

Brian Eno and the Words of Rick Holland: Panic Of Looking

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New EP - Panic Of Looking<br />
out 7th/8th November 2011 (Art: Brian Eno, Design: Nick Robertson)

http://soundcloud.com/warp-records/brian-eno-rick-holland-panic-of-looking

CD, Vinyl & Download to be released 7th/8th November 2011

2011 24 Jul

Rick Holland / Brian Eno

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Mythological Images

“These two rooms gather together iconographic motifs that appear heterogenerous, but which constitute important thematic nuclei in the organisation of Renaissance collections of antiquities.”

“The sculptures found here evoke a variety of thematic elements, but lack a precise definition because their specific subjects have not been identified.”

Two extracts from explanatory wall-notes at the Archaelogical Museum in Naples. I wondered how deeply entrenched these ideas of organisation and classification were when considering art of any kind, and whether it was important to precisely identify thematic elements at all. What will people make of our contemporary music in 2,000 years, what will be the elements that are identifiable? And what aspects of our artistic expressions now might be grouped together as a ‘collection of antiquities’?  (posted by Rick Holland)

Brian Eno responded:

I find it increasingly annoying that museums feel impelled to tell you what you’re looking at while you’re looking at it. I think displays should be arranged differently: so that you can just look and draw your own conclusions and then, if you choose to, see what the Museum has to say about it. I imagine beside each exhibit a little cupboard door which you can open and which contains supplementary material.
 
I went to the Royal Academy yesterday to see the extraordinary show of early 20th century Hungarian photography. I found myself deliberately not reading the titles of the pictures before I looked at them – taking a good long look and deciding what I thought I was seeing before reading the card below. That was hard to do – I had to sort of shield my eyes – but it was worth it. Contrast it with The Summer Show in the same building: nearly a thousand paintings, each with only a number beside it (and a booklet if you really want to know who did what). It’s a MUCH better way of looking at things, free of text and interpretation.

 

http://re-view.brian-eno.net/

In July 2011 Brian Eno finished the album ‘Drums Between the Bells’ with the poet Rick Holland. Re-view is an ongoing dialogue between the two about the project, drawing on material from interviews, reviews, features and listener comments

(Quelle: Eno Web; s. blog roll)

 1 – NEO-EXOTICA, STAMMESRHYTHMEN UND FEINE STRÖME

Lyrik und Musik, geht das überhaupt noch? Ist das nicht ein alter,  verstaubter Hut? Akademisches Kopfkino für Literaturfreaks?  DRUMS BETWEEN THE BELLS wird kontrovers besprochen werden. Manche Kritiker werden ihre Vorurteile gegenüber Brian Eno abarbeiten, ihn mal wieder verniedlichend Professor Pop, wahlweise auch  Godfather of Ambient Music nennen. Manche werden die fantastischen Gedichte von Rick Holland in eine griffige Schublade packen, ohne selbst tiefer in die Texte eingedrungen zu sein. Manche werden sich aber auch Zeit nehmen, und dann eines der aufregendsten Alben dieses Jahrgangs für sich entdecken. Aber der Reihe nach.  

Brian Eno hatte von früh an ein zwiespältiges Verhältnis zu Wörtern, ihren Bedeutungen, ihrer Fähigkeit, die Aufmerksamkeit vom Klang abzuziehen. Und so stellte sich dem Pionier der Ambient Music mit diesen Vertonungen moderner Gedichte von Rick Holland  ein interessantes Problem: Gedichte als hochgradig verdichtete Sprache ziehen ja eigentlich  die Aufmerksamkeit auf sich, jede Silbe, jeder Zwischenton, jede Atempause.

Der englische Klangkünstler löst das Problem, indem er die Texte als akustisch spannendes Material darbietet.  Neun Stimmen kommen zum Einsatz – in einem  weitreichenden Klangfeld zwischen Neo-Exotica, beinhartem Funk, Trash Jazz, Post-Kraut-Elektronik, ambienter Kammermusik, Stammesrhythmen –  und gelegentlich auch richtigen Songs.

Zwar ist unter den Sprechstimmen auch Eno zu hören, aber zumeist setzt er auf originelle, wenig englisch klingende Stimmen, die  einen speziellen Akzent, eine eigene Melodie haben (eine Buchhalterin, eine Raumpflegerin, Zufallsbekanntschaften aus der Nachbarschaft in Notting Hill).   Und gesprochene Sprache hat es – Eno weist in einem Essay darauf hin – in Songs immer schon gegeben (etwa bei den Shangri-Las (Leaders of the Pack) –  mir fällt das lange Intro von Donovans Atlantis ein).  Eno nennt  diese Stücke speech songs. Und er nutzt alle Nuancierungen zwischen dem gesprochenen und dem gesungenen Wort…

2 – BEDEUTUNGSSPIELRAUM UND BÄRENTANZ

Einst tummelte sich Eno mit David Byrne im „Busch der Geister“ (auf dem Klassiker MY LIFE IN THE BUSH OF GHOSTS); da arbeitete er mit gefundenen Stimmen, von fanatischen Predigern, Nachrichtensprechern, libanesischen Bergsängerinnen; geniales Sampling im analogen Zeitalter! Jetzt eröffnet er ein Theater der Stimmen, das alle Lügen straft, die moderner Lyrik nur ein bescheidenes Dasein im Kellerloch des Elfenbeinturms zuweisen. Beispiel gefällig?

„leben beginnt nicht mit einem titel / der einmannschau / wir sind wasser / und kehren dorthin zurück / wir gehen an den ort des schlicks/ von beere und ballen / der geruch und das rümpfen / der puls und das erblassen / dünnknochenmann / langarmmann / knorpel und kalter wind / mach werkzeug mann / flip aus mann / tanz wie die bären / folge den sternen mann / mit nassem öl auf daunen / ein behaartes elementares / aufgerissene augen festgenadelt um / eine zweimondige kurzsichtigkeit / zu der wir uns im kreise drehen“ (die Übersetzung des Gedichts „a title“)

Man muss und braucht das nicht alles beim ersten Lesen/Hören verstehen – mit der Zeit zünden einzelne Bilder, produzieren Aha-Erlebnisse und locken noch tiefer in die Klangräume hinein. Was mag Brian Eno gereizt haben an den Gedichten von Rick Holland? Ich nahm sein Bändchen STORY THE FLOWERS  zur Hand und stiess auf feine Mischungen aus Alltagsbeobachtungen, Großstadtpanoramen, Philosophie, Humor, moderner Physik, plötzlichen Perspektivwechseln und meditativen Umkreisungen einzelner Motive. Den Texten bleibt stets mindestens ein Rätsel erhalten, unsere Phantasie wird nicht in eine bestimmte Richtung gedrängt. Die Gedichte lassen genügend Bedeutungsspielraum.

Und die  Musik von DRUMS BETWEEN THE BELLS untermalt nicht einfach, sie bestreitet, verwandelt, treibt an, setzt durch, fordert, skizziert, schwingt aus, dringt ein.  Und noch einiges mehr. „Niemals gab es so ein Empfinden“, erzählt Rick Holland, „dass Brian die Musik machte und ich die Gedichte. Gedichte und Musik konnten sich zu gleichen Teilen verändern im Lauf der Produktion, und der Schaffensprozess war ein ofenes Forum der Ideen.“ 

Zu dem ersten Track des Albums, Bless This Space, erzählt Rick Holland u.a. folgendes: – Ich hatte das Gedicht schon vergessen, da rief mich Brian an und las es mit einem pulsierenden beat im Hintergund. Das gefiel mir schon , aber seine finale Gestalt nahm das Stück erst viel später an, als Leo Abrahams und Seb Rochford ihre Magie verströmten. Leos Gitarre und Sebs Schlagzeug reissen die Musik weit auf und verstärken dieses Gespür einer ansteckenden Freiheit nach einem gemeinsamem Ritual, als ob man bis zu einem Abgrund marschiert wäre und nun keine andere Wahl hätte, als ins Unbekannte zu springen.

Soweit Rick Holland. Bless This Space ist also die ideale Eröffnung, für ein Album, das immer wieder unbekannte Areale erkundet. Textlich wie musikalisch. “the greatest joy there is / is onward search through the darkness”, heisst es in einem andern Gedicht. Gerne verfremdet Eno auch Stimmen, rückt sie ins Surreale, wie in “the real”, einer Attacke auf jeden eindimensionalen Realismus, mit lauter ungebändigten,  schwebenden Tönen.    Eno, der Expressionist, Eno, der Impressionist. Und Rick Holland ist ein so  kongenialer Partner, wie es einst Jon Hassell, David Byrne, oder Harold Budd waren.

3 –  TANZ AUF WOLKE 4  

Der Clou: zum Ende hin singt Eno  – und alle, die seit dem Ausklang der Siebziger Jahre, nach den Klassealben HERE COME THE WARM JETS, TAKING TIGER MOUNTAIN (BY STRATEGY), ANOTHER GREEN WORLD und BEFORE AND AFTER SCIENCE, immer viel zu lange warten mussten auf neue Song-Alben des Herrn Eno, sind kurzfristig versöhnt, mit dem  Vortrag von „Cloud 4“. Wolken haben es leider an sich, mitunter rasch zu verschwinden, und es ist fast schon  englischer Humor, dass dieser tolle Song deutlich unter der 2-Minuten-Grenze bleibt. Ein Song, so herrlich aus der Welt gefallen wie einst Julie With…, aus BEFORE AND AFTER SCIENCE.  

In deutscher Übersetzung liest sich „Wolke 4“ so:  „die tollheiten des gemütszustands / bekannte wetterfronten hemmen uns / oder befreien uns wie kinder / nur einen tag auseinander / ein leben lang im himmel / sonne, taste den himmel ab wie im flug / suche nach irgendeinem zeichen / (dinge) werden gut.“

Alles scheint vorbei zu sein, Stille macht sich breit, man schüttelt noch immer den Kopf ob dieses einen Traumliedes, dem man am liebsten hinterher springen möchte – und dann gibt  es noch einen Song, kaum glaubliche, gute  sechs Minuten lang;  den Gesang zelebriert Eno in BREATH OF CROWS mit einer bei ihm selten vernommenen tiefen Stimme,  mit einer Langsamkeit und  Intensität, die nicht so weit vom Spätwerk eines Scott Walker entfernt ist.  Das große Erschauern, der Showdown am Ende eines überragenden Werkes.

Noch einmal Rick Holland: „Wir waren in einem neuen Teil seines Studios, er hatte sein ganzes Equipment in den Raum geschafft, der vorher ein reiner Geschäftsraum war, mit großen, zum Himmel gerichteten Fenstern. Der Regen hämmerte mit schweren Tropfen herunter, das Tageslicht verschwand hinter den Wolken, und da strömte aus den Boxen ein dunkler, fesselnder Sound. Die Bühne war gerichtet für Brians Breath of Crows, eine schleichende Meditation, die dunkel und erhebend zugleich ist. Seine Art zu singen fügte sich in die Atmosphäre ein. Ich hatte das Stück in Mumbai geschrieben,  während des Monsuns. Ich hatte ein kleines Zimmer auf Baumhöhe und lebte in enger Nachbarschaft mit der Krähenpopulation der Stadt. Es war der Endpunkt meiner Zeit dort als Lehrer, ich lebte eng mit diesen Tieren zusammen, in einer Kultur, die allem Lebendigen viel Aufmerksamkeit schenkt. Der Song ist vielleicht eine Art nicht-religöse Hymne“:

„mein gott ist im atem der krähen / er wächst und schrumpft mit dem wunsch der natur  / ein feuer ohne verbindung mit dem menschenwunsch / aber er muss absolut sein, dieser gott/ denn wenn der verstand still steht bewegt er sich. / mein gott ist im atem von krähen / darf ich mir nicht vormachen / mein ich denken zu lassen / er wächst meinen wunsch zu erfüllen / oder meine sünde zu waschen / aber lass mich mit verwundernung zuschauen / während er seine arbeit macht. / die klänge der heiligen nacht im überfluss / turmfalkenrufe und glocken trinken die luft / und das sinnrennen quillt (lass es herein) / oder die rufe klingen wie hohles blech / oder grammophonkreise und hintergrundstaub / ich muss mich / ersetzt durch most / durch witterung und wahrnehmung / darüber wundern“

4 – SCHARFE KLINGE UND FLIESSENDES PASTELL

Für jedes Gedicht entsteht ein ganz anders gearteter Track, es gibt kein  Formular, keine Strophenmuster, keine Gebrauchsanweisungen. Das ist bestimmt etwas, das Eno im Umgang mit diesen Gedichten gereizt hat. Immer wieder bei Punkt Null beginnen. Jeder Masche aus dem Weg gehen. Das Resultat: wir begegnen, klanglich gesehen, der scharfen Klinge – und dem fliessenden Pastell (ein genauer Blick auf die Musik jedes einzelnen Stückes, und diese Besprechung wäre leicht doppelt so lang).  DRUMS BETWEEN THE BELLS ist der provokante Gegenentwurf  für hochtrabende, angestrengt intellektuelle Kunst – das Album zelebriert pure Sinnlichkeit, ist Seelen- und Geistesnahrung in einem. Die Musik ist archaisch. Die Worte tanzen. Lyrik und Musik: ja, das geht noch. Und wie!

P.S. Das Artwork hat  auch Klasse. In der special edition gibt es alle Stücke noch mal, rein instrumental. In einer anderen Reihenfolge, und ganz merkwürdig anderen Hörwirkungen.


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