Manafonistas

on life, music etc beyond mainstream

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2017 15 Dez

Die Choreographin des Begehrens

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Falls es jemanden interessiert, in der Monatszeitschrift EPD Film findet sich derzeit, anlässlich des deutschen Kinostarts von Un beau soleil intérieur, ein Porträt von Claire Denis.
 

Wie die Körper sich suchen – das ist das große Thema der Regisseurin. Zärtlichem und zerstörerischem Begehren verleiht sie die gleiche Evidenz. […]

Denis zeigt nicht mehr, als gerade nötig ist: Ihre Stärke sind die affektiven Momente, die in den Fragmenten einer Handlung aufblitzen und in denen sich die disparate Gefühlslage ihrer Figuren offenbart. Das macht ihre Erzählung zugleich spröde und fragil, lässt Raum für Geschichten, die sich zwischen den Schnitten zutragen können. Das Thema der gegensätzlichen Obsessionen, der Zerrissenheit überträgt sie in eine Montage, die den Zuschauer unversehens in die Situationen hineinwirft und es ihm anfangs nicht eben leicht macht, sich im Wechsel der Schauplätze und Charaktere, im Changieren zwischen den Realitätsebenen zurechtzufinden. Ihre Inszenierung stößt sich am Konkreten, an Tönen, Gesten und Gegenständen. […]

In »Trouble Every Day« ist [mit Kamerafrau Agnès Godard] ihr gemeinsames Ziel, sich Fleisch und Blut auf eine Weise zu nähern, wie es nie zuvor im Kino passiert ist. Die kannibalistischen Übergriffe sind inszeniert wie Liebesszenen. Es liegt ein Gleiten, ein Schweben in Godards Bewegungen, das wunderbar harmoniert mit der getragenen Musik von Bands wie den Tindersticks, die in Filmen wie »Nénette und Boni« und »Trouble Every Day« die Tonspur entscheidend prägen.

Die Musik und die mit ihr verknüpfte Beweglichkeit stehen in ­Denis‘ Filmen für die Möglichkeit der Transformation. Der Körper der Choreographin Mathilde Monnier, die sie in dem Dokumentarfilm »Vers Mathilde« porträtiert, verändert sich beim Tanz, wirkt jünger. Die Kadrage ist oft zu eng für den Bewegungsrausch der Mitglieder ihrer Compag­nie, die Geschlechterunterschiede scheinen sich aufzulösen im Wirbel der Bilder.

2017 12 Dez

Automatic for the People

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„Culturally, 1992 in America was not an easy place to be. We’d been through 12 years of politically the darkest era America had ever seen with Reagan, Bush and AIDS. I think the record was a response to that. I wanted to make a record about loss, transition and death — the biggest transition we all know.“

Michael Stipe, Automatic Unearthed

 

2017 10 Dez

Musikvideos 2017

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Über die Jahresbestenlisten verschiedener Webseiten mache ich immer wieder Entdeckungen; schon habe ich CDs von Andre Cymone (den ich erstaunlicherweise gar nicht kannte), Circuit des Yeux und Ambrose Akinmusire (den ich bisher eher als langweiligen Mainstreamjazzer eingeordnet hatte) bestellt. Nicole Mitchells Album Mandorla Awakening, Kidal von Tamikrest und SZAs Ctrl stehen als nächstes auf der Liste. Und James Holden & the Animal Spirits wart schon eine exzellente Spät-Neuentdeckung.

Über die Jahresrückblicke stößt man hin und wieder aber auch auf interessante Videos. Kendrick Lamars überdrehtes Humble wurde ja tausendfach geteilt, und bestimmt hat es jeder schon gesehen. Interessanter ist daher vielleicht Jonas Lindströms Video für Element, in dem Fotografien von Gordon Parks in der Gegenwart zum Leben erweckt werden. In München gab es in diesem Jahr eine großartige Retrospektive, die verdeutlichte, wie aktuell Parks‘ Werk doch ist. Nabils surreales Video zu DNA mit einem exaltierten Don Cheadle greift die gleichen Themen auf und ist auch sehr gut, wenn auch weniger spektakulär. Die aufgedrehte Stimmung von Kendricks Damn und die entsprechenden Videos scheinen mir 2017 gut auf den Punkt zu bringen.

Natürlich muss ich in diesem Zusammenhang Algiers‘ Video The Underside of Power (Regie Henry Busby & Marcus Tortorici) zumindest erwähnen – eine Mischung aus Performance-Video, das die Bandmitglieder latent als Untergrundkämpfer zeichnet, und Zeitkommentar zu den brennenden Themen des Albums. Mit ähnlichen Themen hantiert auch Noga Erez‘ Dance while you shoot; die Sängerin aus Tel Aviv thematisiert in ihren Texten das Leben in Israel zu einer sehr zeitgemäßen Musik, die oft zu Vergleichen mit M.I.A. u.ä. führte. Das Video (directed by Zhang + Knight) setzt da an. Starkes Album.

Was ganz anderes, ohne Politik: Jeremy Bibles poetische Luftaufnahmen von Ohio zum Gitarrenstück Black Grasshopper von High Aura’d. Wahnsinnig komplex sind Kevin McGloughlin abstrakte Grafiken zu Max Coopers Stück Symmetry. Und auch Maxime Causeret hat ein faszinierendes grafisches Video zu einem Track von Max Cooper erstellt: Order from Chaos.

Sevdalizas lynch-haftes, mit Emmanuel Adjei entwickeltes Video zu Human ist zwar schon im November 2016 veröffentlicht worden, das Album Ison (zu dem es nebenbei bemerkt auch eine Art Slow-Motion-Video der kompletten 66 Minuten des Albums) dazu allerdings erst im Sommer 2017. Es passt hervorragend zu der dunkel-surrealen Stimmung des Albums. Mehr mit dem surrealen Charme alter VHS-Elemente (vgl. The Ring) spielt das wilde, ins Abstrakte gehende Video der frankokanadischen Filmemacherin Jacqueline Castel zu Zola Jesus‘ Albumhighlight Exhumed.

Wie Exhumed, so klingt auch folgendes super über Kopfhörer: Eigentlich kein Musikvideo, aber mich hat dieses Video von zwei Tracks (Deliverance und The Conduit) der audiovisuellen Performance von Belief Defect beim Atonal Festival in Berlin sehr beeindruckt. Ich war selbst nicht dabei, hätte das aber gerne erlebt. Die intensive Klangwelt des großartigen Industrial-/Noise-Techno-Albums kommt live sicher sensationell in dieser Umgebung im Berliner Kraftwerk.

Mir gefällt auch Protomartyrs für diesen Post-Punk ungewöhnliches, seltsames, düsteres Video zu A Private Understanding (Tony Wolski & Trevor Naud) sehr; auch wenn ich mir ehrlich gesagt keine große Mühe gemacht habe, Text und Handlung zusammenzubringen.

Und zum Schluss noch was Witziges: Young Thug erschien nicht (oder nur halb) zum Dreh seines 100.000 Dollar teuren Videos Wyclef Jean, also musste Ryan Staake aus der Not eine Tugend machen.

Looking at PopMatters‚ top 10 list of „The Best Indie Rock of 2017″, I am happy to find Algiers at the top spot:

 

„The Underside of Power“, Algiers‘ follow-up to their 2015 self-titled debut, is everything that debut promised and more. The album fine tunes the balance between their dark, post-punk sounds and their soul and gospel groove. The group truly turns the post-punk genre on its head with double-time rhythms, bass grooves, and soulful vocals that come together like an AME church service in the Blade Runner universe. Vocalist Franklin James Fisher sings throughout the album about rising up, upsetting established power structures. It’s brimming with political fire and rage that’s tempered just enough with hope and youthful energy. The combination of elements is dense and seamless and reveals more with each listen and takes on new meaning. „The Underside of Power“ is an album of resistance music and music for the people into the tradition of soul, folk, and punk. This album stands as one of the most unique and powerful examples of protest music in recent memory. (Dan Kok)

 

Other albums in their list may be of interest to some of you around here as well: #2: Fleet Floxes („a jarring journey from beginning to end“), #3: The War On Drugs („breathy Dylan-like vocals float yearningly above vast soundscapes of expertly textured guitar solos and shimmering synths that transcend time and trend“).

„Musically adventurous and spiritually redemptive: this is what the music of our time should sound like.“ said PopMatters‘ original review of the album.

In July, Robert Loss wrote an extensive, interesting piece about the album: Algiers and the Political Structures of Noise, which draws connections between politics, history, noise and pop and is a nice addendum to my text about the issues raised in the movie Detroit. A few quotes from the article about the music:

 

„Cry of the Martyrs“ slips right into the album’s title track, a propulsive blend of soul swagger and the band Suicide’s drones until the chorus bursts into a beautiful pop melody. It’s Algiers‘ version of pop: a catchy hook fighting against backing vocals so delayed they sound like ghosts trying to drag the song back, an alluring but harsh noise from the past. „The Underside of Power“ sounds like „Ain’t No Mountain High Enough“ covered by a post-punk band unconcerned with irony or cultural capital and instead trying to find some truth hidden in the song all these years.

(…) In 2017, we’re rightly suspicious of music that claims to be revolutionary. The normalizing forces of commerce, the spectacle, cultural institutions, and government as they relate to popular music are powerful, so I don’t blame you if you’re skeptical. But the possibility still exists. Small actions may play their role in the structure of noise—the voices of the oppressed and their allies, the voices of people who are just sick and fucking tired of being run over, shot, suppressed, arrested, buried, abandoned — a structure which might replace the old with a new order.

(…) It seems to me that revolutionary music today has to draw connections between the past and the present in order to point to the future. In this way we sense a history that otherwise is forgotten to us; we understand ourselves as historical creatures capable of replacing one structure of noise with another. Of the potential noises, sound hits our bodies first. How can there be a movement if we’re unwilling to move?

Can sound alone make us pay attention to the political, force us to hear a subject like racialized violence, or sway us into seeing the atrocities of the past and the present? Can it really rewrite the codes?

Algiers seem determined to find out, which is one reason why they’ve quickly become so important.

 

Here’s a short one of a their energetic live performances, live in the studio for Seattle’s KEXP.

Much like the sometimes psychedelic nature of their music is also firmly rooted in an often grim reality, the melodrama of their set creates a dense and intoxicating atmosphere, but never at the expense of truth and pragmatism. Their music rages against inequality and fascism, but as heavy as their themes are it’s also heady, rousing and danceable. By the time they bust out their latest album’s title track the room is fully plugged into the band’s irresistible groove, and with that comes immense hope, because as Fisher sings „I’ve seen the underside of power / It’s just a game that can’t go on.” Algiers’ unifying set at the Moth Club allowed no room for figureheads – rock star, religious, or otherwise. As their sign at the back of the stage reads, all the power to the people.
(Bekki Bemrose, musicOMH)

2017 30 Nov

Morals and Movies

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Last night I went to see Detroit, the new film by Kathryn Bigelow (aka the only woman to receive an Academy Award as a director in 89 years of Oscar history, which is why she is sometimes referred to as the most successful female director in history). I have seen almost all of her films, and I really like her body of work, I think she is a brilliant director. She is not only a storyteller or a movie director, but also a film artist, which I could at length constitute by talking about Zero Dark Thirty, which, in my opinion, was generally critized for the wrong issues.

I just read an article in The New Yorker, in which the author makes some statements that are definitely well worth discussing. Detroit is applaudably and masterfully directed, including the collaboration with cinematographer Barry Ackroyd who should at least get an Academy Award nomination for his work on this film. [As a side note, however, it should be considered a scandal if the award for best cinematography will not be given to Roger Deakins for Blade Runner 2049, considering this phenomenal director of photographer has been nominated 13 times so far, without receiving the award once; I think no-one has been nominated more often unsuccessfully. (Emmanuel Lubezki just received the award three times in a row.)] The visuals and the storytelling in Detroit are captivating from start to end, and the film provides for such an intense experience that at one point I was close to leaving the cinema, because I felt I could not bear it any longer; I don’t remember if that ever happened to me before. Maybe once.

In a way, that is actually what the article in The New Yorker, titled „The Immoral Artistry of Kathryn Bigelow’s Detroit“ discusses and critizes at length about the movie. These thoughts are far from being new ones. At film school, we discussed them in the first year of our studies, starting with documentaries from the 1920s, and I remember discussing them again in a directing workshop in a later year of my studies: It was Jacques Rivette who famously raised the question in the June 1961 edition of Le Cahiers du cinéma, in his essay „On Abjection“ about Pontecorvo’s Kapò. Rivette’s argumentation specifically referred to a tracking shot in that film, where Emmanuelle Riva in her portrayal of a concentration camp prisoner throws herself onto an electric barbed wire, and this suicide is emphasized – to enhance the action’s emotional and dramatic storytelling effect – by a tracking towards her, from a low perspective, an aestheticization of death. Rivette called this a „cinematic obscenity“, „voyeurism“ and „pornography“ and argued that this approach should be despised – and that the atrocities of the Holocaust are not suitable for a film of fiction. Other film critics have also commented on this, stating that it is the unnecessary love story which spoils the generally powerful film.

 
 
 

"Kapò" by Gillo Pontecorvo (camera: Aleksandar Sekulovic), 1960

 
 
 

Back to Detroit, about which it is easy to point out a very similar criticism. So I recommend reading Richard Brody’s essay (which I mostly disagree with). The same comments have been made about Spielberg’s Schindler’s List, maybe rightly so, and at the time I was watching Detroit, I actually did expect these criticisms would surely made by film critics about the film. I am only somewhat surprised to see them coming from an American magazine instead of from one in Germany, where „based on a true story“ movies with fictionalized elements are frequently being condemned by critics for their lack of historic accuracy (examples abound).

I would argue against Brody’s essay that it is sanctimonious of him to set the premise „Movies aren’t made with intentions“ as a starting point for his line of argumentation. I’d say that is nonsense – in particular as later in his text he reaches the conclusion that Kathryn Bigelow would not express an opinion with her film. That kind of writing is one of the main reasons why I often have difficulties with film critics. Critics often pursue their own agenda, which is a different one than the filmmakers‘ intentions, and they seem to enjoy doing that. I also read this very interesting interview with the director (German only, sorry), where she says (among many other interesting statements), „I don’t understand how one cannot denounce white supremacy. It is more than bewildering and disgraceful.“ [Please excuse my translation of the original interview’s German translation back into English.]

 
 
 

Photographer unknown. Source: writingstudio.co.za

 
 
 

Does the New Yorker author act stupid on purpose or does he actually have no clue about what goes on on a movie set, when he imagines over two or three paragraphs what went on in the mind(s) of the filmmaker(s) during the making of these tense scenes? Well, it would of course make some sense, if he expanded the same critical statements to Quentin Tarantino or to any Hollywood director who directs a horror film (which, by the way, I would argue, Detroit could be counted as) or a thriller. Or almost any fictional movie, for that matter, regardless of whether there was a „true story“ which inspired it. Even about The Act of Killing, which is generally counted as one of the most important films of this century. I have to assume that the author, to come to his conclusion, deliberately misdescribes the work processes the filmmakers and actors went through. Which is why I cannot take his criticism seriously.

Nevertheless, I find Brody’s points in the earlier parts of his essay interesting enough, when he says that Bigelow and screenwriter Mark Boal are dealing with the story with too much of an outsider’s view: They, in the first part of the movie, „treat the black residents of Detroit, whose lives they dramatize, as an indiscriminate mass of people.“ However, the movie as a whole piece of work – as a piece of art even – puts that in context, and I really like the unconventional way they decided to take to tell their story, in several chapters with varying means of storytelling and ways of execution. (They went for a somewhat similar chapter-like approach in Zero Dark Thirty.) You can’t simply judge the first chapter of the film, even if the indisputably masterful visual directing in that „authentic style“ can be debated. Bigelow justifies that (possibly) distanced pseudo-documentary view – or semi-documentary, if you count the authentic snippets of film she included – of hers an „outsider“ (as not being a member of the black residents of Detroit, as a white narrator not having been involved in the actual events) with the rousing way she tells the story passionately and emphatically after its opening chapter. I don’t think you can criticize her at the same time for using distancing narrative techniques and exploitation. I think that is hypocritical.

2017 28 Nov

ijb’s favorite CDs & LPs of 2017

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01  Algiers The Underside of Power *****
02  Sevdaliza  Ison *****
03  François Couturier / Tarkovsky Quartet  Nuit blanche *****
04  Belief Defect  Decadent Yet Depraved *****
05  Anouar Brahem  Blue Maqams *****
06  Hope  [untitled debut lp] 
07  Kelela  Take me apart 
08  Kendrick Lamar  Damn.
09  Father John Misty  Pure Comedy
10  LCD Soundsystem  American Dream 

 
 

„[Belief Defect] reveal themselves as an artist deeply involved in the disruption and malaise of our society–and era—through shuddering, broken soundscapes and provocative confusion. If at times the acceleration is too much, I only ended up wondering if my own ear (trained to expect harmony, to reject dissolution) was the problem. BD explodes capacities and challenges musical norms, while also creating a sound which is intensely listenable. “Too eccentric to dance to” were Mark Fisher’s words of Burial, but he meant it as a remarkable and good thing to say. Belief Defect achieves a similar magic; to work in the tools of electronic music, and to push them beyond their capacities.“ (full review)

 
 

11  Erlend Apneseth Trio  Åra
12  The xx  I see you
13  Wolf Alice  Visions of a Life
14  The War On Drugs  A Deeper Understanding 
15  Diagrams  Dorothy
16  Noga Erez  Off The Radar
17  Björk  Utopia
18  Valerie June  The Order of Time
19  Lorde  Melodrama
20  Kangding Ray  Hyper Opal Mantis

 

21  The National and many, many others  Day of the Dead*
22  Zola Jesus  Okovi
23  David Virelles  Gnosis
24  Gas  Narkopop
25  Porter Ricks  Anguilla Electrica
26  Trio Mediæval & Arve Henriksen  Rímur
27  Phase Fatale  Redeemer
28  Tinariwen  Elwan
29  Protomartyr  Relatives in Descent
30  Jay-Z  4:44

 

   * 5 cd box with 57 interpretations of Grateful Dead songs

 
 
 
Mika Vainio (photograph courtesy of Ariel Martini)
 
 
 

honorary mentions

 

Mika Vainio († April 12th)  Reat
John Abercrombie († August 22nd)  Up and Coming 
Marcus Fjellström († September 3rd)  Skelektikon

 

2017 27 Okt

Junge Herren um die 70

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Vor zwei Tagen (vielmehr Nächten) sah ich mir im meist unterhaltsamen YouTube-Kanal von Pitchfork ein paar Videos an. Die haben z.B. eine schöne Reihe namens Liner Notes über Meisterwerke der Rockgeschichte, in vier bis fünf Minuten bekommt man eine gute Zusammenfassung über Geschichte, Hintergründe, Anekdoten, Einflüsse und so weiter von und zu wegweisenden Alben wie Ege Bamyasi, Turn on the Bright Lights, Another Green World, Appetite for Destruction, Doolittle oder Post. Da sah ich dieses über My Bloody Valentines Loveless. Und heute finde ich via NME und SoundCloud eine fast zehnminütige Zusammenarbeit zwischen Kevin Shields (My Bloody Valentine) und Brian Eno. Passt gut zusammen, was letztlich auch nicht überraschend ist.

Bei All About Jazz las ich vor ein paar Tagen ein interessantes Interview mit David Torn, über seine diversen derzeit im Entstehen befindlichen Alben, Arbeit an Filmen und seine netten Geschichten, wie er mit David Bowie zusammenkam und dann bei der Produktion von vier seiner letzten Alben mitwirkte, eine gemeinsame Tour aber nicht zustande kam. Da müssen noch ein paar unveröffentlichte Schätze im Tresor lagern. Wiederum gestern nahm ich die CD Jeff von Jeff Beck aus dem Regal und fragte mich, warum ich die nie anhöre. Ist sie vielleicht nicht so wirklich gut? Ich mochte You Had It Coming (amüsante Besprechung hier) meist irgendwie lieber. keine Ahnung, warum. Vielleicht ist einfach das Cover cooler. Aber dabei fand ich (wieder einmal?) heraus, dass David Torn auf mehreren der Stücke des Albums Jeff mitgewirkt hat. Im Kleingedruckten steht „Re-produced, mixed and manipulated at cell labs, New York by David Torn“. Und wenn David Torn draufsteht, bleibt eine CD natürlich in der Sammlung. Sie wird immer mal wieder neu entdeckt. Und irgendwie schwant mir gerade, dass Jeff womöglich das bessere Album ist, auch wenn You Had It Coming diese total weirde Version von Rollin‘ and Tumblin‘ mit Imogen Heap zu bieten hat, die ich gerne nach der Version von Dylan höre. Apropos ältere Herren: Das Cover des neuen Albums von Robert Plant finde ich ja auch ganz großartig.

 
 
 

 
 
 

Man sieht in dem Miniformat nicht die schönen Unschärfen, aber schon die Farben und das Porträt als solches sind toll. Ich mochte Robert Plant nie so wirklich. Bis ich vor fünfzehn Jahren irgendwie über Dreamland stolperte. Das war auf einen Schlag mein Lieblingsalbum von ihm. – Aber halt, das stimmt nicht ganz. Mein Vater (geb. 1950) hatte in den Neunzigern die beiden Duoalben von Page & Plant, und ich mochte das zweite (Walking into Clarksdale) immer sehr gerne, naja, eigentlich vor allem die fulminante Nummer Most High.

Aber Dreamland ist ein großartiges Album, mit einer recht jungen Band (oder vielleicht klingt sie auch nur jung … verjüngt, keine Ahnung) mit sehr starken Versionen von Hey Joe, One More Cup Of Coffee und einigem mehr. Da war ich hooked. Seitdem hat Plant eine geradezu unglaublich gute Serie gelungener Alben aufgenommen. (Die alten Sachen aus den Achtzigern und frühen Neunzigern sind dagegen weit weniger interessant.) Da ich Dreamland so toll fand, hab ich die CD und den Nachfolger Mighty Rearranger auch meinem Vater gekauft. Dann gab’s ein Folk-Blues-Countryalbum mit Alison Krauss, dann ein Blues-HardRock-Americana-Album namens Band of Joy (dem Namen von Plants allererster Band in den Sechzigern), und dann vor drei Jahren, als ich mit dem Auto zwischen New York und Montréal unterwegs war (meine Frau hatte dort eine Ausstellung, also bin ich mit, um den Fahrer zu mimen), da erschien das skurril betitelte lullaby and… The Ceaseless Roar, das ich eigentlich meinem Vater als Mitbringsel gekauft hatte, aber so hingerissen davon war, dass ich es selbst behalten habe. Es passte hervorragend zu diesen Fahrten durch den Nordosten der USA. Es ist nicht perfekt – mich stören die blöden Fade-Outs einiger Stücke, irgendwie stimmt der gesamte Rhythmus des Albums oder die Reihenfolge der Tracks nicht so richtig – aber die einzelnen Songs sind durchweg eins A.

Und nun also wieder ein neues Album, das ich sofort erworben habe. Plant ist seit 15 Jahren zuverlässig gut. Nun ja, auf Carry Fire ist jetzt nichts Überraschendes zu finden, und ich befürchte, die Platte ist nicht ganz so gut wie die Vorgänger… aber das macht nichts. Das Cover ist endlich mal richtig gut. Das beste dieser beeindruckenden Erfolgsreihe.

2017 29 Sep

Hans Zimmer meets Radiohead

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v i d e o
 
 

2017 15 Sep

Das Weite Land

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Im Rahmen meiner „50 States Tour“ bin ich nun in Oklahoma angelangt, einem der wenigen Staaten, die ich zuvor noch nicht besucht hatte. Und dabei fiel mir besonders auf, wie wenig ich tatsächlich bislang über dieses Land wusste. (Womit ich in Deutschland bzw. Europa sicherlich keinen Einzelfall darstelle.) Klar, anhand des markanten Umrisses könnte ich Oklahoma stets problemlos erkennen, und auch die Hauptstadt kann wohl jeder auch ohne Vorwissen benennen. Doch darüber hinaus war mir Oklahoma bislang eigentlich fast ausschließlich als Heimat der Flaming Lips ein Begriff. In der deutschen Wikipedia-Ausgabe werden erstaunlicherweise weder die Flaming Lips noch Wayne Coyne in der „Liste von Persönlichkeiten des US-Bundesstaates Oklahoma“ geführt. Dafür immerhin Chet Baker, J.J.Cale, Woody Guthrie, Lee Hazelwood, Chuck Norris und ja, auch William Bradley „Brad“ Pitt. Als Band werden immerhin Hanson genannt. Haha! Der Regisseur Ron Howard wurde übrigens in der Kleinstadt Duncan geboren, wo ich im Moment diese Zeilen verfasse. 

 

 

Also wollte ich endlich mal einen Ausflug in den Big Bend National Park einbauen und fuhr die vier Stunden von El Paso, der nächsten größeren Stadt, über Alpine, der letzten Ortschaft vor einer knapp 200km-Strecke zum Visitor Center des Nationalparks. Nach den Sommerferien sind dort mittlerweile nur noch sehr wenige Besucher unterwegs (auf der Rückfahrt kamen mir über knapp zwei Stunden Fahrt gerade mal zwei Autos entgegen — aber umso mehr Tiere, die die Straße überquerten), so dass man wirklich noch in die großen Weiten der amerikanischen Landschaft fährt. Ein außergewöhnlich schöner Ort ist dieser Nationalpark. Und wie schön, dass man auch heute, in Zeiten von Überall-Internet und stetiger Erreichbarkeit noch so weit hinaus fahren kann. Eine Autopanne möchte man da auch nicht haben.

 

 

In Texas findet man irgendwie alle Klischees wieder – aber auch einiges mehr. Faszinierend sind die Steinadler (Golden Eagles), die überall im Land umherkreisen. Kein Wunder ist er so etwas wie der Nationalvogel und prangt auf dem Great Seal of the United States. Auch durfte ich in Texas die Bekanntschaft mit den ernst dreinblickenden State Troopers auf dem Highway machen, die, als sie mich dabei erblickten, wie ich nach einer Ausfahrt kurz anhielt, um mein Fotostativ aus dem Kofferraum nach vorne zu holen, mit Fragen konfrontierten und letztlich eine Verwarnung ausstellten. Das war offenkundig ein Akt der Willkür, denn während sie die Begründung lieferten, ich hätte am Stop-Schild nicht haargenau am Schild, sondern erst zehn Zentimeter dahinter angehalten, taten zahlreiche andere Autofahrer quasi direkt neben uns genau dasselbe, eben weil man am Schild nicht um die Ecke sehen konnte.

Wie dem auch sei, sie befragten mich dazu, welche Art von Filme ich in Deutschland mache, wozu ich das Stativ auf dem Beifahrersitz installierte (Erläuterung: Ich mache z.B. Zeitrafferaufnahmen von meinen Fahrten auf den Straßen, die ich den beiden Polizisten natürlich direkt unter die Nase hielt. Antwort: „I get dizzy only from watching this. … How did you call this? … Time lapse, never heard that.“), warum ich die Autobahn überhaupt verlassen hätte, wo ich herkäme, wo ich hinwolle und ob ich irgendwas im Auto hätte, das ich dort nicht haben dürfe („Do you have anything in your vehicle which you shouldn’t have in there?“). Ich frage mich tatsächlich noch immer, welche Antwort er eigentlich zu hören hoffte.

Später erklärte mir jemand (a real Texan), dass höchstwahrscheinlich mein kalifornisches Kennzeichen die beiden Texaner dazu veranlasst hatte, mich unter die Lupe zu nehmen, „because Texans hate Californians“. Leider habe ich versäumt, die beiden um ein Erinnerungsfoto zu bitten. Immerhin betonte der größere der beiden, die wie aus einem Film entsprungen schienen, zum Abschluss noch einmal, wie man am Stop-Schild zu halten habe. „That’s how it is done here in Texas.“

 

 

Apropos Film: Wunderbare Musik zum Fahren hier ist die Soundtrack-CD Hell or High Water, dem starken Film von Taylor Sheridan, der schon das Sicario-Drehbuch geschrieben hat (das ja ebenfalls weitgehend in West-Texas, sowie in El Paso und Juarez spielt). Auch ohne Kenntnis des Films ein sehr empfehlenswertes Album! Taylor Sheridans Regiedebüt (spielt diesmal in Wyoming), für das er in Cannes den Regiepreis bekam, muss ich nachdrücklich empfehlen, Wind River, mit einer großartigen Musik von Nick Cave und Warren Ellis, kommt demnächst in Deutschland ins Kino. Mein „Lieblingsfilm“ in Cannes in diesem Jahr. Sehr bewegend.

Auch hörte ich bei Fahrten durch die Sonora-Wüste viele Aufzeichnungen der „Klanghorizonte“ (einige habe ich schon häufiger auf Autofahrten gehört), sehr passend etwa die Stunden vom 19. August, mit Joseph Shabason usw. Nicht zuletzt deshalb erwarb ich vor wenigen Tagen auch Father John Mistys Pure Comedy, da es in einer Special Edition für unschlagbare $7,99 bei CVS in Dallas stand. Noch besser ist, meiner Meinung nach, allerdings das neue, fantastische Album von The War On Drugs, A Deeper Understanding. Die perfekte Musik für Autofahrten durch Das Weite Land.

2017 23 Aug

„Over and gone“

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