on life, music etc beyond mainstream


Hubro is my label of the year, this time. Andreas Meland is the man in the background. A programm of excellent, very good, and  good works that, in 2017, even surpasses last year’s output of a Nordic / Norwegian spectrum between free improvisation, chamber folk, electric wilderness, altered states of mind & sound, minimal drone studies, post-exotica, songs & sounds & atmospheres. They even put out an album by the band aptly called „1982“, including a church organ being deprived of all its gravitas.

Now Erik Honoré’s second Hubro album ist out, „Unrest“, and, as he has told during bis lecture in Kristiansand about making music in dark and turbulent times, he sees it as the „dark-eyed sister“ of his excellent first solo album „Heliographs“. In fact, it’s  a shadowy affair, with a spoonful of atonality and testing the limits of high-pitched violins, free floating, slow piano runs – and a theatre of voices, hiding,  murmuring, wondering. Not to forget „The Sheriffs of Nothingness“!

Erik Honore and his companions (yes, a great cast!) know how to build up suspense and release, and the sequence of the tracks is immaculate. You have to listen to it as an album, and, if you want to do yourself a favour, in the dark. While being immersed, you’ll easily be haunted by the thrill of dissonant textures, well placed grooves and swirling melodic lines that happen when you least expect them to appear. The last track is the perfect closer, an apparently simple song with an irresistible tune. And, well, part  of the magic of Hubro albums is the cover art of Yokoland (Aslak Gurholt and Thomas Nordby) – for „Unrest“ it works as warning sign – and invitation!





Dumpfe Parolen und „Rechtspopulismus“ (kleiner Euphemismus für, in Teilen, unverhohlenen nationalsozialistischen Gedankendreck) sind also gesellschaftsfähig geworden. Jetzt auch auch der Durchbruch der Idioten in Österreich. Es entsteht ein neuer schlechter Ton, ein braunes Summen im grossen Pack. Die Wahl eines amerikanischen Landschweins zum Präsidenten ist eben nicht das fruchtbare Signal, Demokratie neu zu überdenken, nur ein Zeichen für neue Hordenbildungen. Den Dialog mit einem von der AfD zu pflegen, ist so vielversprechend, wie einem Polizisten aus Texas, der einfach mal so einen Schwarzen abknallt, Tom Sawyer als Bettlektüre zu empfehlen. Die Zeit des runden Tisches ist vorbei. Die Fronten sind gezogen, die Musik leistet nur noch Beiträge zur Abteilung „Preaching To The Converted“.



Last swim before departure. A week full of radio work. Brutal ardour on Lanzarote. Good time for caves. This man with a history is still adventurous after all these years, and playing in Jameos del Agua adds to every possible magic spell. If you haven’t lost it, you’ll probably bring it all out here. Ten autumns ago, the trumpet player had visited the island for the first time, with his wife and his two children, and then „breathing in“ the archaic space with the ear of a musician, he dreamt of playing the volcanic power spot one day. That day was yesterday.

Molvaer’s big first statement was Khmer, an album that filled some of the space left by pioneering works of „Electric Miles“ and „Fourth World Hassell“. When I did my first interview with him (I only did two) – he was just about to release his third album after Khmer – I asked what he would do to keep his sound fresh. He said: „That’s a good question!“ Its certainly was (and a bit mean) – an artist who has discovered a certain formula, often tends to repeat it till nostalgia is creeping out of every note hanging in the air.

And, in fact, after his first two albums on ECM records, something seemed to be lost on the way, the auditoriums were sold out, the people got what they (a lot of them) wanted, the „Molvaer sound“, the „Molvaer grooves“ with all its shades of night and club and neon. Exhaustion easily comes with riding a first wave of success. It took a while for Nils Petter to reconsider, and then, someday (would be hard to nail it down), a good quantum of the old freshness came back with risky line-ups, with forgetting of being a virtuoso or being the man who knows all the tricks.

His last album, for example, Buyoancy, is a good example of keeping the spirits high – as is his quartet of yesterday’s evening. Geir Sundstol, Jo Berger Myhre (a broad spectrum of playing and treating guitars), and Erland Dahlen (percussion) were not just good company, they shaped and re-shaped everything from scratch, never played by the book. At least so it seemed. Stunning. At one point, near the end, I had the impression Geir Sundstol has been delivering his version of a Daniel Lanois-pedal steel guitar composition. Circles closing in so many ways, circles that never forget the to look for promising exit signs – caves always have some hidden ones.


2017 14 Okt

77 steps to a concert

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I’m too busy on Lanzarote doing nothing in all its different aspects instead of sitting down and write down any more words with the small exception of these ones – I do fall silent for a while, good little Zen exercise, ha! Words interfere with action, words interfere with silence, and I’m too obsessed with silence and action on this island’s remote places than to melt time away with the fabric of thinking in words. So, now being officially invited to two, three exciting „cave concerts“, expecting to meet some handsome shadows from the past, and just being smashed by nice waves at Famara, under the sky blue sky (love that Wilco album!), I take a seat at Las Bajas (waiting for my second cafe con leche), and here it is, the program of my „nighthawk ego“.



The first two hours will lead you to the mountains of Gran Paradiso, to new and forthcoming albums of ECM and Hubro in large numbers, with some surprising „space music“ in between. Outer Space Brass Music, don’t laugh. The third hour will be dedicated to Brian Eno’s four classic song albums of the ’70s. Eno is smart. His is the kind of smartness that can trip itself up through overthinking, or make for art whose interest is mainly formal or „functional“. But he dodged that bullet thanks to his other great obsession, which is giving up his conscious mind’s control. Surrender is the secret code of a breathing system.



And, well, Brian has never been praised enough for finding heartbreaking melodies – the only reason a bunch of his songs became no evergreens is this one: they never hit the charts. The fourth and fifth hour will open up for the time travel department. There will be long passages of three albums played in a row in hour no. four. There will be tracks of three other albums played in special combination within the two parts of hour no. five. There are some good reasons to make Jon Balke’s forthcoming album part of these time travels: his second SIWAN project, out on Nov. 3rd, has a different line-up, but it is so good that you don’t even miss the presence of Jon Hassell!



11 de octubre. Jameos del Agua, 21:00 h.



Certain things happen with a reason, though we’re good in making sense  where pure chance is the real option. I didn’t believe my eyes when reading about edition no. 14 of the Festival Musica Visual de Lanzarote. It happens now, and I’ll be there. Anyone who has ever experienced a concert in the caves of Jameos Del Agua, knows about the fantastic acoustic space. Years and years ago, Brian Eno performed, along with Peter Schwalm, at the bottom of a volcano. Eberhard Weber and David Darling played solo in the very small cave nearby (the walk down there transports memories of reading Jules Verne’s journey to the center of the earth), Bang on a Can performed „Music for Airports“ in James Del Agua and brought the melancholia to the surface  that is part of Eno’s classic, but can easily overheared in that kind of „functional music“. The third meeting of the Manafonistas  at  the break of day has found a perfect afterglow, with two concerts on the opposite sides of intimacy and groove.



14 de octubre. Jameos del Agua, 21:00 h.



„Ship on the Hollow Ponds / Set sail by a kid / In the heat wave that hit us all, 1976″. Wenn man einen ausgefüllten 16-Stunden-Tag hat, und heute, neben allem andern, die finalen zwei Folgen der vierten und letzten Staffel der fantastischen Piraten-Serie „Black Sails“ auf mich warten, ist es schwer, ein paar Minuten fürs Schreiben zu erübrigen, aber der Griff in den Kofferraum meines Toyota Yaris Cool Plus, eines der gefährlichsten Autos der Welt, beförderte eine CD ans Tageslicht, die ohne wenn und aber zu meinen liebsten Songalben des 21. Jahrhunderts zählt. „I was by the Black Sea / Two hours in time / Spiny urchins and a new school bell, 1979″.

„I felt the percussion / The green man had gone / Half my road was now a motorway, 1991“. Als ich vor Jahren in London die Westbourne Grove entlangschlenderte, zwei Stunden vor meinem Interview mit Brian Eno und Karl Hyde, machte sich ein unangenehmer Kopfschmerz breit, nicht aus Nervosität, sondern aus purer Wetterfühligkeit. Und just kam mir ein Friseurladen unter die Augen, der noch dazu „Michael’s Saloon“ oder so ähnlich hiess und von einem Inder betrieben wurde. Eine kleine Kopfmassage (Inder haben ein Händchen für sowas) beseitigte die Missempfindung.

Die Historie dieser langen Ausfallstrasse im Nordwesten Londons taucht in einem der Lieder von Damon Albarns Meisterwerk „Everyday Robots“ auf, und wann immer ich dort bin, geht mir der eine und andere Song des Albums durch den Kopf. Niemals hat mich je ein Album des Briten (solo, oder mit Blur) so berührt wie dieses. „Changed into lakeside / In January (Hollow Ponds) / Modern life was sprayed onto a wall in 1993″.

Where the horses and passing trains (horses and the passing trains) / A pentangle revealed / In the green woods where you walked with me / Ship on hollow ponds was filled“. Ich werde es mit nach Lanzarote nehmen, dort, am Flughafen von Arrecife, wartet eine baugleiche Vatiation des gefährlichsten Autos der Welt auf mich, und ich stellte im Vorfeld sicher, das ein CD-Player Teil der metallicblauen Ausgabe ist. Am Morgen des 10. Oktobers, bei der Fahrt zum Manafonistas-Treffen an einer der kleinen Buchten der Papagayo-Strände, werde ich im Duett mit Damon den letzten Song des Werkes intonieren, und schmunzelnd lauschen, wenn Brian die zweite Melodielinie singt.




Ich war vielleicht acht Jahre alt, als ich mit meinen Eltern in Hohwacht an der Ostsee in einer Pension Ferien machte. Die Wellen waren ein müder Abklatsch der Nordsee, aber was mich vollends fesselte, war zum einen die Lektüre eines Romans über das Leben des Piraten Klaus Störtebecker, zum andern die Verzauberung einer jungen Studentin, die jeden Morgen einen Softeisstand betrieb. Ich war ihr treuester Kunde, und bereit für alles Unbekannte. Es sollte noch etwas dauern, bis ich den Code knackte, und meine erste Single von den Beatles kaufte.

Sie sei einmal sehr wütend gewesen, erzählt sie, als sie ihr frühes  Album „My Sweet Old World“ in einem Schallplattenladen fand, mit dem Etikett „out of print“, und dem Mann an der Kasse mitteilte, das sei ein Irrtum. Lucinda Williams war nie blutjung, nicht mal in ihren Anfängen, ähnlich wie Leonard Cohen. Aber glauben Sie ernsthaft, Leonard Cohen hätte sich je entschlossen, gute 25 Jahre nach „Songs of Love and Hate“ „Songs of Love and Hate“ noch einmal aufzunehmen? Never ever.

Wenn Lucinda Williams genau das nun macht, stellt sich die Frage nach dem Warum. Eine Erholungspause nach Jahrzehnten, in denen sie eine Qualitätsarbeit nach der andern ablieferte? Ein Spiel mit dem Trend, Klassiker der eigenen Werkgeschichte live neu auzuführen, und warum dann nicht gleich als Studioaufnahme? Haben nicht sowieso alle Legenden und Sternchen Standards und Lieblingslieder wieder und wieder dargeboten, ein Teil der Aufführungspraxis – die volle Breitseite zwischen nostalgischer Patina (Streicher! Streicher!) und zersetzender Dekonstruktion a la Dylan.

Nun hat es Lucinda Williams getan, mit ihrer fantastischen Gruppe (ich hatte das Glück, sie jüngst in Köln zu erleben), und hat dem alten Album der schon früh in die Jahre Gekommenen das Spätwerk der immer noch Extreme auslotenden Sängerin (64 Lenze, und soviele „beautiful losers“) an die Seite gestellt. Die Neudeutung der alten Songs ist radikal, eine Art Parallelwelt – aber statt sie an den Rand der Unkenntlichkeit zu treiben, sngt sie die alten Stories, als würde sie jedes einzelne Lied zum ersten Mal vortragen, oder als würde sie schon so lange in ihnen wohnen, dass die sich dort rumtreibenden Schatten einen Perspektivwechsel nach dem andern befeuern. You want it darker? Here it is.


P.S. Ich sah vor Tagen den wundertraurigen Film „Hell Or High Water“, und wenn ich an diesem Opus etwas auszusetzen habe –  Townes Van Zandt ist dabei, aber Lucinda fehlt. Dennoch – lassen Sie sich weder dieses „country noir movie“ entgehen noch das am 20. Oktober erscheinende Album. 



Within the fields of existential, or possibly pagean experience, or even occult spirituality, different physical locations are believed to be holy / existential sites because they possess an access to spiritual (resp. a certain, rarely unearthed human) energy. Common power spots often include mountains, caves, springs, the (often) windstill areas of small village backyards (Mellrichstadt!) – and other locations of unusual natural phenomena.

Recognized power spots are places that intensify whatever people bring to them, so that spending even short periods of time in them can lead to spiritual / existential transformation. Carlos Castaneda was a devoted searcher of power spots. „Power Spot“ is the name of a fantastic record by Jon Hassell, too. Though often connoted with holy places, power spots can sometimes be hardly recognized by their quite ordinary appearance (photo 1).

A good aquaintance of mine nearly lost her life in Dartmoor weeks ago by foolishly undererstimating certain power spot features of an area officially marked with signs of danger. She (a trained post-Freudian therapist) was even warned to enter the moor by a small, „strangely looking“, old woman, but downplayed the advice by thinking she would be kind of foolish. She wasn’t. The result: my aquaintance was white like a ghost after returning very late – for more than half an hour, she thought, every step could be her last.



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