Manafonistas

on life, music etc beyond mainstream

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So ein Buch, dass Spuren hinterlässt bis heute, weil es mir in den seltsamsten Momenten einfällt, kommt mir rasch in den Sinn. Es gibt natürlich mehr als nur eines solcher nachwirkenden Leseabenteuer, aber dieses ganz besondere Buch, ein Roman, macht sich tatsächlich ungefähr so oft bemerkbar (im Hinterkopf) wie sonst nur Don Quixote, auch wenn es da, was Berühmtheit angeht, in jeder Weise hinterher hinkt. Wahrscheinlich taucht das kleine Wunderwerk hier und da in Proseminaren der Germanistik auf, wenn es um den Unterschied von „Erzählzeit“ und „erzählter Zeit“ geht. Dabei ist es für mich eines meiner Lieblingsbücher aus der viel zu flüchtigen Zeit, sagen wir mal, zwischen 1968 bis 1988. Ich weiss noch genau, wie es mich mit Vorfreude erfüllte, das Buch plötzlich vor meinen Augen zu sehen, in der Buchhandlung Lensing, denn ein Lieblingsbuch des Schriftstellers hatte ich schon Jahre zuvor und gleich zweimal (!) verschlungen, was sehr selten ist. Ich sehe den Umschlag, das Hard Cover, genau vor mir. Die Erstausgabe. Suhrkamp. Später habe ich einer Frau zugehört, die genau das erlebt hat, was der Junge, der Held des Buches, im ersten Kapitel erlebt. Der Unterschied: sie hat überlebt. Der Junge zumindest eine Weile. Zumindest lang genug, um all das ungelebte Leben nachzuholen, einmal, für immer. Und so begegnen wir dem grossen weiten Amerika, Latino-Träumen, tollem Hard Bop (Lee Morgans „The Sidewinder“) – und „richtigen Detektiven“. Der amerikanische Traum heisst das Buch, Ernst Augustin hat es geschrieben. Dieses Buch wird nie entsorgt, bleibt in Reichweite. Always.

 

 
 
 

Next Friday, on Feb. 12th, Warp will be released. Carefully handled sonics, field recordings, voices (placed the the middle-, back- and back-back-ground) extend the format of the pure solo album. Highly concentrated, strangely laid back at the same time. Accessible and experimental. Warp is an instruction-free manual for getting yourself lost in. And the world keeps knocking on the door.

How did the different strands of ideas come together to create one of 2016’s most captivating „piano & beyond“-albums? It took some time after having started with initial recordings in Oslo. „I will definitely perform Warp live, the first is in Copenhagen on the day of its release. Another one at the Oslo Jazz festival in August, I hope a lot more also. I control the sound layers myself, using very simple and intuitive tools.“

 

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Michael Engelbrecht: What was the basic idea that triggered „Warp“ as a melange of solo piano composition and all the other things and sounds surrounding the Steinway?

 

Jon Balke: I think the starting point was an abstract idea about making an architecture of sound: walls, curved spaces, light and darkness, actually a question: can this be done? Can we experience sound as a physical environment? And then as I developed my piano playing in paralell. I wanted to try to place the piano inside these imaginary spaces. I am still not sure if I achieved what I wanted, but the process is very intriguing and interesting. And it continues. It has also led to my collaboration with Bjarte Eike and his ensemble, called “the image of melancholy” where I make sonic spaces around live performances of renaissance music.

 

Michael: What kind of sonic spaces?

 

Jon: I have used a mixture of actual instrument sounds from his ensemble, filtered and processed, plus layers of composed reverberations that are in accordance with the different pieces they play.

 

Michael: Has there been an inspiration by other recordings where pianists have surrounded their piano or keyboard music with electronic spheres, natural sounds @ samples?

 

Jon: Actually I have not been researching by listening to other composers or producers. I had this idea in my head and I have just gone for exploring that. Of course there are many projects with electroaccoustic combinations in music history, so in that sense Warp is in a tradition. But my starting point and inspiration has been an imagination.

 

Michael: There is one „groove track“ called „Shibboleth“. Sounds Jewish, the word. Is there, in the electronic keyboard figure a short reminder of Joe Zawinul, soundwise. He used some field recordings on his first solo album, and sometimes for „Weather Report“, too …

 

Jon: I think „Shibboleth“ is actually Hebrew, yes. But it means a slogan or something special that identifies something or someone. Could be special way of dressing up also. I guess it´s sort of iconic for me to dive into this kind of rhythmic textures. I know it is not „modern“, but … I cant help it :-) Hence the title. I was not concious of any Zawinul reference, but of course he is in my blood system so … .

 

Michael: „Warp“ ist surely a road not taken before in the way it sounds. There is the piano being strictly (most of the time) in the foreground, center stage, the crystalline sound, and then the music is surrounded by a second or third layer – something quiet or „far away“. What was the thrill?

 

Jon: It is fascinating to shape dimensions in sound. We are acually the first humans who have the possibility to warp and shape sound in this manner, by using technology previously not available, or seriously degraded by unwanted noise and problems. Also, I guess, as the project developed, it started to mean more than just the sound idea in itself. The title refers to the relation between the artist in his or her bubble of esthetic values and choices, as opposed to the external reality of the world of cars and rivers, birds and business. The artist has a warped image of the world and the world has a warped image of the artist. We are living in very turbulent times, and the musician isolated with his piano is starting to seem like an impossibility.

 

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Michael: Let’s stay in the impossible for a while. As a listener you tend to try (at first) to identify the sources: the first „noise“ on the record – carefully repeated during the album – sounds like someone playing with the pages of a book, the sound of it. The „listening area“ is extended, an open field beyond the habit of just concentrating on the piano …

 

Jon: That is in fact what I wanted to achieve, to open up the space or reverb of the piano sound and stretch it out to the world and the sounds in it. You are right about the first sounds, they are recordings of paper shuffling that are warped in the stereo image. I like to think of the listener attaching their own associations to the sounds. It is not important what the sounds really are, I am more interested in the impression on the listener.

 

Michael: There is this track „This is the movie“. There is a distant electronic sound, you’re playing a soft melodic phrase, a reminder „film music“, more Claude Lelouch than one for Claude Chabrol …

 

Jon: That title is actually from a text by Sidsel Endresen. Many of the tracks are based on songs or tunes I have made, to text or just instrumental tunes. But I dont play these songs on Warp, I just use them as a reference buried deep down in the mix. This helps me to find structure in the material.

 

Michael: Did some movies or cinematic „moods“ spring to mind in the long process of giving „Warp“ its last shape?

 

Jon: Music is always visual for me. I can´t really pinpoint any clear references to movies or images in Warp, but I “see” the spaces and the piano sound as abstract shapes and colors.

 

Michael: A piano solo album normally takes the time it takes to record it. But on this one, recording the piano pieces had only been one step. You were in that house in the mountains with Audun Kleive adding sounds & atmosheres to the piano tracks. The mixing in Lugano with Manfred Eicher, the final sequencing. A long journey …

 

Jon: I had an initial stage of recording of soundscapes and voices (with the vocalists) with the clear intention of having all this sound very deep and far around the piano. In the first recording of piano in Rainbow studio, playing on top of the imported soundscapes, I actually had quite a struggle to feel free in this landscape, so I did another pass just playing solo piano and imagining the soundscapes. Then I went home and actually ended up mixing these two approaches. Next we sat down, Audun Kleive and me, and actually shaped (warped) the sounds around the piano sound, using different software tools like Ircams Spat and others, working with spatialisation and imaging.

 

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Michael: Interesting, too, the way, you’re working with a fabric of voices. There is choir-like humming, purely instrumental; there is an unusual take on the „pop song“-format with the vocals in the background; there are the quite hidden „airport announcements“. Quite a „theatre of voices“!

 

Jon: We had actually recorded a lot more singing with Mattis and Wenche, but this felt too imposing in this context, so I kept the more abstract remnants of the recordings. I might release an album of songs later with the actual recordings. But, yes I like to work with voices as colors. If text and melodies become too present, they would shift the focus of this project very fast.

 

Michael: It would be very interesting to compare the „pure solo version“ against the final work. I think they both would be rewarding listening experiences, but with the adding of all the other elements „Warp“ becomes a different, surely not less „organic beast“…

 

Jon: I guess that this approaches the psychological phonomenon where you, if you sit near a waterfall, start to hear voices speaking and singing inside the water. If someone has listened to Warp for a while and then heard the piano track alone, they would still hear the soundscapes in the reverberation of the piano, maybe?

 

Michael: For example, some of the „sounds“ of „Warp“ adopt the role of „leitmotifs“. It’s like returning to a room that has meanwhile changed its colour. That would fit your intention of experiencing sound as a physical environment, wouldn’t it?

 

Jon: That is a nice way of putting it.

 

Michael: You are speaking of using the non-musical elements as „remnants“. Shadows of the real world, so to speak. You deliberately treat, for example, these „airport announcements“ making them nearly unrecognizable. The real world is not documented like neo-realism. It’s fragmented, dreamlike, loses its urgency.

 

Jon: I guess, since you mentioned the movie association earlier, that this might be a way of relating to the sounds of the world and the piano as an instrument in the direction that for instance Tarkovskij relates to the visual media. The world is strange and alien, but also miracolous and beautiful. And it is my role as an artist to go on exploring it, I believe.

Am Tag zuvor träumte ich noch davon, wie einer der zwei Gitarrenspieler meiner alten Schulkasse mir einen akustischen Gitarrenfolksong beibrachte, und ich aus irgendwelchen Gründen dieses Stück lernen sollte, für eine öffentliche Darbietung. Der Traum dauerte schier unendlich, und ich übte die ersten zwei Handgriffe wie doof. Wo das hinführte, weiss ich nicht genau, ausser, später dann, in die Stadt K., wo Herr K. seinen Tresor öffnete und mir ein Solokonzert von Herrn Jarrett aus den ersten Januartagen des Jahres 1975 vorspielte. Für die Stunde danach hatten wir Schweigen und eine Flasche Rotwein vereinbart. Vorher erzählte er mir noch, dass Herr Eicher selbst die Mikrofone positioniert habe. Mancher Moment nahm, so nahm ich es wahr, Ideen vorweg, die später im legendären „Köln Concert“ zur Perfektion gelangten (und dann bei vollkommen unvollkommenen Rahmenbedingngen). Wir aber sprachen nicht weiter darüber, hörten, schwiegen und tranken. Mehr ist dazu nicht zu sagen.

Der Titel dieses wunderbaren Buches ist fast so paradox wie Handkes „Die Angst des Tormanns beim Elfmeter“. Letzteres ist, aus meiner, natürlich beschränkten Sicht, ein furchtbar langweiliges Beispiel für „moderne deutsche Literatur“ aus der alten BRD. Das Buch verdankt seine Verkaufszahlen gewiss diesem witzigen Titel, und dem Hype des Avantgardistischen. Anders als bei PH, bin ich Ror Wolf bis heute als treuer Leser gefolgt, und  habe ungefähr ein Dutzend Bücher von ihm, und dieser jüngste Gedichtband ist eine fantastische Lektüre für Kurzreisen, lange Zugfahrten, Badewannen in 3-Sterne-Hotels, kurzfristige Idyllen in Niemandsländern und Weltmetropolen. Ror Wolf ist ein Meister der Entropie, und gern erzählt er in makabraben, gereimten, ungereimten, surrealen, chaplinesken Versen und Zeilen vom Verschwinden der Welt, der Menschen, jedes Einzelnen, der Tiere, der Wolken, all der Dinge, die schon ewig da sind und sich dauernd in Luft auflösen. Wäre hier, wie einst beim Klassiker „Punkt ist Punkt“ der Fussball im Mittelpunkt, Ror Wolf würde auch vom Verschwinden von Hannover 96 aus der Bundesliga berichten. Das Schöne bei Ror Wolf ist, dass diese schon immer postmoderne Literatur, bei aller Rabenschwärze des Weltbildes, genauso wie einst Heinrich Spoerl, zur Heiteren Literatur zu rechnen ist. Ror Wolf kann sogar den einen und anderen Kalauer in unangestrengte Kunst verwandeln. Famos, absolut famos.

 
 
 

 

When you think of the cultural baggage of the grand piano and other neo-classical, neo-ambient efforts, new conceptions are hard to find, new styles hard to imagine. On the side of unforgiving boredom of Botox Bullshit Cosmetics for the Society of Great Taste Inc., Max Richter explores sleep on „Sleep“, with a music that reminds you of wanting to sleep right now! He’s the guy who reimagined Vivaldi’s Four Seasons without the tiniest amount of imagination. Crap for the Night of the Proms. „Schöngeisterei“ is the true enemy of adventure’s rotten playground! Playing nice can really turn into exhaustion. There is only one Harold Budd. The world is full of virtuosi who only do well what they are trained to do well. Nevertheless there are still new and fascinating piano solo albums. The first one is by Ketil Bjornstad, it’s even a double solo album („Shimmering/Images“), and I don’t exactly know why I do like it quite a lot. On the surface, it’s too „romantic“, but, matter of fact, though it doesn’t transport me to the edge of the seat, it sends me deep into my sofa with all the antennas out. There is something dark in the beauty, hidden, not quoted. Then there is, recorded with about 24 microphones, a piano solo album by Greek composer Stavros Gasparatos („Extended Piano“): if you don’t follow the blinking red code exit signs by light speed, you’ll be swallowed by the sheer energy of the performance – wild world of ivory (and this is a gentle warning!). I don’t fully understand the magic of this music either, it comes along with big gestures, heavy studio wizardry, FULL LIGHT SHOW (metaphorically speaking), and an attitude of intensity that rivals the extrem mood changes of Tschaikowsky’s piano concertos. Well, well, well. And then there is „Warp“ by Jon Balke (see photo, from a concert in Sardinia), and that is a fantastic album. I immediately fell in love with the music of it, with all its spheres, ghosts, voices, noises, melodies, harmonies, grooves, brakes, shuffling, remnants, and instruction-free getting-lost-phenomena. Something’s happening here, what it is ain’t exactly clear. I collected my questions like flowers on a lawn. We did the interview. One of these days. Gregor looking for one of his favourite Paul Bley albums, „Alone Again“ (unavailable, buried treasure), Rosato holding in his hands the extended version of Erroll Garner’s „Concert by the Sea“. And Clint Eastwood is playing „Misty“, too.

 
 
 

 

NEULAND (1/2): Roly Porter / Ben Monder / Tindersticks / Mod 1  Ryuichi Sakamoto & Alva Noto / Mod 2  Jon Balke / Mod 3 Tortoise / Yorkston, Thorn & Khan / Mod 4 Michel Benita /  Federico Albanese  // Mod 1 Thomas Köner / Tindersticks (second appearance) / Avishai Cohen / Mod 2 Lucinda Williams / Fire! / Mod 3 Gavros Sparatos / Ches Smith / Mod 4 Multcast Dynamics // NAHAUFNAHME: King Crimson: „The Thrak Box“ // ZEITREISE (1): Sun Ra / Mod 1  Count Ossie / Mod 2 Peter Gabriel / Mod 3 Mikael Teraverdiev / Mod 4 Parush Parushev ((“Jon Ward’s Excavated Shellac focuses on ethnic music on 78’s. He’s one of the smartest obsessive record collectors I know, and the stuff he posts I would gladly pay to download…it is always stuff you would never hear anywhere else, nothing here on CD. This is the rarest of the rare and the best of the best. Stellar!” – Steve Roden, Wire Magazine’s Web Exclusive)) // ZEITREISE (2):    Neil Young / Mod 1 ???  // ZEITREISE (3): Mod 1 Bert Jansch (P.S.: there might be changes, update on Feb. 19th)

Was anderes als Blackstar von David Bowie erscheint kaum möglich. Natürlich spielt der Faktor des Abschiednehmens eine Rolle, wie sonst könnte ein Album, das mit seinen alles andere als gemässigten Jazztexturen (und seiner auch sonstigen Radikalität im Ausdruck) die Billboard-Charts stürmen? Und sich wohl anfangs in ähnlichen Verkaufsregionen bewegen wie sein kommerziellstes, von Nile Rodgers, produziertes Werk? Natürlich ist es nur ein Zufall, dass ich an dem Tag, der nun als sein Todestag gilt, mich hinsetzte und meine Begeisterung in Worte fasste sowie die paar Bowie-Alben Revue passieren liess, die mir am meisten bedeuteten, ein Quartett nun, Low, Heroes, Scary Monsters, und Blackstar. Interessant, im Rückblick von Ian, von frühen Songs zu hören, die mir völlig unbekannt waren. Interessant, in Mojo und Uncut über die „Berliner Jahre“ zu lesen, über die Entstehung der „Scary Monsters“. Bei Bowie ging es ja stets um ein Spiel mit Maskeraden und Identitäten. Dabei ein wie immer geartetes „Ich“ nicht ganz den Fliehkräften auszusetzen, war auch eine Kunst. Und die versammelten Stilelemente:  Bowie wurde u.a. im Soul fündig, in der Ambient Music, im Discosound, und nun auch im Jazz. Nicht der gepflegte, gediegene Jazz, den manche nutzen, um etwas Eleganz und Glanz zu produzieren. Der, der Pforten öffnet. Wie das früher Robert Wyatt gelang (Rock Bottom), Tim Buckley (Starsailor) oder, einmal, Van Morrison (Astral Weeks). Diesen drei Titeln (im nachhinein sprechen sie Bände) kann man nun Blackstar hinzufügen, und wieder ergbt sich ein besonderes Quartett.

2016 28 Jan

Old Paris

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Jacques Rivette ist im Alter von 87 Jahren gestorben. Als Teenager waren die Filme von Claude Chabrol und Francois Truffaut guter Stoff: Chabrol liess die Fassaden des Bürgertums bröckeln, und Truffaut irrte mit Jean Pierre Leaud durch endlose Wirrungen des Eros. Früh in der Studentenzeit wurde aber Jacques Rivette mein ganz persönlcher „Held“ unter den Regisseuren der Nouvelle Vague. Er improvisierte mit seinen Darstellern in einem Paris fernab des kämpferischen Zeitgeists. Liebe, Verschwörung und andere Rätsel wurden zwar selten gelöst, doch stets in eine besondere Aura getaucht: die wunderbaren Hauptdarstellerinnen von „Celine und Julie fahren Boot“ bewegten sich voller Anmut, gleichzeitig im Stolperschritt, durch ihre Stadt: Alltag als Improvisation mit kleinen Geheimnissen. Die Waffe der Rivette’schen Figuren war die Phantasie. John Surman und Barre Phillips spielen in einem anderen Werk (Merry-Go-Round) ihre Filmmusik vor der laufenden Kamera, statt sie später zu laufenden Bildern zu erfinden. Zu den Schlangenlinien des Surman’schen Saxofons huschten die Protagonisten anders durchs Bild, die Musik empfahl ein leicht verändertes Gehen, das mitunter einem Tanz nahe kam. Schon damals war immer von diesem opus magnum zu hören, dass kein Normalsterblicher je zu Gesicht bekommen hatte. „Out 1 – Noli me tangere“ ist 13 Stunden lang. Ganz alter Stoff, jede Menge Verrückte, freies Theater, ein Hauch von Balzac nach dem Mai 68, und eine liebevoll-verrückte Hommage an die „Stadt der Liebe“, selten war ein Blick auf den Alltag und seine kleinen Mysterien so reich an Verzweigungen, so nah an permanenter Träumerei! Julio Cortazar sah sich einst im Quartier Latin jeden Rivette-Film an, der in den Kinos anlief. Und wie fühlte es sich an, sich damals an der Seine rumzutreiben? Man höre dazu Robert Wyatts Lied „Old Europe“. (me)

Die Bäume wurden beschnitten, und Sancho hatte keinen Durchfall mehr. Gerne dachte er an seinen Hund. So lange auf den Autobahnen unterwegs mit den elend gleichförmigen Raststätten! Autobahntrance funktioniert nicht immer. Als Julio einst mit Carol die Autobahn bereiste, war der Verfall der Raststätten noch ein Abenteuer. Wenn er Hotels sucht, fährt er ins Hinterland, und studiert die Gardinen, die nie den Muff einer alten Zeit haben dürfen. Er weiss, wie er sich abends vor dem Einschlafen in andere Welten treiben lassen kann, aber diesmal ist es hart, das Buch, das er liest. Er fiebert mit Audie Palmer, eine grossartig gebrochene Figur, die durch amerikanische Alpträume geistert. Kann man soviel Unglück austanzen? Hätte er den Namen Kronach auf einem Schild gesehen, wäre er dorthin gefahren. An seiner Studentenzeitstadt Würzburg vorbeizufahren, ist schaurigschön: „ghost town“. Im Player sind sie alle versammelt, „The Ghosts of Highway 20“. Würde  Michael Hutter im „Zündfunk“ zu hören sein, wäre er ein Zeitreisender. So viele Namen, alle schlagen Funken. In Heidelberg hat er eine Jukebox verloren.

Es war ja nur ein kleiner Dialog unter Filmfreaks, aber er klang nach. Ein Freund nordischer Musik, Mr. Biermann, erwartet von Quentin Tarantino, nach dem entfesselten Django, kein Meisterwerk, aber er sei gespannt auf die Roadshow-Version seines neuen Westerns. Ach, Meisterwerke gebe es ja genug, antwortete ich, und da ich eine gewisse Schwäche für klassische, uralte, moderne und postmoderne Western habe, kann ich die Darbietung in der Essener „Lichtburg“ kaum erwarten. Es wird, ich ahne es, archaisch. Und dieses schöne, lang vergangene Bildformat.

Ich komme dem Entstehungsjahr eines alten Farbfilms oft recht nah, wenn ich nur die Farbwerte des Himmels sehe. Das sind Dinge, die man aus der Kindheit mitnimmt, Faszinationen, die später angenehme Dejavues produzieren, und manchmal einen alten Schauer, weil dann auch „12 Uhr Mittags“ bei einem Rotwein seine Wirkung tut. Immer noch. Oh, my darling Clementine, Shenandoah, Staubwolken und Schlussakkorde! Der erste Film, den ich allein sah, im Kino, nachmittags (woher weiss ich noch, dass es ein Sommertag in der Harkortstrasse war?), war „Sie nannten ihn Pferd“ (oder hiess er „Hombre“?).

Die Tiefe von Berührung und Ergriffensein hängt m. E. keineswegs ab von der Zugehörigkeit zu den „100 Meisterwerken der Filmgeschichte“. Der Zauber rührt anderswoher, und wenn mich ein Film gefangen nimmt, rutsche ich im Kinosessel in eine tiefe Trance, werde irgendwohin transportiert, und bleibe erstmal dort. Manchmal macht der Sound 60% eines guten Films aus. Jetzt wird es Zeit für Tarantino und die „Roadshow-Version“, für den orchestralen Morricone und den alten weissen Himmel über der grossen Schneewelt. Und ich ahne es, ich werde nicht enttäuscht. Der letzte fabelhafte Western, den ich sah: „Slow West“. Und gerne mal wieder „Silverado“. Oder „The Glorious Seven“:  “It’s only a matter of knowing how to shoot a gun. Nothing big about that.”


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